Im ersten Jahrzehnt nach den Folgen des Zweiten Weltkriegs hat die Filmindustrie weltweit keinen Schritt ausgelassen. Aber welche von ihnen sind tatsächlich die besten?
In der Mitte des 20. Jahrhunderts entwickelte sich die Kunst des Filmemachens durch die Verfeinerung des kommerziellen Studiostils weiter. Gleichzeitig wurde das Medium durch fortschrittliche Experimente wie elektronische Musik und die weit verbreitete Einführung von Technicolor und Breitwandpanorama auf die nächste Stufe gehoben. Während all dies geschah, gewöhnten sich die Filmstars immer mehr daran, der einzige Grund zu sein, warum das Publikum überhaupt ins Kino ging.
Auch die Arena des Kinos erweiterte sich in den 1950er Jahren. Während Hollywood-Filme aus amerikanischer Produktion eine kulturelle und kommerzielle Dominanz genossen, begannen Filme aus anderen Teilen der Welt – Japan, Schweden, Italien, Frankreich und anderen Ländern – ins Gespräch zu kommen.
Auch wenn das vorherrschende Bild der 1950er Jahre von gesunden amerikanischen Werten geprägt ist, so waren die besten Filme aus diesen Jahren alles andere als das. Inmitten von kommunistischen Hexenjagden, dem Beginn des Kalten Krieges und den Gräueltaten, die während des Zweiten Weltkriegs begangen und ertragen wurden, sind die besten Filme der 1950er Jahre durchdrungen von Paranoia, psychologischer Besessenheit und törichter Tapferkeit gegen unüberwindbare Hindernisse. Aber es wurde auch gesungen und getanzt.
Um zu beweisen, wie atmosphärisch vielfältig die 1950er Jahre tatsächlich waren, finden Sie hier 32 der besten Filme des Jahrzehnts.
32. die Zehn Gebote (1956)
(Bildnachweis: Paramount)
Der letzte Film von Cecil B. DeMille ist wohl sein Meisterwerk, ein Hollywood-Blockbuster von buchstäblich biblischem Ausmaß. Basierend auf mehreren Quellentexten, darunter Doroth Clarke Wilsons Prince of Egypt, J. H. Ingrahams Pillar of Fire und nicht zuletzt die Bibel, folgt Die Zehn Gebote Moses (Chartlon Heston) von seiner Geburt und Adoption in Ägypten bis zu seiner Annahme von Gottes Regeln auf dem Berg Sinai. Die Zehn Gebote ist nicht nur ein aufwändig gestaltetes, episches Biopic, sondern erzählt auch von Moses‘ fesselnder Geschwisterrivalität mit Ramses II (Yul Brynner). Was auch immer Sie glauben, Sie können seine spektakuläre Erhabenheit nicht leugnen. Selbst heute noch ist Die zehn Gebote das, was alle mega-teuren Hollywood-Blockbuster nachahmen sollten.
31. aschenputtel (1950)
(Bildnachweis: Disney)
Nach der Veröffentlichung von Schneewittchen und die sieben Zwerge im Jahr 1937 verbrachte Disney die 40er Jahre damit, als Animationsstudio mit Kassenerfolgen wie Pinocchio, Dumbo und Bambi an Macht und Einfluss zu gewinnen. 1950 eröffnete Disney das Jahrzehnt mit Cinderella, einer atemberaubenden musikalischen Fantasie über ein überarbeitetes Waisenkind, das sich in eine Ballkönigin verwandelt, und bei dem Wilfred Jackson, Hamilton Luske und Clyde Geronimi gemeinsam Regie führten. Cinderella ist wohl der Vorläufer all dessen, was Disney und seinen spezifischen Stil der Mythenbildung ausmacht, und steht mit seiner universellen Geschichte über Magie, wahre Liebe und die richtige Fußgröße hoch im Kurs. Wenn Sie sich den Film jetzt ansehen, können Sie nicht anders, als „Bibiddi-Bobbidi-Boo“ zu singen!
