(Bildnachweis: Searchlight / Eon / Warner Bros.)

Wenn der Film das Hauptgericht ist, dann sind die Credits die Vorspeise und das Dessert. Diese leckeren Häppchen, die entworfen wurden, um die Hauptaktion zu buchen, sind wesentliche Bestandteile des gesamten Films. Die besten Film-Kreditsequenzen geben den Ton an und bestimmen den Stil der kommenden Filme. So erhalten Sie einen Einblick in die Funktion, die sich gerade entfalten wird, ohne alle Geheimnisse preiszugeben. Einige erfreuen sich an technischer Zauberei, die Ihnen den Kopf verdrehen würde, andere verfolgen einen einfacheren, handgefertigten Ansatz, während andere diese Zeit gerne nutzen, um Outtakes, Gags und allgemeine Dummheiten auszuspinnen.

Es gibt keine Möglichkeit, eine knackige Kreditsequenz zu erstellen, bei der Grafikdesigner im Laufe der Jahrzehnte eine Reihe verschiedener Techniken anwenden. Frühere Kreative entschieden sich für die Verwendung praktischer Effekte, während sich modernere Designs sowohl auf physische als auch auf computergenerierte Effekte stützen. Unabhängig vom Medium oder der Dauer sind die Endprodukte der folgenden Filmkreditsequenzen wirklich etwas zu feiern.

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25. Zombieland (2009)

Apokalypsen in Filmen sind selten fröhliche Angelegenheiten. Sie würden nicht glauben, dass dies auf der völligen Albernheit von Zombielands Eröffnung beruht, in der wir Jesse Eisenbergs Charakter Columbus kennenlernen, während er die Regeln durchläuft, die für das Überleben der Zombie-Apokalypse unerlässlich sind. Diese grausame Montage bringt die Credits auf den Punkt, in denen Regisseur Ruben Fleischer die ultimative künstlerische Lizenz erhält, um uns auf die kommende blutbespritzte Zomedy vorzubereiten.

Diese Sequenz wird mit einer Phantom-Digitalkamera aufgenommen, die sich ideal für Zeitlupenfotografie eignet, und fängt eine Reihe von Zombie-Verstümmelungen in all ihrer blutigen, blutigen Pracht ein. Metallicas verhängnisvolle Thrash-Hymne „For Whom The Bell Tolls“ ist eine passende Einführung in seine Welt, die keinen Beat verpasst. Sie zementiert das Schicksal, das unsere unerschrockene Gruppe erwartet.

24. Juno (2007)

In jede Filmkreditsequenz fließen eine ganze Reihe von Komponenten ein. Für Juno waren das „ganze Los“ 900 Fotos von Ellen Page, die vom Designteam von Ehemann und Ehefrau Smith & Lee aufgenommen wurden. Das Paar druckte, handverfolgte und kolorierte xeroxierte Kopien dieser Bilder zuvor jedes einzeln ausschneiden. Das sind 900 Fotos, falls Sie es vergessen haben.

Diese Arbeit des Liebesdesigners Gareth Smith erforderte „übernatürliche Geduld“, und ihr Engagement zahlte sich aus, was die Titel zu einem integralen Bestandteil des Filmerlebnisses machte. Der scheinbar einfache Moment folgt Juno MacGuff, als sie von ihrem Haus zum Supermarkt geht, der von Kimya Dawsons funkelnden akustischen Gesängen begleitet wird. Es passt zu Junos Charakter, einem schrulligen, sprudelnden Teenager, so perfekt, dass es schwer vorstellbar ist, dass der Film anders beginnt.

23. Ferris Buellers freier Tag (1985)

Ferris ‚endgültiger Abschied ist in der Geschichte der Filmkredite verewigt. Ganz genau, sehr Am Ende der Kreditliste erscheint Matthew Broderick in seiner Robe, geht zur Kamera und spricht das Publikum direkt an: „Bist du noch hier? Es ist vorbei. Nach Hause gehen.“ Ein lustiges Stück, das seitdem von Deadpool in * seinen * Credits gefälscht wurde. Jeder kennt und liebt diesen Moment zu Recht und startet den Trend der Post-Movie-Tags.

