Die 25 besten Filme des Jahres 2020

Die 25 besten Filme des Jahres 2020(Bildnachweis: Zukunft)

Es ist ein ziemliches Jahr her. Trotz der weltweiten Schließung von Kinos war 2020 ein weiterer herausragender Zeitraum von zwölf Monaten für den Film. Dank Streaming und On-Demand-Diensten wurden einige der besten Filme des Jahres 2020 nicht auf der großen Leinwand, sondern auf unseren Fernsehern abgespielt. Das hat nichts dazu beigetragen, die Qualität dieser brillanten Filme zu beeinträchtigen – und die Auswahl dieser Liste war, wie jedes Jahr, ein Kampf.

Es gab Tränen, es gab Wutanfälle, aber die Schreiber von Total Film einigten sich schließlich auf die besten Filme des Jahres 2020. Die schlechten Nachrichten? Hubie Halloween hat es nicht geschafft. Die guten Nachrichten? Ungeschnittene Edelsteine ​​haben es getan. Und der Wettbewerb war hart. Zu beachten: Da unsere Mitarbeiter in Großbritannien ansässig sind, haben wir Filme ausgewählt, die zwischen dem 1. Januar und dem 31. Dezember in Großbritannien veröffentlicht wurden. Das heißt, kein Nomadland, aber Parasit zählt.

25. Shirley

Shirley

(Bildnachweis: Neon)

Die amerikanische Autorin Shirley Jackson ist am besten dafür bekannt, The Haunting Of Hill House zu beschwören. Die Entstehung ihres bildungsromanen Hangsaman aus dem Jahr 1951 steht jedoch im Mittelpunkt von Josephine Deckers experimentellem „Biopic“, das eine Periode in Jacksons Leben neu definiert, als wäre es eine ihrer berühmt beunruhigenden Geschichten.

Als Fiktion ist es eine spannende und verdrehte Geschichte, die ziemlich genial auf den Tropen von Jacksons eigenen Geschichten (gruselige Häuser, okkulte, unglückliche Ehen) spielt. Manchmal kann es sich wie eine Adaption einer verlorenen Jackson-Kurzgeschichte anfühlen, in der Decker mit bezaubernder Kameraarbeit mit flachem Fokus einen Zauber wirkt.

24. Lied ohne Namen

La Vida Misma Filme

(Bildnachweis: Lied ohne Namen)

Melina Leóns Bericht über Georgina (Pamela Mendoza), eine junge, mittellose Mutter im vom Bürgerkrieg betroffenen Peru, die ihr Kind nach der Geburt in einer gefälschten Klinik gestohlen hat, zeigt die Notlage derer, die nichts haben, um eine Welt zu erobern, die kaum so ist erkennt ihre Existenz an.

Eine Journalistin (Tommy Párraga) entdeckt ihren Fall und enthüllt die schreckliche, vom wirklichen Leben inspirierte Wahrheit. Passend in zeitlosem 4: 3-Monochrom festgehalten, ist dies ein Werk von einzigartiger Zartheit, wunderschön in seiner Trostlosigkeit und zutiefst traurig.

23. Harley Quinn: Greifvögel

Raubvögel

(Bildnachweis: DC Films)

DC Comics hat seinen Groove gefunden und Birds Of Prey beweist, dass DC am besten ist, wenn es sich löst. Während dies mit Harley Quinn nach dem Selbstmordkommando 2016 aufgegriffen wird, würden Sie es nicht genau als Fortsetzung bezeichnen. Es ist klanglich sehr unterschiedlich und überträgt keine Charaktere außer Harley. Tatsächlich ähnelt es Deadpool am meisten, mit seinem Antihelden mit R-Rating, dem Abriss der vierten Wand und dem respektlosen Ton, der sich am Titelcharakter orientiert.