30. verbotener Planet (1956)
(Bildnachweis: MGM)
„Man kann das Gesicht der Gorgone nicht erblicken und leben!“ Bevor Star Wars die Sprache der filmischen Science-Fiction für immer veränderte, gab es Forbidden Planet. Unter der Regie von Fred M. Wilcox und mit Walter Pidgeon, Anne Francis und Leslie Nielsen in den Hauptrollen ist Forbidden Planet sowohl eine glorreiche Anspielung auf die klassische Pulp-Science-Fiction als auch ein echter Innovator, von der bahnbrechenden vollelektronischen Filmmusik bis hin zur Einführung von Konzepten wie der künstlichen Überlichtgeschwindigkeit. (Seine Hauptfigur, Robby der Roboter, ist ebenfalls eine Hollywood-Legende.) Die Geschichte handelt von einem Militärkreuzer, der den Verbleib verschwundener Kolonisten untersuchen soll – eine Prämisse, die in den vielen Jahrzehnten seither von so vielen anderen Filmen des Genres aufgegriffen wurde.
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29. das siebte Siegel (1957)
(Bildnachweis: SF Studios)
Seit seiner Veröffentlichung im Jahr 1957 ist Ingmar Bergmans Das siebte Siegel der beste Film des Regisseurs aller Zeiten und derjenige, der Schwedens Platz in der Arena des Weltkinos zementiert hat. In dieser historischen Fantasie, die zur Zeit des Schwarzen Todes spielt, geht es um einen edlen Ritter (Max von Sydow), der gegen den vermummten, unheimlichen Tod (Bengt Ekerot) eine Schachpartie spielt. Sie sind von einem Ensemble von Figuren umgeben, die in moralistischen Tableaus agieren, die sich wie Predigten anfühlen. In einer Zeit, die von Schrecken wie dem Holocaust und Atombomben unterstrichen wurde, definiert Bergmans Film seine Epoche, wirkt aber in seiner Trostlosigkeit und Melancholie dennoch zeitlos.
28. „Sunset Boulevard“ (1950)
(Bildnachweis: Paramount)
Hollywood ist wahnsinnig verliebt in Geschichten über sich selbst, sogar in die schmutzigen. Im Jahr 1950 befand sich die Filmindustrie in einem neuen Zeitalter, in dem Tonfilme die Norm waren und Filmstars mehr Macht und kulturellen Einfluss erlangten. Der Einstieg: Sunset Boulevard von Billy Wilder. Gloria Swanson spielt Norma Desmond, eine ehemalige Stummfilmschauspielerin, die mit Hilfe des erfolglosen Drehbuchautors Joe (William Holden) ein Comeback anstrebt. Sunset Boulevard ist ein düsteres Lehrstück über die Giftigkeit und Vergänglichkeit des Ruhms und ein erschütterndes Beispiel für die Selbstreflexion in Hollywood. Er eignet sich hervorragend für eine Doppelvorstellung mit Filmen wie Mulholland Drive, Birdman, Map to the Stars, Once Upon a Time in Hollywood und Babylon.
27. les Diaboliques (1955)
(Bildnachweis: CinÉdis)
In diesem französischsprachigen psychologischen Horrorthriller des Regisseurs Henri-Geoorges Clouzot arbeiten die Ehefrau und die Geliebte eines grausamen Schuldirektors zusammen, um ihn zu töten, und werden dann von ihren Taten verfolgt, als seine Leiche verschwindet. Les Diaboliques (in den USA als Diabolique veröffentlicht) hat das Horrorgenre nicht unbedingt erfunden, aber sein Einfluss spricht für sich selbst; Psycho-Autor Robert Bloch nannte diesen Film in einem Interview von 1983 als einen seiner absoluten Lieblingsfilme. Les Diaboliques strotzt nur so vor Spannung und Paranoia und muss als ein Mordfall anerkannt werden, der ohne auch nur einen Tropfen Blut zu vergießen, tadellos umgesetzt wird.
