Was auch immer Sie glauben, wie die 1960er Jahre waren oder aussahen, denken Sie noch einmal darüber nach. Das turbulente Jahrzehnt ist in vielerlei Hinsicht facettenreich, auch in Bezug auf Filme. Aber welche Filme aus den 1960er Jahren sind tatsächlich die besten?
In einem Jahrzehnt, das von sich wandelnden gesellschaftlichen Normen geprägt war, ganz zu schweigen von der Bürgerrechtsbewegung und dem politischen Sumpf, der Vietnam war, spiegelten die Filme der 1960er Jahre auch eine globale Gemeinschaft im Umbruch wider. Ausländische Avantgarde-Importe aus Japan, Italien, Frankreich und anderen Ländern lenkten die Aufmerksamkeit von den bewährten amerikanischen Stilen ab. Gleichzeitig sahen die Filmemacher ihr Handwerk durch eine neue, billigere Alternative der Unterhaltung in Frage gestellt: das Fernsehen. Anstatt ein höheres Maß an Spektakel zu bieten, als es die winzigen Budgets des Fernsehens vermochten, versuchten die Filme des Jahrzehnts jedoch, das Publikum mit subversiveren Geschichten herauszufordern, die die Grenzen des Akzeptablen neu definierten.
Wie schon in den 1950er Jahren sahen die 1960er Jahre die moralischen Zweideutigkeiten der nahen Zukunft voraus. Als der engstirnige Hays Code seinen Schraubstockgriff verlor, gab die plötzliche Explosion von New Hollywood – die bereits von der französischen Neuen Welle vorweggenommen wurde – den Filmemachern mehr kreative Autorenschaft und ermöglichte es ihnen, in ihren Filmen eine hippe Gegenkultur widerzuspiegeln, die überall in den Städten, Kommunen und auf den Universitätsgeländen Einzug hielt.
Da es so viele Filmklassiker gibt, stellen wir Ihnen hier nur 32 der besten Filme der 1960er Jahre vor.
32. Batman (1966)
(Bildnachweis: Warner Bros.)
Heiliges Kino, Batman! Ursprünglich wurde der Film Batman (Regie: Leslie H. Martinson) aus dem Jahr 1966 von Produzent William Dozier nur entwickelt, um für die Fernsehserie zu werben, doch heute ist er der Inbegriff von Camp Art in all seiner extravaganten Pracht. Mit Adam West in der Rolle, die ihn berühmt machte, kämpft der Kreuzritter mit dem Umhang gegen die ruchlosesten Bösewichte von Gotham City, die sich zur Vereinigten Unterwelt zusammengeschlossen haben. Es ist zwar nicht der beste Superheldenfilm aller Zeiten, aber die Zusammenfassung der berühmten Fernsehserie – aufgeblasen für die große Leinwand – macht Batman zu einem der farbenfrohsten, unverschämtesten und in der Tat unterhaltsamsten kommerziellen Filme in einem schwierigen Jahrzehnt. Es gibt wahrlich Tage, an denen man eine Bombe einfach nicht loswird.
31. barbarella (1968)
(Bildnachweis: Paramount Pictures)
Ein Kultfilm ersten Ranges. Jane Fonda spielt die Hauptrolle in einem B-Grade Sci-Fi Juwel, dessen Attraktivität in der Tatsache liegt, dass Jane Fonda darin eine total heiße Frau im Weltraum ist. (Und Barbarella ist auch deshalb so sehenswert, weil Fonda so eifrig bei der Sache ist.) Der Film basiert auf einer französischen Comicserie und handelt von Barbarella (Fonda), einer Raumfahrerin, die einen Wissenschaftler finden soll, der eine Waffe besitzt, mit der die Menschheit ausgelöscht werden kann. Nachdem Stars wie Brigitte Bardot und Sophia Loren die Rolle abgelehnt hatten, zögerte Fonda wegen des sexualisierten Charakters des Films. Zu dieser Zeit stand Fonda im Mittelpunkt zweier Nacktskandale in den Filmen Circle of Love und The Game Is Over. Aber Fonda war überzeugt, als ihr der Regisseur Roger Vadim sagte, dass Sci-Fi bald ein angesehenes Genre sein wird. Angesichts der Tatsache, dass Star Wars noch neun Jahre entfernt ist, hatte Vadim ziemlich recht, auch wenn Barbarella heute nicht mehr so ein großes Franchise ist.