Mit einem Tempo, das wie ein Roller Derby klappert, einer erfolgreichen Knebelrate und einem allgemeinen Ton der Respektlosigkeit – ein schmutzig lecker aussehendes Sandwich ist ein wesentlicher Bestandteil von Harleys Handlungsbogen – ist es unerbittlich, hyperaktiv und bösartig unterhaltsam. Genau wie Harley selbst.

22. Bombe

Bombe noch

(Bildnachweis: Lionsgate)

Bombshell, der erste große # MeToo-Film, verfolgt den Kampf um die Beendigung der 20-jährigen Amtszeit von Fox News-Supremo Roger Ailes als sexuelles Raubtier. Ein pacy, glänzendes, sternenklares Drama über die hohen Kosten für das Richtige, das den predigenden Vortragsmodus für Frauen als Opfer ausweicht. Stattdessen entführt es Sie mit dem Kopf voran in Manhattans verrückte, überaus republikanische Fox News-Festung, das meistgesehene Kabelnetz in Amerika. Charlize Therons unheimliche, maßgebliche Megyn Kelly (Fox ‚berühmte Bienenkönigin) entführt uns auf eine spielerische, vize-artige, das Publikum ansprechende Tour durch Ailes‘ Königreich,

Bombshells Blondinen sind verlockend fehlerhaft – moralisch kompromittiert, professionell rücksichtslos, voller geteilter Loyalitäten. Roach und Randolphs größte Errungenschaft besteht darin, unter die Haut zu gehen, um zu zeigen, wie sexuelle Belästigung einen Arbeitsplatz schafft, der vor Gefahr und Unsicherheit für Frauen knistert. Wie ihr Vorgänger von Network (1976) sind sie verdammt verrückt und werden es nicht mehr ertragen.

21. 1917

1917

(Bildnachweis: Universal)

Die schillernden langen Einstellungen von 1917 gehörten zu den beeindruckendsten technischen Leistungen des Jahres 2020 im Film, obwohl sie kein echter „Oner“ waren. Bagging The Deaks sein zweiter Oscar, die atemberaubende Kinematographie war alles andere als eine Spielerei, die die Zuschauer völlig in den Bann zog, als George MacKays Squaddie durch schlammige Gräben stapfte und unerbittlichem Gewehrfeuer ausweicht.

Von Regisseur Sam Mendes mitgeschrieben und mit einer Geschichte, die von den Erfahrungen seines Großvaters im Ersten Weltkrieg inspiriert war, war es ein Leidenschaftsprojekt, das – wie Christopher Nolans Dunkirk zuvor – einem abgenutzten Genre neues Leben einhauchte.

20. Die Weite der Nacht

Die Weite der Nacht

(Bildnachweis: Amazon)

Nur wenige Genres eignen sich für große und kleine Filme wie Science-Fiction. Andrew Pattersons Debüt kostete weniger als eine Million Dollar, fungierte aber als mächtige Visitenkarte, als er Teenie-Drama und Science-Fiction-Paranoia verschmolz und gleichzeitig dem goldenen Zeitalter des Radios und dem Kommen des Fernsehens huldigte.

Als ein Radio-DJ (Jake Horowitz) und ein Telefonist (Sierra McCormick) in den 1950er Jahren in der Kleinstadt New Mexico eine seltsame Audiofrequenz entdeckten, behielt er die Stimmung bei und bot eine der verblüffendsten Tracking-Aufnahmen von das Jahr.

19. Niemals selten manchmal immer

Nie selten manchmal immer

(Bildnachweis: Fokusfunktionen)

Eliza Hittmans klares Drama über ein jugendliches Mädchen (talentierte Newcomerin Sidney Flanigan), das eine Abtreibung außerhalb des Staates anstrebt, war sicherlich ein „Themenfilm“ in einem Jahr, in dem die Gesundheitsversorgung von Frauen ernsthaft bedroht war. Aber die Delikatesse, mit der Hittman gelegentliche Frauenfeindlichkeit, die Schwesternschaft der Freunde und die ländliche Sozioökonomie aufhob, sorgte für eine dringende feministische Geschichte. Und diese Szene, die dem Film seinen Titel verlieh, wurde in einer Einstellung erreicht.