26. römische Ferien (1953)
(Bildnachweis: Paramount)
Audrey Hepburn und Gregory Peck glänzen gemeinsam in William Wylers luftiger, aber bittersüßer romantischer Komödie. In Roman Holiday spielt Hepburn eine europäische Prinzessin, die durch Rom wandert und sich in der Gesellschaft eines charmanten amerikanischen Journalisten (Peck) wiederfindet. Gemeinsam genießen die beiden einen unerwartet romantischen Streifzug durch die antike Stadt und lassen sich in kurzzeitige Ekstase versetzen, bevor sie ihr individuelles Leben wieder aufnehmen. Im Film sagt eine tränenreiche Hepburn: „Ich weiß nicht, wie ich Lebewohl sagen soll“. Die anhaltende Anziehungskraft von Roman Holiday all diese Jahre später zeigt, dass das Publikum es auch nicht weiß.
25. Shane (1953)
(Bildnachweis: Paramount)
Bevor Superhelden das Kino beherrschten, gab es die Cowboy-Revolverhelden des Westerns. Das Genre erreichte seinen Höhepunkt in den 1950er Jahren, in denen ein Film sie alle überragte: Shane, ein großartig inszeniertes Panorama-Epos von George Stevens. Basierend auf dem Buch von Jack Schaefer erzählt Shane von einem erfahrenen Revolverhelden (Alan Ladd), der verzweifelt versucht, seine gewalttätige Vergangenheit hinter sich zu lassen. Nachdem er sich bei einer Farmfamilie in Wyoming niedergelassen hat, wird Shane aus dem „Ruhestand“ gezwungen, sich gegen räuberische Schurken und skrupellose Barone zu wehren. Am Ende reitet Shane in den Sonnenuntergang, während ein Kind ihn anfleht, „zurückzukommen“, und deutet damit ungewollt das bevorstehende Verschwinden des Westerns als ideale Darstellung des Heldentums an.
24. einige mögen’s heiß (1959)
(Bildnachweis: United Artists)
Einer von Marilyn Monroes besten Filmen war auch einer ihrer letzten. In Billy Wilders Screwball-Krimikomödie Manche mögen’s heiß spielen Tony Curtis und Jack Lemmon die Hauptrollen von Jazzmusikern aus der Prohibitionszeit, die vor der Chicagoer Mafia fliehen, indem sie sich als Frauen verkleiden und sich einer reisenden Frauenband auf dem Weg nach Miami anschließen. Die beiden verlieben sich in die Sängerin und Ukulele-Spielerin Sugar (Monroe) und beginnen, um ihre Zuneigung zu konkurrieren, während sie ihre falschen Identitäten beibehalten. Auch wenn „niemand perfekt ist“, bleibt Einige mögen’s heiß eine perfekte Komödie.
23 Singin‘ in the Rain (1952)
(Bildnachweis: MGM)
Unter der Regie und mit der Choreographie von Gene Kelly und Stanley Donen ist Singin‘ in the Rain weit mehr als die ewigen Bilder von aufgespannten Regenschirmen, gelben Regenmänteln und Debbie Reynolds, die sich ihren Weg zum Ruhm tanzt. Wir schreiben das Jahr 1927, das Ende der Stummfilmzeit ist nahe, als der Filmstar Don Lockwood (Kelly), sein Klavier spielender bester Freund Cosmo (Donald O’Connor) und die aufstrebende Schauspielerin Kathy Selden (Reynolds) gemeinsam an einem neuen Projekt arbeiten, das die aufregende neue Technologie der Synchronisation von Ton und bewegten Bildern nutzen soll. Singin‘ in the Rain ist ein lustiger und farbenfroher Film, der die sonnige Seite der immer weiter voranschreitenden Entwicklung Hollywoods zeigt, die so oft Träume zerstört.
22. Gojira (1954)
(Bildnachweis: Toho)
Mehr als zehn Jahre nach dem nuklearen Bombardement auf Japan, das den Zweiten Weltkrieg beendete, taucht ein unheiliges Monster aus dem Meer auf, um die Menschheit an ihre bevorstehende Vernichtung zu erinnern. Der westlichen Welt als Godzilla bekannt, ist die ursprüngliche japanische Inkarnation Gojira von Ishiro Honda ein überragendes Meisterwerk des Monsterhorrors, in dem die Gräueltaten von Mensch und Bestie nicht zu unterscheiden sind. Während „Godzilla“ inzwischen auf beiden Seiten des Pazifiks zu einem Comic-Helden geworden ist, haben Remakes und Reboots im 21. Jahrhundert versucht, die ursprünglichen Schattierungen des Big G als Lovecraft-esken Albtraum wiederherzustellen. Einige waren erfolgreich. Aber wenn sie scheitern, gibt es immer noch Gojira.