30. die Regenschirme von Cherbourg (1964)
(Bildnachweis: 20th Century Studios)
In Jacques Demys unvergesslichem romantischen Durchhalte-Musical freut sich ein junges französisches Paar auf das Leben danach, bis es durch den Algerienkrieg auseinandergerissen wird. Als sie sich schließlich wiedersehen, offenbart sich bei eisigen Temperaturen eine einstmals heiße Leidenschaft, die erkaltet ist. Catherine Deneuve und Nino Castelnuovo spielen ein bezauberndes Leinwandpaar, das den universellen Nervenkitzel des Jung- und Verliebtseins, die Tragödie, die Liebe zu früh zu finden, und die bittere Erkenntnis, dass das Leben nicht immer so verläuft, wie man es geplant hat, verkörpert. Von den Filmen, die Demys romantische Trilogie ausmachen – darunter Lola (1961) und Die jungen Mädchen von Rochefort (1967) – ist Der Regenschirm von Cherbourg der Film, der die bittersüße Vergänglichkeit der jungen Liebe am treuesten verkörpert.
29. onibaba (1964)
(Bildnachweis: Toho)
Dieser Film ist so erschreckend, dass er sogar William Friedkin, den Regisseur von Der Exorzist, in Angst und Schrecken versetzte. Als Nacherzählung einer buddhistischen Parabel über eine verfluchte Maske, die diejenigen bestraft, die sie tragen, folgt Onibaba zwei Frauen, die umherziehende Samurai anlocken, um sie zu töten und ihre Waffen für Geld zu verkaufen. Als sich ein Mann zwischen sie stellt, wirbeln uralte Gefühle wie Neid und Wut wie die Winde eines dunklen, unheiligen Sturms. Ein makabres Bild mit einer unheimlichen Energie. Diese ausgeklügelte Metapher für Japans verbliebene Traumata durch die Atombomben bekommt eine zusätzliche Bedeutung, wenn man weiß, dass Autor/Regisseur Kaneto Shindō aus Hiroshima stammt. Onibaba war einer von Shindōs vielen Filmen, in denen er sich mit den Schrecken der nuklearen Vernichtung und seiner eigenen Realität auseinandersetzte, als er sah, wie seine Heimat dem Erdboden gleichgemacht wurde und die Überlebenden mit unheilbaren Wunden zurückblieben.
28. easy rider (1969)
(Bildnachweis: Columbia Pictures)
Die amerikanische New Wave begann mit Easy Rider, einem modernen Western, wie es ihn noch nie gegeben hat, mit Vollgas. Unter der Regie von Dennis Hopper und nach einem Drehbuch von Hopper zusammen mit Peter Fonda und Terry Southern folgt Easy Rider zwei Motorradfahrern (gespielt von Hopper und Fonda), die mit dem Geld aus einem lukrativen Kokainhandel aus dem amerikanischen Süden in den Westen fahren. Easy Rider, ein Meilenstein der Gegenkultur, prägte im Alleingang unser kollektives Vokabular für die offene Straße als letzte Grenze des Abenteuers und den einzigen Ort auf der Erde, an dem man ein Gefühl von Identität und Freiheit finden kann.
27. das Apartment (1960)
(Bildnachweis: United Artists)
Wenn Wände nur sprechen könnten. In Billy Wilders Liebeskomödie Das Apartment (1960) spielt Jack Lemmon einen ehrgeizigen Versicherungsangestellten, der in der Hoffnung, in seinem Unternehmen aufzusteigen, seinen älteren Kollegen erlaubt, sein Apartment an der Upper West Side für ihre außerehelichen Affären zu nutzen. Die Dinge werden kompliziert, als Lemmons Bud sich in Fran (Shirley MacLaine) verliebt, die eine Affäre mit Buds eigenem Chef hat. Der Film ist lose inspiriert von dem britischen Film Brief Encounter aus dem Jahr 1945 und einem realen Hollywood-Skandal, bei dem es um die Affäre eines Produzenten ging, die sich in der Wohnung seiner Angestellten abspielte. Das Apartment ist eine köstliche Komödie, in der es darum geht, nie zu nah am Geschehen zu sein.