Aber vergessen wir nicht das Comedy-Gold, das in der Main Abspann. Mit Ferris, Cameron, Jeanie und Co. Der Rest des Tages dreht sich weiter um Principal Ed Rooney. Immer noch ohne Schuh und mit den Spuren seiner Auseinandersetzung mit dem Hund der Familie Bueller versucht er, den Schulbus zu erwischen – da sein Auto früher abgeschleppt wurde. Es klingelt den Tag * perfekt *.

22. Harry Potter und der Gefangene von Askaban (2004)

Niemand sieht sich einen Harry-Potter-Film an, der eine schlüpfrige Sexszene vorwegnimmt. Und während der Abspann für den dritten Ausflug nicht gerade vor Erotik strotzt – dies ist immer noch ein Harry-Potter-Film, Leute -, enthalten sie doch einen Hauch von Ungezogenheit. Die Credits werden als Teil der Marauder’s Map, einer magischen Karte, die Harry und Co. Verwenden Sie diese Option, um Personen in der Umgebung von Hogwarts zu lokalisieren.

Während verschiedene Fußabdrücke auf der Karte herumstapften, entdeckten die Betrachter mit Adleraugen zwei ineinander verschlungene Fußpaare, wobei beide in unterschiedliche Richtungen blickten. Hm. Während es seitdem als ausgewachsener sexy Shenanigan entlarvt wurde – anscheinend war es nur ein Knutschfleck -, macht es diese Abspanns etwas schärfer als gewöhnlich.

Spider-Man: In den Spider-Vers (2018)

Das Eröffnungsproduktionslogo von Marvel und Columbia schaudert und pendelt zwischen modernen und Retro-Stilen. Das Faux-Glitch-Wackeln lässt Sie wissen, dass dieser Spider-Man etwas anderes hat. Es ist ein freches Augenzwinkern zu den stotternden Welten des Spinnenverses. Das ist nur für den Anfang. Die Credits beginnen mit stacheligen Dialogballons, um Sie im Comic-Fundament zu verankern und eine atemlose Geschichte von Peter Parker zu liefern.

In etwas weniger als zehn Minuten bringt Sie die Eröffnungssequenz auf den neuesten Stand des Charakters, indem Sie auf fragwürdige Spidey-Merch-Bilder nicken, animierte Nachbildungen von Szenen aus den Live-Action-Filmen, zu denen natürlich auch das schreckliche Tanzen von Spider gehört -Man 3 und Erwähnungen seines Weihnachtsalbums. Es ist lustiger als alle Spidey-Filme der 2000er Jahre und gibt den Ton für die Zukunft an.

20. Wall-E (2008)

Pixars moderner Klassiker, der von einem sympathischen Roboter erzählt, der die Erde durchstreift und die Überreste einer Zivilisation aufräumt, die den Planeten letztendlich unbewohnbar gemacht hat. Wie alle animierten Geschichten von Pixar funktioniert dieser Film für Kinder und Erwachsene gleichermaßen, und sein Abspann setzt die Geschichte des Films fort und verbindet die Hoffnung auf das Überleben der Menschheit mit einigen wirklich unglaublichen Kunstwerken.

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Mit der Arbeit des Designers Jim Capobianco wird die Geschichte der menschlichen Zivilisation durch inspirierende Kunst nacherzählt, die von unserer Vergangenheit über unsere Gegenwart bis in unsere Zukunft reicht. Höhlenmalereien bis hin zu Werken aus der Renaissance werden von Peter Gabriel und Thomas Newmans Lied „Down to Earth“ vertont. Der Film klingt auf einem hohen Niveau, ein klares Stück Optimismus, das bedeutet, dass nicht alles für den Menschen verloren ist. Wir haben eine weitere Einstellung.