21. der stille Mann (1952)
(Bildnachweis: Republic Pictures)
Obwohl John Wayne vor allem als Held der Hollywood-Western bekannt war, gab Regisseur John Ford dem Publikum in seiner üppigen Liebeskomödie The Quiet Man, die auf einer Kurzgeschichte der Saturday Evening Post basiert, einen anderen Geschmack der Ikone. John Wayne spielt den Trooper Thorn, einen irischstämmigen amerikanischen Boxer, der die alte Farm seiner Familie kaufen will, als er sich in die feurige Mary Kate (Maureen O’Hara) verliebt, die in den 1920er Jahren auf dem irischen Land lebt. Mit seinen atemberaubenden Schnappschüssen des ländlichen Irlands, ganz zu schweigen von O’Haras wunderschönem roten Haar, das sich von dem üppigen Grün abhebt, wirkt Fords Film wirklich lebendig. Auch wenn die Darstellung der Geschlechterrollen völlig veraltet wirkt, können Sie nicht anders, als sich in der von Ford eingefangenen Szenerie zu sonnen.
20. rebel without a cause (1955)
(Bildnachweis: Warner Bros.)
Der unsterbliche Frauenschwarm glänzt in Nicholas Rays atemberaubendem Coming-of-Age-Drama, das die Hässlichkeit der amerikanischen Nachkriegsjugend offenbart, und ist wohl der definitive James Dean-Film. Dean spielt die Hauptrolle des Jim Stark, eines problembelasteten Teenagers im zeitgenössischen Los Angeles, der zwischen zankenden Eltern gefangen ist. Er beginnt eine wackelige Romanze mit einem anderen Mädchen aus seiner High School, Judy (Natalie Wood), die ebenfalls von Problemen zu Hause geplagt wird und sich mit einer harten Gang herumtreibt. James Dean starb im September 1955 im Alter von 24 Jahren bei einem Autounfall; Rebel Without a Cause wurde nur wenige Wochen nach seinem Tod posthum veröffentlicht. Aber die unwiderrufliche Wirkung des Films hat Deans Status für die Nachwelt zementiert und dafür gesorgt, dass jede Generation ein Stück von sich selbst in den sympathischen Augen von James Dean sehen kann.
19. die Nacht und die Stadt (1950)
(Bildnachweis: 20th Century Studios)
Aus Angst, selbst auf die schwarze Liste gesetzt zu werden, floh der Filmemacher Jules Dassin nach London und drehte einen Film, der von Verdacht, Verzweiflung und Misstrauen geprägt war. In Night and the City spielt Richard Widmark Harry Fabian, einen selbstzerstörerischen amerikanischen Hochstapler, der sich in die Londoner Wrestling-Szene einmischt. Obwohl er im Vergleich zu anderen Noir-Klassikern oft übersehen wird, ist Night and the City ein schäbiger Thriller, der die britische Pulp Fiction verkörpert und in dessen Hinterhöfen und Barräumen es von amoralischen Charakteren wimmelt, die nur sich selbst gegenüber loyal sind. Es gibt zwar zwei verschiedene Versionen des Films mit unterschiedlichen Enden – eine für das britische Publikum, eine andere für die Amerikaner – aber Dassin besteht darauf, dass die zynische amerikanische Fassung seiner Vision näher kommt.
18. Tokyo Story (1953)
(Bildnachweis: Shochiku)
Akira Kurosawa wurde in den 1950er Jahren zu einem der berühmtesten japanischen Autorenfilmer. Einer seiner größten Zeitgenossen war jedoch Yasujiro Ozu, dessen modernistischer, minimalistischer Stil in starkem Kontrast zu Kurosawas schwungvollen Opern steht. 1953 drehte Ozu ein Werk, das weithin als eines seiner Meisterwerke gilt: Tokyo Story über ein Rentnerehepaar, das nach Tokio reist, um seine vier erwachsenen Kinder zu besuchen. Ozus Film, der ein langsames Tempo und eine Kamera, die sich fast nie bewegt, beibehält, erforscht den unmittelbaren Einfluss der westlichen Welt auf Japan in den Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg und die universelle Entfremdung der Eltern von ihren heranwachsenden Nachkommen. Obwohl es sich nicht um eine Komödie handelt, enthüllt sein sanfter Humor die strahlende Schönheit, die im Alltag der unteren Mittelschicht zu finden ist.