26. eine Spottdrossel zu töten (1962)
(Bildnachweis: Universal Pictures)
Harper Lees bahnbrechender Roman aus dem Jahr 1960 über einen prinzipientreuen Anwalt, der einen unschuldigen schwarzen Mann verteidigt, der der sexuellen Nötigung beschuldigt wird, wurde zwei Jahre später von Regisseur Robert Mulligan meisterhaft für die Leinwand adaptiert. Mit Gregory Peck in der Hauptrolle als Atticus Finch und Mary Badham als seine junge Tochter Scout – aus deren Perspektive die Geschichte erzählt wird – wurde Mulligans Verfilmung als amerikanischer Klassiker gefeiert, da sie eine zärtliche und mitreißende Studie über das Aufwachsen in einem von Vorurteilen geprägten Umfeld darstellt. Durch Finchs unvergesslichen Verteidigungsmonolog (wobei Mulligans Kamera klugerweise die Perspektive der Geschworenen einnimmt) hat To Kill a Mockingbird unzähligen Generationen gezeigt, wie man für das Richtige einsteht, auch wenn die Gerechtigkeit knapp ist.
25. die Nacht der lebenden Toten (1968)
(Bildnachweis: Criterion)
Vor The Walking Dead gab es George Romeros Night of the Living Dead, der nicht nur Zombies in das amerikanische Popkultur-Lexikon einführte, sondern dem Genre wohl auch am besten gerecht wurde. Der Film spielt im ländlichen Pennsylvania, wo sich sieben Überlebende in einem Bauernhaus verschanzen, als plötzlich überall Horden von fleischfressenden Leichen auftauchen. Night of the Living Dead hat nicht nur das Drehbuch für alle Zombie-Horrorgeschichten geschrieben, sondern die Besetzung mit dem schwarzen Schauspieler Duane Jones (als Hauptdarsteller Ben) war sowohl revolutionär als auch betont politisch und machte die Zombies für immer zu einer dynamischen und fließenden Metapher für das, was der Mensch in seinem herzzerreißenden Ende für monströs hält.
24. der Planet der Affen (1968)
(Bildnachweis: 20th Century Studios)
Franklin J. Schaffners Verfilmung von Planet der Affen basiert auf dem Roman von Pierre Boulle aus dem Jahr 1963 und zeigt Charlton Heston in der Hauptrolle als Astronaut, der auf einem fremden Planeten landet, auf dem die Menschen primitiv sind und sprechende Affen die Vorherrschaft als intelligenteste Spezies übernommen haben. Während Planet der Affen ein Franchise hervorgebracht hat, ist das Original von Schaffner ein überragendes Stück Science-Fiction, das sowohl technisch spektakulär als auch spirituell ahnungsvoll ist. All diese Jahre später ist Planet der Affen immer noch eine eindringliche Warnung vor der arroganten Haltung der Menschheit in Bezug auf ihren Platz in der Nahrungskette.
23. der Mandschurische Kandidat (1962)
(Bildnachweis: United Artists)
Dieser düstere Psychothriller von John Frankenheimer, der auf dem Roman von Richard Condon basiert, ist einer der prägenden Filme des Kalten Krieges, der sich die damals vorherrschende Paranoia über Feinde, die im Inneren lauern, zunutze macht. Der Film, der nur ein Jahr vor der Ermordung von JFK veröffentlicht wurde, handelt von Raymond Shaw (Laurence Harvey), einem Veteranen des Koreakriegs, der unwissentlich von Kommunisten einer Gehirnwäsche unterzogen und in die Vereinigten Staaten zurückgeschickt wird, um einen Präsidentschaftskandidaten zu töten. Mit Frank Sinatra, Janet Leigh und Angela Lansbury in den Hauptrollen setzte dieser prägende Spionagethriller mit seiner Fülle an politischen Machenschaften und Verschwörungen die Messlatte für alle nachfolgenden Spionagethriller fest. Die Innovationen des Genres sind auch in modernen Filmen wie Die Bourne Identität oder Captain America: Der Wintersoldat zu sehen. Ein ebenso beeindruckendes modernes Remake kam 2004 in die Kinos, mit Denzel Washington, Liev Schrieber und Meryl Streep in den Hauptrollen.