19. Dr. No (1963)

Ein silhouettierter Mann betritt den Rahmen. Er dreht sich um, hebt die Pistole und schießt auf den Bildschirm. Blut fließt herab. Wenn Sie sich eine Bond-Kreditsequenz vorstellen, denken Sie wahrscheinlich genau an dieses Motiv. Diese ikonische Öffnung wird vom amerikanischen Designer Maurice Binder entworfen und als erste in Dr. No. vorgestellt. Seitdem dient sie als Eröffnungsmoment in Die meisten der von Eon produzierten Bond-Filme.

Dr. No’s Credits setzen sich in ihrer spärlichen Retro-Art fort, mit einer Reihe bunter Kreise, die ein- und ausgeschaltet werden, während neonfarbene Silhouetten von Frauen über den Bildschirm ziehen. Weit weniger wild als spätere Bond-Kredite, aber seine Einfachheit wirkt Wunder.

18. Sherlock Holmes (2009)

Guy Ritchies Sherlock Holmes erfand das öffentliche Image des fiktiven Detektivs neu und schenkte ihm Sixpacks und einen Shabby-Chic-Haarschnitt. Vor diesem Hintergrund ist es nur fair, dass Holmes für seine moderne Neuerfindung auch eine brandneue Art von Endkreditsequenz erhält. Der mit dem Emmy-Preis ausgezeichnete Kreativdirektor Danny Youst führte 14 Kreativdesigner bei Prologue Films dazu, eine Nacherzählung des Films in den letzten Augenblicken zu veröffentlichen.

Wenn Sie Standbilder aus dem Film schnappen und sie in einem cremefarbenen viktorianischen Stil wiederverwenden, verebbt die Tinte blutig über jeden Bildschirm, während die Bilder zum Leben erweckt werden. Zusammen mit Hans Zimmers Partitur der perfekte Weg, um Holmes ’neueste Inkarnation auszusenden.

17. The Naked Gun (1988)

Der Vorspann ist zwar ein guter Ort, um 17 Logos von Produktionsfirmen abzulegen, aber er ist auch ein Einstieg in die Vorbereitung des Publikums. Sie können diesen Bereich für einen großen Info-Dump verwenden und viele wichtige Dinge löschen, die Sie wissen müssen. Einige Filmemacher suchen auch nach stilvollen Eröffnungen. Das Team hinter The Naked Gun entscheidet sich jedoch für einen völlig anderen Ansatz.

Ja, hier geht es darum, die Szene für Lt. Frank Drebins dumme Mätzchen zu gestalten, während die Kamera mit blinkendem Licht auf einem Polizeiauto sitzt, was wie eine Routinepatrouille auf einer belebten Stadtstraße erscheint. Routine, das heißt, bis das Fahrzeug auf dem Bürgersteig steht, eine Handvoll Fußgänger streift und dann in eine Autowaschanlage, in einen Umkleideraum und auf eine Achterbahn fährt, bevor es schließlich durch das Fenster eines Donut-Ladens kracht. Subtil? Nicht im Geringsten.

16. Der Mann mit dem goldenen Arm (1955)

Die Fähigkeit des legendären Designers Saul Bass, den Ton seiner Credits dem Film anzupassen, ist der Grund, warum der Filmemacher Otto Preminger ihn 13 Mal engagiert hat, um die Ehre zu erweisen. Für The Man with the Golden Arm, den Film von 1955, der auf Nelson Algrens urbanem Roman über Sucht basiert, entschied sich Bass dafür, die Dinge spärlich zu halten.

Auf dem Bildschirm erscheint eine Reihe weißer Balken vor einem schwarzen Hintergrund, die mit Elmer Bernsteins fußklopfender Jazz-Partitur synchronisiert sind. Die Grafiken werden im Laufe des Abspanns zum Symbol eines unzusammenhängenden, gebrochenen Arms. Bass selbst erklärte seine Absicht, das Thema der Einsamkeit der Geschichte widerzuspiegeln, ohne zu düster zu werden. Heute bleibt dieser unnachahmliche Stil mühelos cool, ein Zeichen für sich selbst, dass der Film, den Sie gerade sehen, sein wird etwas.