17. der Schrecken von Dracula (1958)
(Bildnachweis: Universal)
Jahre nachdem sich die Monster von Universal in den Schatten zurückgezogen hatten, läutete das britische Studio Hammer mit Dracula (in den USA als Horror of Dracula bekannt) mit Sir Christopher Lee in der Rolle des ikonischen Vampirs seine eigene Ära ein. Im Gegensatz zu Bela Lugosis ikonischer, aber karikaturhafter Darstellung des transsilvanischen Grafen verkörpert Lee eine ansehnlichere Version, die die den Vampiren innewohnende Erotik und ihre Neigung zum Nackenbeißen und Blutsaugen zum Vorschein bringt. (Nebenbei bemerkt, führte Lees Version auch zwei Reißzähne ein, die Lugosi in seinem Film von 1931 nicht hatte). Lee spielte Dracula danach noch in vielen weiteren Filmen, aber sein Debüt von 1958 ist immer noch die Krönung.
16. von hier bis in die Ewigkeit (1953)
(Bildnachweis: Columbia)
In Fred Zinnemanns romantischem und düsterem Epos aus dem Jahr 1953 erleben amerikanische Soldaten, die auf Hawaii stationiert sind, ihr Schicksal in den Tagen vor den Angriffen auf Pearl Harbour. Zu den Stars des Films gehören Frank Sinatra, Burt Lancaster, Deborah Kerr und Donna Reed. Montgomery Clift spielt den Gefreiten Robert E. Lee „Prew“ Prewitt, einen engagierten Soldaten und talentierten Trompeter, der sich weigert, auf die Wünsche seines Hauptmanns einzugehen, der ihm Boxmeisterschaften verschaffen will. Alle Anwesenden, allesamt Ikonen aus dem letzten Abschnitt des Goldenen Zeitalters Hollywoods, sind in Topform als dem Untergang geweihte Menschen auf dem Marsch in ein Leben, das sich für immer verändert. Montgomery Clift war bekanntlich resistent gegen viele Rollen, aber Von hier bis in die Ewigkeit gehört ohne weiteres zu seinen besten.
15. der Thron des Blutes (1957)
(Bildnachweis: Toho)
Akira Kurosawas fesselnde Nacherzählung von Shakespeares Macbeth zeigt den unauslöschlichen Toshiro Mifune in der Rolle eines Samurai, der Macbeth ähnelt und von einem bösen Waldgeist erfährt, dass ihm eine Zukunft als Schlossherr bevorsteht. Throne of Blood ist eine kulturelle Verschmelzung von Shakespeare-Motiven mit der Bühnenkunst des japanischen Noh-Theaters. Throne of Blood ist ein bezaubernder, nebelverhangener Albtraum, in dem die Macht leicht zu erlangen ist, aber die Kraft, sie zu behalten, einen hohen Preis hat. Throne of Blood ist teils Politthriller, teils Horror-Fantasy, alles in allem ein beeindruckender Film, der sich in einem Hagel von Pfeilen unsterblich macht.
14. 12 wütende Männer (1954)
(Bildnachweis: United Artists)
Praktisch jede Generation hat ihre Version von 12 Angry Men. Aber 1957 brachte Regisseur Sidney Lumet eine unvergessliche Produktion auf die Leinwand, in der Martin Balsam, John Fielder, Lee J. Cobb, Jack Klugman, Henry Fonda und andere mitwirkten. 12 Angry Men basiert auf dem Theaterstück von Reginald Rose aus dem Jahr 1954 und handelt von den Meinungsverschiedenheiten einer Jury, die fieberhaft über die Verurteilung oder den Freispruch eines des Mordes angeklagten Teenagers berät. Praktisch alle späteren Gerichtsdramen haben sich an 12 Angry Men orientiert, der sein ganzes Drama in einem einzigen Geschworenenzimmer abspielt, sich aber nie einschränkend anfühlt.