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„Ich versuche zu vermeiden, mehr nachrichtenorientierte Arbeit zu leisten“, sagte Hittman, „aber in diesem Film geht es wirklich um die Auswirkungen, die diese Hindernisse [auf eine Kündigung] auf das Leben der Menschen haben.“

18. Felsen

Felsen

(Bildnachweis: Film4)

„Erinnert sich an The Bicycle Thief, das in satten Farben mit einem angesagten Afrobeat-Soundtrack überarbeitet wurde“, schrieb Variety. In der Tat ein großes Lob für Sarah Gavrons in London angesiedeltes realistisches Drama, das sich ebenfalls an nicht professionelle Schauspieler wandte, um die Geschichte des Teenagers Shola (Bukky Bakray) zu erzählen, der sich und ihrem jüngeren Bruder (D’angelou Osei Kissiedu) zu ihrer Zeit überlassen hatte Mama macht einen Läufer.

Rocks, der ein Jahr lang eingekauft hatte, fühlte sich lebendig und authentisch und weigerte sich, die Zuschauer mit dem Spülbecken über den Kopf zu schlagen, rieb aber viel Sand in die Feier der weiblichen Freundschaft.

17. Besitzer

Besitzer

(Bildnachweis: Neon)

Brandon Cronenberg hat bewiesen, dass er auf dem besten Weg ist, seinem gefeierten Vater mit einem Science-Fiction-Horror gleichzukommen, der so verstörend war, dass Crash wie Autos aussah. Der Film spielt Andrea Riseborough als Ghost-in-the-Shell-Attentäter, der den Verstand entführt, um den perfekten Kill zu erzielen, und Cronenbergs vollendete weltbildende und kluge Erforschung fleischiger Themen (Identität, Verbindung zwischen Körper und Geist) war beeindruckend aufeinander abgestimmt von Dan Martins widerlich ekligen Spezialeffekten.

„Der Film wendet sich nicht ab“, sagte Cronenberg von Possessors unerschütterlicher Darstellung viszeraler Gewalt. Sie werden auch genietet.

16. Relikt

Relikt

(Bildnachweis: IFC Midnight)

Angeblich eine Geschichte über das Übernatürliche über eine Frau (Emily Mortimer), die versucht, das Verschwinden ihrer OAP-Mutter und die buchstäblichen Unebenheiten in der Nacht in Ma’s knarrendem Stammhaus zu lösen, war dieses phantasievoll beunruhigende Debüt der japanisch-australischen Schriftstellerin / Regisseurin Natalie Erika James wirklich eine Abhandlung über Altern, Demenz, Trauer und die Last der Fürsorge für Frauen.

„Es ist wirklich beruhigend, es mit Menschen zu teilen und zu erkennen, dass andere Menschen ähnliche Dinge durchgemacht haben“, sagte Mortimer, dessen verstorbener Vater mit Demenz zu kämpfen hatte. „Es macht uns menschlich.“

15. Wolfswanderer

Wolfswanderer

(Bildnachweis: IMDb)

Wölfe, Magie, mittelalterlicher Kampf, Sean Bean. es wäre verlockend, Cartoon Saloons hochkarätiges Haarmärchen „Game Of Thrones für Kinder“ zu nennen, wenn es nicht eines dieser seltenen animierten Features wäre, das auch Erwachsene zum Weinen bringt! Nochmal!“ Hinter der erzählerischen Einfachheit – Wölfe gegen Holzfäller – stecken emotionale Raffinesse und wilder künstlerischer Ehrgeiz: expressionistische Schnörkel, kontrastierende Stile (Holzschnitt, Aquarell) und die beste Verwendung von wirbelnden Geruchspfaden auf dieser Seite einer Bisto-Werbung.