15. Betritt die Leere (2009)

Es ist ein Erlebnis, den Vorspann von Gaspar Noes Enter the Void zu sehen. Eine Erfahrung, könnte man sagen, ähnlich eine Leere betreten. Sie sind ein Versuch, die Kreditsequenz auf ganz einzigartige Weise neu zu definieren. Denn wirklich, wenn Sie die Wörter auf dem Bildschirm kaum lesen können: Wofür sind sie überhaupt? Einfach. Um Sie in eine beunruhigende Welt der Gewalt zu stürzen.

Die Handlung folgt einem amerikanischen Drogenschieber, der von Polizisten in Tokio getötet wurde, und diese Eröffnungssequenz soll Sie scheinbar auf Noes kompromisslose Einstellung zu dieser Prämisse vorbereiten. Stroboskoplichter blinken mit jedem Credits-Block ein und aus, der durch das Pulsieren von LFOs „Freak“ vertont wird und Ihre Synapsen brät. Es ist eine unangenehme Empfindung, die ganz absichtlich ist.

14. Der rosa Panther (1963)

Während Blake Edwards ‚Krimikapriole von 1963 so lala ist, ist Peter Sellers als Inspector Clouseau zu sehen, ein Detektiv, der mit der Suche nach The Phantom beauftragt ist, einem Juwelendieb auf der Suche nach einem fehlerhaften Diamanten, der als „Pink Panther“ bezeichnet wird. Für die herausragende Eröffnungssequenz des Films brachte der legendäre Cartoonist Friz Freleng, der für seine Arbeit bei Warner Bros. bekannt ist und unter anderem Bugs Bunny, Yosemite Sam und Porky Pig kreierte, eine neue Zeichentrickfigur hervor, die auf dem Titel basiert.

Der Pink Panther spielt Streiche, spielt herum und spielt im Allgemeinen den Clown, alles nach Henry Mancinis Signature-Musik. Der Charakter erwies sich in dieser Eröffnungssequenz als solch ein Knaller, dass er in seinen eigenen TV-Shows mitwirkte und in allen Filmen mitwirkte.

13. Es ist eine verrückte, verrückte, verrückte, verrückte Welt (1963)

Sein Markenzeichen ist spärlich, sparsam und auf den Punkt gebracht, dies ist leicht eine der längsten und detailliertesten Kreditsequenzen von Saul Bass. Es ist eine verrückte, verrückte, verrückte, verrückte Welt, die mit einem einfach gezeichneten Globus beginnt, um den eine Reihe amüsanter visueller Gags entsteht. Eine Hand mit fetten Fingern betritt den Rahmen, um den Globus zu sägen und einen Kreditblock herauszuziehen. Wieder scheint sie die Kugel mit einem Schlüssel abzuwickeln, um einen anderen herauszuziehen. Dann kommt eine Henne vorbei.

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Zusammen mit Ernest Golds hektischem Musikthema verleihen der überfüllte Rausch der Schriftgrafiken und die amüsanten Skizzen diesem zufälligen Ideenfetzen einen Hauch von Farbe. Es ist ein einfaches Konzept, das perfekt zum Titel des Films passt, um zu zeigen, wie verrückt die Welt wirklich ist.

12. Deadpool (2016)

Angesichts der Tatsache, dass Deadpools On-Page-Persona so etwas wie ein meta-besessener Scherzvogel war, gab es keine Chance, dass die Credits für seinen langjährigen Film diesen Einfluss nicht kanalisieren würden. Ein Autobahn-Feuergefecht zwischen dem Titelhelden und einem Auto von schlampigen Rohlingen geht für die Bösen schnell seitwärts. Im Moment ihres Ablebens bewegt sich die Kamera langsam durch das rasende Fahrzeug und enthüllt aus nächster Nähe den Schaden, der den Gaunern zugefügt wurde, zusammen mit einer Ausgabe des People-Magazins, in der Ryan Reynolds zum sexiest man Alive erklärt wird. Die Credits lösen sich über diesen blutigen Schnappschuss.

Sogar die Titel selbst machen Fotos von der Besetzung und der Crew, in denen Regisseur Tim Miller als „ein überbezahltes Werkzeug“ und der führende Mann Reynolds als „Gottes perfekter Idiot“ aufgeführt sind. Eine ausführliche Einführung in Deadpool.