13. Ben-Hur (1959)
(Bildnachweis: MGM)
Die Zehn Gebote war nicht der einzige religiöse Blockbuster der 1950er Jahre. 1959 spielte Charlton Heston die Titelrolle in William Wylers preisgekröntem Epos von unermesslichem Ausmaß. Buchstäblich Hunderte von Handwerkern arbeiteten hinter den Kulissen, darunter 100 Garderobiere, 200 Künstler, 10.000 Statisten sowie etwa 200 Kamele und 2.500 Pferde, die alle benötigt wurden, um das damals neue Breitwandformat bis an seine Grenzen zu bringen. Aber was Ben-Hur auf unerklärliche Weise gelingt, ist, dass er immer noch die Geschichte von Judah Ben-Hur erzählt, dem Helden aus Lew Wallaces Roman von 1880 über einen jüdischen Prinzen, der von den Römern versklavt wird und später dem einzigen Jesus Christus begegnet. Selbst die heutigen mega-teuren Franchise-Fortsetzungen kommen nicht annähernd an die schiere Erhabenheit von Ben-Hur heran.
12. eine Straße, die Sehnsucht heißt (1951)
(Bildnachweis: Warner Bros.)
Basierend auf dem mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Theaterstück von Tennesee Williams, das giftige Beziehungen dramatisiert, spielen in Elia Kazans Adaption Vivien Leigh, Kim Hunter und natürlich Marlon Brando die Hauptrollen. Die Südstaatenschönheit Blanche (Vivian Leigh) reist von Mississippi zu ihrer Schwester, die in einer heruntergekommenen Wohnung in New Orleans lebt. Auch wenn es hilfreich ist, dass das Material, auf dem der Film basiert, selbst ein verehrter Klassiker ist, an dem sich die besten Schauspieler die Zähne ausbeißen können, ist Kazans Verfilmung ein wahres Kraftpaket, da sie einige der größten Schauspieler, die Hollywood je gesehen hat, in ihren besten Momenten einfängt.
11. Wege zum Ruhm (1957)
(Bildnachweis: United Artists)
Wenn von Stanley Kubrick die Rede ist, wird sein Kriegsfilm Wege zum Ruhm aus dem Jahr 1957 oft übersehen. Seine anderen Meisterwerke wie 2001: Odyssee im Weltraum, Uhrwerk Orange, The Shining, Full Metal Jacket und Eyes Wide Shut stehen meist im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit. Aber Kubrick stellte seine ungewöhnlichen, aber prägnanten Fähigkeiten als visueller Meister in seinem vierten Film unter Beweis. Paths of Glory spielt im Ersten Weltkrieg in Frankreich und zeigt Kirk Douglas in der Hauptrolle als kommandierenden Offizier, der sich weigert, einen im Grunde selbstmörderischen Angriff zu starten, und sich anschließend vor einem Kriegsgericht gegen den Vorwurf der Feigheit wehrt. Kubrick war gerade 29 Jahre alt, als er Paths of Glory drehte, und der Rummel um seine tadellose Regie folgte ihm noch jahrelang, sogar nach seinem Tod 1999.
10. Hiroshima mon amour (1959)
(Bildnachweis: Rialto Pictures)
Wenn ein erotischer Traum ein Film sein könnte, würde er wie Hiroshima mon amour aussehen. In dieser französisch-japanischen Koproduktion lässt Regisseur Alain Resnais den Zuschauer unvermittelt in die Intimität eines japanischen Mannes (Eiji Okada) und einer französischen Frau (Emmanuelle Riva) eintauchen, deren Körper sowohl mit Schweiß als auch mit Asche bedeckt sind. Der Film entfaltet sich auf nichtlineare Weise und erzählt von der kurzen Romanze dieser beiden Fremden im Japan der Nachkriegszeit, das gerade von der nuklearen Verwüstung heimgesucht wird. Diese unmögliche Liebesgeschichte und Meditation über internationale Traumata trug dazu bei, die französische Neue Welle zu einem weltweiten Publikum zu katapultieren.