Es hat auch nahtlos das Mythische (Waldgestaltwandler) mit dem Faktischen (Antagonist Oliver Cromwell) verwoben. „Es macht Spaß, mit der Geschichte zu spielen“, sagte Co-Regisseur Ross Stewart.

14. Wonder Woman 1984

Wonder Woman 1984

(Bildnachweis: Warner Bros.)

Wonder Woman 1984 ist genau der Blockbuster 2020, der benötigt wird. Wie Joker verbindet es sich mit all der Einsamkeit und Enttäuschung und Angst und Wut, die so viele in den letzten Jahren beherbergt haben, aber es gibt alles eine positive Wendung, um eine Botschaft der Liebe, Hoffnung und Verbindung über alle Grenzen hinweg zu übermitteln. Jenkins ‚Bild hat eine Reinheit, die sich vor fünf Jahren vielleicht naiv angefühlt hat, sich jetzt aber nicht nur sehr willkommen, sondern auch notwendig anfühlt.

Diese Fortsetzung lassos die Wahrheit des Hier und Jetzt, selbst wenn Menschen in Muschelanzügen an riesigen Musikgeschäften vorbeigehen. Es ist Zeit, die Platte umzudrehen, heißt es – Zeit für Opfer und Freundlichkeit. Das ist Musik für das Herz.

13. Ich denke daran, Dinge zu beenden

Ich denke daran, Dinge zu beenden

(Bildnachweis: Netflix)

„Ich habe während meiner gesamten Karriere geübt, meine Absicht nicht zu erklären“, sagte Charlie Kaufman im Juli, als er seinen ersten Roman, Antkind, veröffentlichte. Besser, er überlässt es anderen zu theoretisieren – und Junge, hatten alle und ihr zitternder Hund eine heiße Einstellung zu seinem Netflix-Film Ich denke an das Ende der Dinge, in dem Zeit und Wahrheit ungeschehen gemacht werden, wenn ein ungeschicktes Paar (Jessie Buckley), Jesse Plemons) besuchen seine Leute (Toni Collette, David Thewlis).

Eine kopfkratzende Odyssee, wunderschön und schrecklich, hoffnungsvoll und trostlos. Buckley und Plemons eignen sich hervorragend als zentrales Duo.

12. Host

Host Horrorfilm

(Bildnachweis: Shudder)

Willkommen zum neuen Paranormal: Ein Film, in dem die Videokonferenz-App Zoom verwendet wurde, um das Found-Footage-Genre wiederzubeleben, während sich sechs (wenn Sie Teddy zählen) Freunde zu einer virtuellen Sitzung zusammenschließen, die heftig schief geht. „Ich wollte die Erwartungen der Menschen untergraben“, sagte Regisseur Rob Savage. „Weil ich denke, es klingt wie eine Scheißidee auf dem Papier.“

Auf Shudder wurde es jedoch zu einem Phänomen, das Bewunderung über seinen Einfallsreichtum (alle kommen zusammen, um aus der Ferne zu arbeiten) und Schreckensschreie über seine Schreckentaktiken auf sich zog, die von aktueller Ausbeutung der Isolation bis zu altmodischem Boo reichen! (und gefälschte Boo!) Momente. App fab.

11. Beruhige dich mit Pferden

Ruhe mit Pferden

(Bildnachweis: Film4)

Dies war ein heißes Debüt des Absolventen der National Film and Television School, Nick Rowland, und folgte dem Unglück des Boxers (Cosmo Jarvis) im ländlichen Irland, als er sich bemühte, die Vaterschaft mit einem autistischen Kind, die Knechtschaft mit einem skrupellosen Gangster und einer Art in Einklang zu bringen der Menschheit inmitten des Gemetzels. Mit einem dröhnenden Blanck Mass-Soundtrack, der die Spannung verstärkt, wurde Calm With Horses von Festivals geliebt und von Lockdown verdrängt.