22. barfuß im Park (1967)
(Bildnachweis: Paramount Pictures)
Jane Fonda und Robert Redford waren nie lustiger oder heißer als in der Rolle eines frisch verheirateten Paares, das sich nach den Flitterwochen mit dem Humor der Realität auseinandersetzen muss. Nach ihrem Einzug in eine Wohnung mit fünf Stockwerken in Manhattan lernen die freigeistige Corie (eine überschwängliche Fonda) und der etwas verklemmte Paul (Redford, mit scharfem komischen Timing), was es wirklich bedeutet, etwas zu haben und zu halten, wenn ihre ersten Monate zusammen nicht so sind, wie sie es sich vorgestellt haben. Obwohl die Handlung federleicht ist, besticht der Film – basierend auf Neil Simons Theaterstück und unter der Regie von Gene Saks – durch das strahlende Charisma seiner attraktiven Darsteller.
21. Mary Poppins (1964)
(Bildnachweis: Disney)
Einer der größten Disney-Hits entstand in den 1960er Jahren. Julie Andrews und Dick Van Dyke tanzten und sangen über die Vorzüge eines engagierten Familienlebens. Im edwardianischen London fliegt eine magische Frau vom Himmel, um den Ruf der Banks-Kinder nach dem „perfekten Kindermädchen“ zu beantworten. Es handelt sich um Mary Poppins (Andrews), ein höchst geheimnisvolles Wesen, das sowohl sanft als auch streng ist und genau das Löffelchen Zucker ist, das die Familie Banks braucht, um wieder ganz zu sein. Mary Poppins ist einer der kultigsten und erfolgreichsten Live-Action-Filme, die Disney je gedreht hat, und das aus gutem Grund. Was gibt es da noch zu sagen, außer: „Supercalifragilisticexpialidocious!“
20. Tokyo Drifter (1966)
(Bildnachweis: Nikkatsu)
Seijun Suzukis Hommage an Revolverhelden-Western kommt in Form seines unglaublich stilvollen Gangsterfilms Tokyo Drifter daher. Er handelt von einem reformierten Auftragskiller namens Tetsu (Tesuya Watari), der zwischen rivalisierende Banden gerät, die versuchen, ihre Macht zu festigen. Suzuki, der für seinen exzentrischen visuellen Stil bekannt ist, wurde zunächst vom Studio gezwungen, seine Sensibilitäten auf dem Bildschirm abzuschwächen. Das Studio gab ihm ein kleines Budget, um sicherzustellen, dass Suzuki innerhalb der Grenzen des Studios bleibt. Als Gegenmaßnahme ließ sich Suzuki von Musicalfilmen der 1950er Jahre, absurden Komödien und der aufkommenden Pop-Art-Szene inspirieren, um seinen bis dahin surrealsten Film zu schaffen. Diese Philosophie der Rebellion als Deklaration sickert durch die Poren von Tokyo Drifter. Der zurückhaltende Maximalismus, der in den Bildern steckt, schafft eine Erfahrung, die Sie nicht vergessen können, selbst wenn Sie nicht verstehen, was vor sich geht.
19. butch Cassidy und Sundance Kid (1969)
(Bildnachweis: 20th Century Studios)
Der Western-Klassiker von Georgy Roy Hill, geschrieben von William Goldman, zeigt Paul Newman und Robert Redford in den Hauptrollen als die coolsten, unantastbarsten Gesetzlosen des Kinos auf ihrer verzweifelten Flucht nach Bolivien. Werden sie überleben? Die Antwort darauf ist weniger interessant als die reichhaltige, fesselnde Reise, die Butch Cassidy (Newman) und Harry Longabaugh, alias „Sundance Kid“ (Redford) im Laufe des Films unternehmen. Sie sind Partner im Verbrechen, deren enge Bindung sie zu den Schutzheiligen der Brüderlichkeit und Bromance macht. Obwohl Butch Cassidy and the Sundance Kid bei seiner Veröffentlichung nicht sehr beliebt war, wird er heute als ein Film verehrt, der beweist, dass die größte Belohnung nicht die Reichtümer sind, die man erbeutet, sondern die Erfahrungen, die man mit den Menschen machen kann, die einem am wichtigsten sind.