11. Wächter (2009)

Der klassische Graphic Novel von Alan Moore und Dave Gibbon erhielt 2009 seine erste Bildschirmbehandlung mit Zack Snyders Adaption in Spielfilmlänge. Mit einer Laufzeit von drei Stunden reichte diese Laufzeit immer noch nicht aus, um dem Publikum die erforderliche Hintergrundgeschichte zu bieten, was zu dieser hervorragend gestalteten Eröffnungskreditsequenz von Neil Huxley führte.

Es zeigt Bob Dylans „Time’s They Are A’changin“ in ruhmreicher Zeitlupe und zeigt den Aufstieg der Superheldengruppe von ihrem früheren Monicker, den Minutemen, zum Watchman. Im Laufe der Jahre erleben wir ihre Beteiligung an mehreren wichtigen historischen Momenten: dem Zweiten Weltkrieg, Vietnam, der Ermordung von JFK, um nur einige zu nennen. Es ist ein schneller Aufholprozess für Neulinge im Material und gibt den Ton für den kommenden Film an.

10. The Magnificent Ambersons (1942)

(Bildnachweis: RKO Radio Pictures)

Orson Welles ‚zweiter Spielfilm, sein legendäres Melodram The Magnificent Ambersons, erlangte aus vielen Gründen Bekanntheit – seine problematische Produktion und Studiointerferenz -, aber keiner war interessanter als sein Abspann. Anstatt einen traditionellen Appell aufzunehmen, beschloss Welles, das Publikum über gesprochene Credits seiner Besetzung und Crew vorzustellen.

In einer schönen Hommage an seine frühen Radiotage, als die letzte Einstellung verblasst, durchläuft Welles ‚Baritonstimme die an der Produktion Beteiligten. Für den Bruchteil einer Sekunde blinkt ihr Gesicht auf dem Bildschirm oder die von ihnen verwendete Ausrüstung erscheint. Wie bei vielen von Welles ‚Entscheidungen ist es eine ungewöhnliche, die erheblich auffällt, selbst wenn er zu dieser Zeit viel Flack dafür erhalten hat.

9. Baby Driver (2017)

Edgar Wright verbrachte Jahrzehnte damit, Baby Driver zu planen, eine Überfallgeschichte, die aus der Sicht des musikbesessenen Fluchtfahrers erzählt wurde. Die Eröffnungssequenz beginnt unmittelbar nach einer sechsminütigen Verfolgungsjagd, in der wir Ansel Elgorts beweglichem und groovendem Youngster die Straße entlang zum Sound des Harlem Shuffle folgen.

Aber das ist nicht der beste Teil: Wrights spielerischer Stil malt die Texte zu dem Song rund um Baby, während er seine Sachen stolziert. Sie erscheinen auf Bäumen, am Himmel und auf Beschilderungen. Mit Anmut und Mühelosigkeit zu springen, um Passanten auszuweichen, ist Babys Reise, um seinen Mitverschwörern einen Kaffee zu schnappen, mehr als eine einfache Kamera, die ihn verfolgt, während Credits erscheinen. Wright verwandelt diesen ungezwungenen Moment in einen, den wir alle erkennen können: die Straße entlang gehen, unseren Lieblingssong hören, sich unaufhaltsam fühlen.

8. Fang mich, wenn du kannst (2002)

Seltsamerweise wurde der Vorspann von Catch Me If You Can nicht von Saul Bass entworfen. Diese Eröffnungsrede zu Spielbergs Krimikapern ist eine glorreiche Hommage an die Grafikdesigner der 50er und 60er Jahre, als der Filmemacher die französischen Designer Kuntzel und Deygas anwies, eine Kreditsequenz zu produzieren, die direkt von dieser Ära beeinflusst war. Und sie enttäuschen nicht. Linien springen neben riesigen bunten Blöcken in den Rahmen hinein und aus ihm heraus und bewegen sich im Takt der coolen, sanften Ouvertüre von John Williams ‚Jazz-inspirierter Partitur.