„Zwei Tage nach Veröffentlichung wurden alle Kinos geschlossen“, sagte Rowland. „Es ist herzzerreißend, aber man muss die Dinge relativieren. Zumindest existiert der Film. “ Es ist jetzt auf Netflix in Großbritannien.

10. Der Assistent

Der Assistent

(Bildnachweis: Bleecker Street)

„Es ist ein Film über Monotonie“, sagte die Autorin / Regisseurin Kitty Green. „Aber ich wollte nicht, dass es zu eintönig ist.“ Im Gegenteil, diese # MeToo-Ära-Studie über tägliche Plackerei, Elend und Frauenfeindlichkeit war nie weniger als grimmig.

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Einige seiner Themen stimmten mit Bombshell überein, aber Green’s Film erzielte in viel kleinerem Maßstab größere dramatische Auswirkungen und konzentrierte sich auf Julia Garners brillant untertriebene Leistung als Jane, Büroassistentin eines nie gesehenen Filmmoguls. Während die Weinstein-Parallelen unausweichlich waren, lag die wahre, verheerende Kraft des Films in der akuten Hervorhebung von Selbstzufriedenheit, Komplizenschaft und männlichem Anspruch.

9. Saint Maud

Saint Maud

(Bildnachweis: Studio Canal)

Das kühne Debüt von Rose Glass hat sich tief in die Gedanken der evangelischen Krankenschwester des Titels (Morfydd Clark) eingegraben, deren religiöser Eifer ihren Höhepunkt erreicht, wenn sie versucht, ihre Patientin (Jennifer Ehle) zu „retten“. Dieser gotische Horror wurde in Scarborough gedreht und bietet mehrere Lesungen (ist Maud psychisch krank oder gesalbt?). Er forderte das Publikum heraus und stellte sicher, dass sie nie wieder einen Daumen sehen wollten.

Nennen Sie es einfach nicht „erhöht“, ein schlauer Begriff laut Glass. Ihre eigene Beschreibung? „Eine beschissene, hoffentlich lustige Charakterstudie, die in Horror übergeht. So habe ich immer darüber nachgedacht. „

8. Der unsichtbare Mann

Der unsichtbare Mann

(Bildnachweis: Universal)

Horror-Remakes gibt es in zwei Varianten: eine schreckliche Zeitverschwendung (* Husten * The Mummy) oder eine schrecklich kluge neue Variante. Leigh Whannells grundsätzliche Neuinterpretation von James Whales Horror-Klassiker passte genau in die letztere Kategorie. Mit Unsichtbarkeit als äußerst wirksame Metapher für Gaslicht und psychologische Folter stellte sie HG Wells ‚titelgebenden transparenten Kerl als einen Trottel vor, der in einem echten Trauma verwurzelt war, obwohl Elisabeth Moss‘ Cecilia weit davon entfernt war, ein unglückliches Opfer zu sein, einfallsreich und widerstandsfähig gegenüber dem Schlag des Films -air letzte Frames.

Ernsthaft mag es sein, aber The Invisible Man hat nicht an Achterbahnangst gespart, Whannells selbstbewusste und kreative Versatzschocks, die durch intelligentes, subtiles VFX unterstützt werden. „Ich wollte etwas machen, das wie ein Stiefel am Hals des Publikums war“, sagte Whannell, dessen Arbeit ihm einen Schuss auf eine andere Horror-Ikone mit The Wolfman einbrachte, in der Ryan Gosling die Hauptrolle spielen soll. Wenn Sie uns ähnlich sind, werden Sie immer noch Schwierigkeiten haben zu atmen.