9. der Krieg der Welten (1953)
(Bildnachweis: Paramount)
Die Verfilmung von Byron Haskin aus dem Jahr 1953 basiert auf dem Roman von H.G. Wells aus dem Jahr 1898 und zeigt das heutige Südkalifornien als Schauplatz einer Invasion von Marsmenschen. Die legendäre Radiosendung von Orson Welles ist dem Publikum noch im Gedächtnis. Krieg der Welten nutzt die Vorteile des Kinos als visuelles Medium mit dem bemerkenswerten Kontrast zwischen der primitiven Artillerie der U.S. Army und der glatten, jenseitigen Technologie des Mars. Innovativ als ein Fest der Spezialeffekte, aber unsterblich als eine erschütternde Geschichte, die davor warnt, dass der Mensch als die intelligenteste Spezies nie zu sicher sein kann.
8. „High Noon“ (1952)
(Bildnachweis: United Artists)
Der Western-Klassiker High Noon unter der Regie von Fred Zinneman spielt in Echtzeit und folgt einem Town Marshal (Gary Cooper), der vor der Wahl steht, sich einer Bande von Schurken allein entgegenzustellen oder mit seiner Frau (Grace Kelly) zu fliehen. Mit seiner starken Destillation des Western-Heldentums auf einen einzelnen Mann gegen eine böse Horde trug High Noon dazu bei, den Western neu zu definieren und für die kommenden Jahre wiederzubeleben. Es dürfte niemanden überraschen, dass mehrere US-Präsidenten ihre Bewunderung für High Noon zum Ausdruck gebracht haben, darunter Dwight Eisenhower, Ronald Reagan und Bill Clinton.
7. an der Waterfront (1954)
(Bildnachweis: Columbia)
Inspiriert durch eine Reihe von mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Artikeln von Malcolm Johnson für die New York Sun, vereint On the Waterfront die Regisseurin Eliza Kazan mit Marlon Brando in einem erschütternden Drama über Verbrechen und Korruption an den Ufern von Hoboken, New Jersey. Brando spielt Terry Malloy, einen ehemaligen Boxer, der auf Wunsch eines Mafiabosses absichtlich einen Kampf geschmissen hat. Terry, der jetzt als Hafenarbeiter arbeitet, ist entsetzt, als er zum Schweigen gezwungen wird, nachdem er Zeuge des Mordes an einem Hafenarbeiter geworden ist. On the Waterfront ist einer von vielen Filmen der frühen 50er Jahre, die mit ihrer Erzählweise den McCarthyismus anprangerten, aber seine Geschichte wirkt über diese Zeit hinaus als ein Porträt der Hilflosigkeit angesichts überwältigender Chancen.
6. sieben Samurai (1954)
(Bildnachweis: Toho)
Akira Kurosawas epischer Klassiker über Samurai, die sich zusammentun, um ein gefährdetes Dorf zu verteidigen, ist auch nach all den Jahren noch inspirierend und aufregend. Mit einem Ensemble, das von Takashi Shimura, Yoshio Inaba, Daisuke Kato, Seiji Miyaguchi und Toshiro Mifune angeführt wird, hat Kurosawas Geschichte ein eigenes Subgenre von rüpelhaften Männern hervorgebracht, die sich für eine edle Sache statt für egoistische Ziele zusammenschließen. Es gab nicht nur direkte Remakes wie The Magnificent Seven von 1960 (der den Film als Cowboy-Western neu interpretierte), sondern auch geistige Hommagen in Filmen wie The Dirty Dozen, Saving Private Ryan, The Expendables, The Avengers, Justice League und im gesamten Star Wars-Franchise.