In Übereinstimmung mit dem allgemeinen Geist von Spielbergs Adaption begleitet eine unbeschwerte Melodie einen Ausschnitt aus DiCaprios Charakter, dem charmanten Conman, während er Szene für Szene durch einen Strafverfolgungsbeamten geht. Ein kleiner Film für sich, der die perfekte Vorbereitung für einen der am meisten unterschätzten Filme von Spielberg darstellt.

7. Fight Club (1999)

Die bombastischen Eröffnungskredite von Fight Club von Digital Domain sollten das Publikum absichtlich entfremden. Die Stöße der hektischen Partitur von The Dust Brothers und das rasende Bild der Kamera, die einen Gedanken durch den Hirnstamm des Erzählers jagt, sind nicht warm und verschwommen. Diese Credits nerven. Es ist der Punkt.

Die erste Aufnahme stammt aus dem Angstzentrum des Erzählers und wagt sich nach außen, während das Digital Domain-Team das hochmoderne CGI einsetzt, um das menschliche Gehirn so abzubilden, wie Sie es von einem Baum gewohnt sind. Während die Kamera um Synapsen herum slalomt, Neuronenblitze feuern, werden die Dinge immer schwindelerregender und gipfeln in dem Rückzug entlang des schmutzigen, öligen Kamms von Smith und Wesson. Bevor Sie es überhaupt bemerkt haben, wurden Sie bereits in das seltsame Innenleben des Erzählers eingeführt.

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6. The Shining (1980)

Manchmal landet die einfachste Option mit der größten Auswirkung. Für The Shining verzichtet Kubricks Vorliebe für lange, ununterbrochene Aufnahmen auf Schnickschnack und behält konstant konstante Stimmungslandschaften bei, ähnlich wie beim Vorspann. Aus der Sicht eines Adlers sieht die Kamera hoch über dem Auto der Torrances aus, während sie sich die Straße entlang windet, sich durch schneebedeckte Felsen und Tannen schlängelt, an einem glitzernden See vorbeifährt und hier und da einen Spritzer immergrüner Baumkronen zeigt wenn sie auf dem Weg zum Overlook Hotel langsam von etwas Unsichtbarem verschlungen werden.

Als die Kamera noch höher steigt, ist das Familienfahrzeug kaum sichtbar und wird von der Natur verschluckt, während sie auf ihr Schicksal warten. Allein in seiner Grafik verdient The Shining ernsthafte Punkte für seine Eröffnungskredite, die fest im Reich der Hölle landen, aber die Kirsche auf diesem finsteren Sonntag ist die Partitur: basierend auf einem Gregorianischen Gesang aus dem 13. Jahrhundert, Das widerwillige Thema von Carlos und Elklund ist die perfekte Begleitung für den Eintritt der Torrances in das isolierte Schicksal.

5. Lord of War (2005)

Dieser Actioner ist wohl eine der besten Rollen von Nicolas Cage in den letzten zwanzig Jahren und taucht von Anfang an in die Welt der Waffenhändler ein. Die Reise einer Kugel von ihren Ursprüngen bis zu ihrem endgültigen Zweck, wenn sie aus dem Lauf einer Waffe schießt, wird in dieser einzigartigen, in sich geschlossenen Sequenz aufgezeichnet.

Die Kamera orientiert sich an einem Ego-Shooter und nimmt eine Fahrt auf einer Kugel auf. Sie verfolgt ihren gesamten Lebenszyklus vom Moment der Erstellung in einer Fabrik über den Transport in einem Versandbehälter bis hin zu den Händen von Als Gang ist es eine wirklich faszinierende Sequenz, die umso beeindruckender wird, als Buffalo Springfields „For What It’s Worth“ übertrieben spielt. Dies ist sicherlich eine Möglichkeit, die zweiminütigen Credits maximal zu nutzen. Dies ist nicht nur eine visuell dynamische Kreation, sondern auch eine kreative Möglichkeit, zusätzliche Expositionen in den Film einzubauen – ohne dass dies über einen klobigen Dialog erfolgt.