7. Porträt einer brennenden Dame

Adele Haenel und Noemie Merlant im Porträt einer brennenden Dame

(Bildnachweis: Curzon)

Die sinnliche, intellektuelle Romanze des Schriftstellers / Regisseurs CÉline Sciamma, die Ende Februar veröffentlicht wurde, schaffte es dankenswerterweise auf die Leinwand, bevor die britischen Kinos geschlossen wurden. Diese intime Geschichte verdiente eine epische Leinwand. Es war auch ein Film, der ohne Ablenkung zu sehen war und Geduld forderte – und reichlich belohnte -, da er den Funken der Verbindung zwischen der französischen Malerin Marianne (NoÉmie Merlant) aus dem 18. Jahrhundert und ihrem neuesten Thema, der porträtscheuen HÉloÏse (AdÈle Haenel), entzündete ).

„Ich wollte wirklich auf den ersten Blick von dieser Idee der Liebe abweichen“, sagte Sciamma, der sich stattdessen entschied, „auf dem Aufstieg des Verlangens zu verweilen, wie es aufgebaut ist, wie es geboren wird“. Der wachsame Merlant und der ursprünglich bewachte Haenel lieferten die nötige Nuance, während DoP Claire Mathon galerietaugliche Bilder schuf, die mit der gefeierten Freudenfeuerszene einen erhabenen Höhepunkt erreichten. Sparen Sie auch etwas Applaus für die echte Künstlerin HÉlÈne Delmaire, deren talentierte Hände während der hypnotischen Malsitzungen des Films für Merlant standen.

6. Der Leuchtturm

Der Leuchtturm

(Bildnachweis: A24)

Es war nicht nur die gleichnamige, weißglühende Struktur, die in Robert Eggers ‚zweitem Spielfilm glänzte – Willem Dafoe und Robert Pattinson waren die besten Karriere als wildäugige Wickies Tom Wake und Ephraim Winslow, die die Handlung verlieren, wenn sie auf einem Strand gestrandet sind windgepeitschte Insel vor der Küste Neuenglands. Eggers ‚albtraumhafte Vision, die mit in den 1930er Jahren hergestellten Linsen in Schwarzweiß und im archaischen Seitenverhältnis von 1,19: 1 aufgenommen wurde, fühlte sich alles andere als alt an.

Nach Jahren glaubwürdiger Indie-Charakter-Arbeit steckte Pattinson den letzten Nagel in Edward Cullens Sarg, während er mit rachsüchtigen Möwen und Meerjungfrauenvagina rang. Was Dafoe betrifft, so konnte kein anderer Schauspieler so überzeugend Dialogseiten spucken, die im authentischen Maine-Dialekt des 19. Jahrhunderts verfasst waren. „Nichts Gutes passiert, wenn zwei Männer in einem riesigen Phallus gefangen sind“, witzelte Eggers. Wir sind uns einig – The Lighthouse war ein unvergleichliches Filmemachen eines Regisseurs, der sich als einer der wahren Vorreiter des zeitgenössischen Horrors herausstellte.

5. Seele

Seele

(Bildnachweis: IMDb)

Als Pixars 23. Spielfilm im Oktober beim London Film Festival seinen Bogen machte, waren sich alle Kritiker einig, dass der Animationsriese in seinem A-Game war. Als der New Yorker Jazzmusiker Joe (Jamie Foxx) aus seinem Körper transportiert wurde, schwebte Soul uns nach The Great Before, wo Säuglingsseelen bereit sind, Gastgeber auf der Erde zu bewohnen. und wo Joe die frühreife 22 (Tina Fey) betreuen muss ).

Soul bewegte sich zwischen einem fotorealistischen New York und dem weicheren, abstrakteren The Great Before und bot atemberaubende Animationen und eine herzzerreißende Botschaft über das Ergreifen des Lebens, wo man kann. Wir brauchen diese Geschichte jetzt und Pixar hat sie uns zu Weihnachten geschenkt – sie landet am 25. Dezember auf Disney + und steht Abonnenten ohne Aufpreis zur Verfügung. „Die Themen werden jetzt verschärft“, sagte Produzentin Dana Murray. „Wir waren uns alle einig, dass wir den Film da rausbringen mussten.“