5 Der unsichtbare Dritte (North by Northwest) (1959)
(Bildnachweis: MGM)
Alfred Hitchcock beendete die 1950er Jahre mit seinem Spionagethriller Der unsichtbare Dritte, einem Giganten von einem Film. Mit Cary Grant und Eva Marie Saint in den Hauptrollen folgt der Film einem unschuldigen Mann (Cary Grant), der quer durch die Vereinigten Staaten vor mysteriösen Agenten um sein Leben rennt, die glauben, er würde Regierungsgeheimnisse schmuggeln. 1959 war Hitchcock bereits ein gefeierter Künstler, aber mit North by Northwest zementierte er seine Brillanz in einem Film, der sowohl spannend als auch spielerisch war.
4. rear window (1954)
(Bildnachweis: Paramount)
In diesem fesselnden Stadtkrimi vermutet ein Fotograf, der sich von einem Beinbruch erholt (James Stewart), dass sein Nachbar von gegenüber jemanden ermordet haben könnte. Mit der Hilfe seiner ruhelosen Freundin (Grace Kelly) und seiner Krankenschwester (Thelma Ritter) sucht Stewarts Figur Jeff nach Gerechtigkeit, ohne dabei den Verstand zu verlieren. Selbst in der heutigen Zeit, in der unsere sozialen Feeds die POV-Filmerei voll ausschöpfen und unsere Smartphone-Kameras uns alle zu Amateurfotografen gemacht haben, zeigt Hitchcocks Film die dramatische Kraft einer begrenzten Perspektive.
3. umberto D. (1952)
(Bildnachweis: Rialto Pictures)
In diesem neorealistischen Klassiker des italienischen Filmemachers Vittorio De Sica tut ein armer älterer Mann in Rom alles, was er kann, um mit seinem Hund zu überleben. Der Film war bei seinem Erscheinen beim italienischen Publikum unbeliebt, denn Italien befand sich mitten im Aufschwung der Nachkriegszeit und ein gebrechlicher Mann, der auf der Straße bettelt, war nicht gerade schmeichelhaft für sein Image. Aber das Publikum auf der ganzen Welt hat Umberto D. als eine herzzerreißende Geschichte bewundert, in der die Freundlichkeit durch die Moderne ausgehöhlt wurde. Umberto D. ist ein eiskalter Klassiker des Weltkinos, der wenig zu bieten, aber viel zu geben hat.
2. küss mich tödlich (1955)
(Bildnachweis: United Artists)
Damit niemand denkt, die 1950er Jahre seien zugeknöpft, wohlgesittet und voller heilsamer Werte, sehen Sie sich die Dunkelheit von Kiss Me Deadly an. Robert Aldrichs Verfilmung des Romans von Mickey Sillane erzählt von dem Detektiv Mike Hammer (Ralph Meeker), der eine Anhalterin (Maxine Cooper) mitnimmt und damit eine schreckliche, unvergessliche Nacht beginnt. Kiss Me Deadly gilt als Vorläufer der französischen New Wave und wird als Metapher für den Kalten Krieg verstanden. Er hat die am meisten verehrten Giganten des Kinos wie Francois Truffaut, Jean-Luc Godard und Quentin Tarantino beeinflusst. Es ist einfach ein überragendes Werk.
1. vertigo
(Bildnachweis: Paramount)
Alfred Hitchocks psychologischer Thriller Vertigo aus dem Jahr 1958 wird regelmäßig auf zahlreichen Best-of-Listen aufgeführt. 2012 verdrängte er Citizen Kane von der begehrten Spitzenposition in The Sight & Sound Greatest Films of All Time. Er wird aus gutem Grund als solcher gepriesen. James Stewart spielt John „Scottie“ Ferguson, einen Detektiv im Ruhestand, der seinen Dienst an den Nagel gehängt hat, nachdem er an Akrophobie – Höhenangst – erkrankt war. Doch als Scottie von einem Bekannten angeheuert wird, um dessen Frau Madeleine (Kim Novak) zu beschatten, muss er sich seinen Ängsten stellen. Mit seiner Beschäftigung mit psychologischer Besessenheit schafft Vertigo nur knapp den Spagat zwischen krawalliger Unterhaltung und zerebralem Arthouse-Stil, wobei die beiden manchmal auf eine Art und Weise verschwimmen, wie es nur Alfred Hitchcock je konnte. Auch wenn Sie ihn nicht für den „größten Film aller Zeiten“ halten, ist er zweifellos einer der besten seines Jahrzehnts.