4. Vertigo (1958)

Credits erscheinen über einer Nahaufnahme von Kim Novaks verängstigtem Gesicht, während ihre Augen von einer Seite zur anderen huschen. Der Titel des Films geht von ihrer Schülerin aus, die schnell von spirografischen Bildern verfolgt wird und nach außen wirbelt. Die Titel erstrecken sich über den Rahmen, während eine nachlassende psychedelische Masse den Bildschirm überflutet. Angespannt, meisterhaft geschnitten und äußerst nervig ist die deutliche Öffnung zu Hitchcocks Schwindel einfach ausgedrückt: eine Stimmung.

Saul Bass ‚traditionelles minimalistisches Werk verbindet die Bilder von John Witney mit Bernard Hermanns ahnungsvoller Partitur und setzt die Szene perfekt für das spannende Feature. Es ist keine Überraschung, dass diese Sequenz weiterhin Diskussionen darüber hervorruft, was Credits erreichen können, entweder als Aufwärmübung für den Hauptact oder als eigenes filmisches Meisterwerk.

3. Seven (1995)

David Finchers dunkler, düsterer Thriller aus der Mitte der 90er Jahre, dem das erneute Interesse an der Kunst des Kreditdesigns zugeschrieben wurde, brauchte einige dunkle, düstere Credits. Eintreten: Kyle Cooper. Der Designer, der mit der Aufgabe beauftragt war, suchte nach Inspiration für Serienmörder aus dem wirklichen Leben. Insbesondere die akribischen Gewohnheiten, die ihren Alltag ausmachen. Cooper konsultierte Fincher, um Requisiten aus dem Film zu verwenden, den John Doe für seine widerlichen Vorbereitungen verwendete.

Der Soundtrack remixt Nine Inch Nagels „Closer“ zu einem hektischen, verstörenden Fleck von Stakkato-Entlassungen, die zwar unangenehm zu hören sind, aber genau die Stimmung erzeugen, die erforderlich ist, um das Publikum in Does Welt methodischer Abweichung zu versetzen. Sie können sich moderne Horror-Kreditsequenzen ansehen, um Coopers lang anhaltenden Einfluss zu sehen.

2. North by Northwest (1959)

Linien ragen in den Rahmen und verschmelzen schließlich zu einem Wolkenkratzer. Namen erscheinen in Blockschrift und zoomen über den Bildschirm. Dies ist die erste Instanz einer solchen kinetischen Typografie, die in einer Credits-Sequenz verwendet wird. Von der ersten Sekunde an: Es steht außer Frage, dass Saul Bass diese ikonische Sequenz geschaffen hat. Es ist einfach, auf den Punkt gebracht und lässt sich wunderbar mit dem vorhergehenden Film synchronisieren.

Bass war eine natürliche Anlaufstelle für Alfred Hitchcock, der den minimalistischen Designer beauftragte, die Eröffnungskredite für North by Northwest nach seiner Arbeit an Vertigo im Vorjahr zu erstellen. Seine Arbeit, die mit Bernard Hermanns Roving-Partitur gepaart ist, hebt diese Sequenz hervor, da ein Gitter sich kreuzender Linien die Grundlage für die kommende Geschichte bildet.

1. Goldfinger (1964)

Ein weiterer Bond-Eintrag, der seit langem als Goldstandard für Kreditsequenzen gilt. Der dynamische Beginn von Goldfinger wurde von Robert Brownjohn kreiert und ist ein Cracker, der mit dem British Design and Art Direction Gold Award ausgezeichnet wurde und 2012 als MOMA-Installation auftrat.

Dies ist keine typische Titelsequenz. Es ist optisch atemberaubend und bietet eine Melodie, die auf die Zehen klopft und die Show stoppt. Zusammengenommen erzeugen diese Elemente eine Stimmung, die das Publikum auf das, was kommt, vorbereitet und ein Beispiel für Goldfingers Mysterium, Action und Spannung liefert. Das Filmmaterial aus den vorherigen Bond-Filmen wird zusammengefügt und auf den Körper der Schauspielerin Margaret Nolan projiziert, während Shirley Bassey das jetzt ikonische Signaturthema des Films herausarbeitet.