4. Mank

Amanda Seyfried und Gary Oldman in Mank

(Bildnachweis: IMDb)

Diesmal war es persönlich. Geschrieben von seinem verstorbenen Vater Jack, hallte David Finchers Mank auch mit all dem Wissen wider, das der Filmemacher aus seinen 30 Jahren in Hollywood gesammelt hatte, seit er mit 27 Jahren bewaffnet am Set von Alien3 stand mit Ehrgeiz, Ego und Talent. ähnlich wie ein 24-jähriger Orson Welles, der Hollywood Jahrzehnte vor ihm zerschmettert hat. In Mank schreibt der alkoholische Drehbuchautor Herman J. Mankiewicz (Gary Oldman gibt seit 30 Jahren sein Bestes) Welles ‚Regiedebüt Citizen Kane von einer Ranch in Victorville, Kalifornien, im Jahr 1940, während Kane-ähnliche Rückblenden uns zeigen, wie er zu seinem gekommen ist wichtigste Arbeit.

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Mank wurde in Schwarzweiß mit einem Mono-Soundtrack gedreht, der einem verlorenen Klassiker der damaligen Zeit ähnelt, und kombinierte seine technische Brillanz mit einem witzigen, übersichtlichen Drehbuch, das sich mit Ehrgeiz, Selbstzweifeln, Autorschaft, Politik und der Macht des Wortes befasste. „Es ist eine Geschichte über einen brillanten Wortschmied, der endlich den Wert und die Bedeutung seiner Stimme versteht“, sagte Fincher.

3. Ungeschnittene Edelsteine

Ungeschnittene Edelsteine

(Bildnachweis: Netflix)

Der Titel sagte schon alles, als die New Yorker Safdie-Brüder (Good Time) einen schmutzigen, gezackten Indie ausgruben, der aus jedem Blickwinkel funkelte. Ihr Vater, ein Verkäufer in Manhattans Diamantenviertel, war die Inspiration für Adam Sandlers Juwelier Howard Ratner, der in Spielschulden ertrinkt, aber einen Ausweg ausspioniert, wenn er ein großes äthiopisches Juwel landet. „Papas Geschichten waren immer so fleischige, mini-epische Thriller“, sagte Josh, ein älteres Geschwister von Benny.

Nun, Uncut Gems war genau das, und er hielt nie inne, als die erstickende Spannung zunahm und baute und baute, mit Howard Jonglierfamilie, einer Geliebten, kreisenden Lowlifes, NBA-Star Kevin Garnett und diesem unglaublichen Juwel. Mit einer Länge von zweieinhalb Stunden und genügend überlappenden Dialogen, um einen Film dreimal so lang zu füllen, wurde der Film intensiv mit Handkameras aufgenommen, während eine flotte, abgehackte Bearbeitung die letzten Luftblasen heraussaugte. Das Ergebnis war ein Thriller, der die Zuschauer verprügelte und bestrafte. und der umso aufregender war.

2. Parasit

Parasit

(Bildnachweis: Curzon)

Bong Joon-hos Genre-Mashing-Meisterwerk in diesem Jahr fügte Best Picture und Best Director Oscars hinzu, passend zur Palme d’Or 2019, und gewann an der weltweiten Abendkasse satte 258 Millionen US-Dollar. Es ist nicht schwer zu verstehen, warum: Bong mischte das Publikum nahtlos mit sozialen Kommentaren, um einen seltenen Film zu gestalten, der sowohl für Repertoire-Kinos als auch für Multiplexe geeignet ist, da die elend arme Kim-Familie wie Schachmeister die Strategie verfolgte, nur die Heimat der reichen Parks zu infiltrieren für eine umwerfende Drehung auf halbem Weg, um alle Teile des Bretts in die Luft zu werfen und sie in höchst orchestriertem Chaos über den Boden rasseln zu sehen.

Bong selbst arbeitete während des Studiums als Tutor und sagte, er habe das Gefühl, „diese reiche Familie auszuspionieren“. Die Idee wuchs dann jahrzehntelang in ihm, „wie ein Parasit“. Und was für ein rutschiger Film es war, der sich drehte und drehte, um die Zuschauer vor Schock zu verkrampfen.

1. Lehre

Grundsatz

(Bildnachweis: Warner Bros.)

Sie müssen Christopher Nolans Talent bewundern. Er und Warner Bros verpflichteten sich nicht nur, seinen über 200 Millionen Dollar teuren Blockbuster im Kino zu veröffentlichen, als Helden wie James Bond, Wonder Woman und Maverick hinter dem Sofa kauerten, sondern er schlug uns auch mit seinem größten Mind-Scrambler seit Memento: a Sci-Spy-Actioner mit Physik und Philosophie, passend zu seinen sexy Anzügen und Kamikaze-Verfolgungsjagden.

Auf einer Ebene war es Standard, als CIA-Agent wissen wir nur, dass der Protagonist (John David Washington) sich einem anderen, noch streng geheimen Spionage-Outfit angeschlossen hat, um den Globus (Indien, Oslo, Italien, Russland) zu betreten eine Anstrengung, eine terroristische Bedrohung abzuwehren oder vielleicht sogar die Welt zu retten. Das Galivieren des Protagonisten brachte ihn in Kontakt mit einem britischen Geheimdienstoffizier (Robert Pattinson), einem indischen Waffenhändler (Dimple Kapadia) und einem heimtückischen anglo-russischen Oligarchen (Kenneth Branagh) mit einer traurigen, schönen, aber ach so fähigen Frau (Elizabeth Debicki). Aber solche Genre-Tropen fungierten als dringend benötigte Handläufe, da sich die Welt (Gebäude) in Tenet so weit von ihrer Achse drehte, dass der Kippkorridorschrott in Inception wie ein Spaziergang im Park wirkte.

Wie jeder inzwischen weiß, war Tenets Trumpf das Konzept der „Zeitumkehrung“, mit der Objekte aus der Zukunft zurück in die Gegenwart geschickt werden können. Für diejenigen, die verstehen wollten, was genau das bedeutete, gab es nach der Veröffentlichung des Films eine Vielzahl von Leitfäden zu Time Inversion For Idiots, was bedeutete, dass wir alle anfangen konnten, Sätze wie „umgekehrte Entropie“ und „Wirkung gefolgt von Ursache“ zu löschen, wie wir wussten worüber wir gesprochen haben. Wissenschaftler wurden von Filmwebsites kooptiert, um uns zu versichern, dass alles tatsächlich Sinn machte, und Nolan selbst sagte: „Damit Mehrdeutigkeiten mitschwingen können, muss das Publikum das Gefühl haben, dass es eine zugrunde liegende Wahrheit gibt.“

Einige Zuschauer konnten sich nicht darum kümmern – Tenet war mit Sicherheit spaltender als Nolans Dark Knight-Trilogie. Aber folgen Sie dem Rat von ClÉmence PoÉsys Wissenschaftler („Versuchen Sie nicht, es zu verstehen. Fühlen Sie es“) und Sie hatten einen avantgardistischen, metaphysischen, superspannenden Blockbuster, der selbst als Autos, Kugeln und mit rücksichtslosem Schwung vorwärts schoss Eine 747 glitt in entgegengesetzter Richtung in einer Flut von zeitlich verwirrenden Versatzstücken vorbei, die von Explosionen und Implosionen beleuchtet wurden.

„Mutig, mir geht es gut, ich hatte Angst, du würdest verrückt sagen“, sagte ein Charakter von Himesh Patel, der dem Protagonisten und Neil hilft, ein Flugzeug auf einen Flughafen in Oslo zu stürzen. Nun, Tenet ist mutig und verrückt und der beste Film des Jahres 2020.

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