18. die Nacht eines harten Tages (1964)
(Bildnachweis: United Artists)
Alle Musikvideos, Rockstar-Dokumentationen, Konzertfilme und TikTok-Rollen verdanken A Hard Day’s Night etwas. Der Film von Richard Lester, ein Kaleidoskop aus Komödie und Musik, voller schneller Schnitte und Handkamera-Hysterie, fängt die Beatles auf dem Höhepunkt der Beatlemania ein. Aber anstatt eine nachsichtige, selbstgefällige Dokumentation über das Drama und die Erschöpfung durch den Ruhm zu sein, sieht man in A Hard Day’s Night die Liverpooler Rocker, die überall, wo sie auftauchen, für Aufruhr sorgen – ohne dass eine echte Geschichte in Sicht wäre. A Hard Day’s Night ist weniger Taylor Swift: The Eras Tour und mehr französischer New Wave, wenn es darum geht, Interviewer mit Marx-Brothers-ähnlichen Routinen zu trollen oder schreienden Fans zu entkommen, die sich wie Hornissenschwärme bewegen.
17. die Vögel (1963)
(Bildnachweis: Universal Pictures)
Nach Alfred Hitchcock haben wir Vogelschwärme nie wieder auf dieselbe Weise gesehen. In diesem kultigen Horrorfilm aus dem Jahr 1963, der auf einer Kurzgeschichte von Daphne du Maurier aus dem Jahr 1952 basiert und lose durch einen verrückten Massenangriff von Vögeln in der Stadt Capitola in Kalifornien zwei Jahre zuvor inspiriert wurde, terrorisieren aggressive Vögel die Bewohner einer verschlafenen Stadt. Während Killerkrähen und Tauben auf dem Papier vielleicht kitschig klingen, liefert ein souveräner Filmemacher wie Hitchcock einen eiskalten Horrorklassiker ab, in dem die Natur ungeachtet des wissenschaftlichen Fortschritts der Menschheit immer noch ihre Dominanz behält. Durch die meisterhafte Nutzung der Stille und die frühe Kunstfertigkeit der Spezialeffekte wird Die Vögel nie aufhören, uns in die Flucht zu schlagen – und uns in Deckung gehen zu lassen.
16. „Die Reifeprüfung“ (1967)
(Bildnachweis: Embassy Pictures)
Die romantische Dramödie von Mike Nichols, ein früher Independent-Filmhit, fängt gekonnt den rastlosen Geist der Jugend der 60er Jahre in seiner Geschichte über einen College-Absolventen (Dustin Hoffman) ein, der eine Affäre mit einer älteren Frau (Anne Bancroft) beginnt, während er sich in deren Tochter Elaine (Katharine Ross) verliebt. Das unvergessliche Ende, in dem die beiden Turteltauben langsam das vernichtende Ausmaß ihrer Taten erkennen, war ein Geniestreich von Nichols. Indem er seinen Schauspielern einfach nicht sagt, was sie als Nächstes tun sollen, nachdem sie in den Bus gestiegen sind, spiegelt ihre körperliche Müdigkeit die geistige Ambivalenz wider. Als sowohl Hoffman als auch Ross während einer verblüffend langen Einstellung aufhören zu lächeln, offenbaren ihre müden Gesichtsausdrücke die Unsicherheit ihrer Figuren, ob die Liebe stark genug ist, um zu halten.
15. coole Hand Luke (1967)
(Bildnachweis: Warner Bros.)
Cool Hand Luke von Regisseur Stuart Rosenberg ist einer von vielen ikonischen amerikanischen Filmen, die für den Widerstand der Gegenkultur während des Vietnamkriegs stehen. In der Hauptrolle spielt Paul Newman einen Gefangenen in Florida, der sich weigert, sich von seinen Ketten festhalten zu lassen. Der Film wurde von Donn Pearce geschrieben, dessen eigener krimineller Hintergrund und zwei Jahre in den Kettenbanden des Florida Department of Corrections sowohl seinen Roman als auch den Film inspirierten. Inspirierend und mitreißend, ist Cool Hand Luke praktisch ein Lehrvideo darüber, wie man an einem feindlichen Ort, der einen tot sehen will, die Fassung bewahrt und alle anderen überlistet.
14. die Guten, die Bösen und die Hässlichen (1966)
(Bildnachweis: MGM)
Sergio Leone hat in den 1960er Jahren mit seiner Dollars-Trilogie, die die nomadischen Heldentaten des Mannes ohne Namen (Clint Eastwood) verfolgt, den italienischen Western definiert. Im letzten Film nach Eine Handvoll Dollar (1964) und Für ein paar Dollar mehr (1965) folgt Leones Film drei Revolverhelden – gespielt von Eastwood, Eli Wallach und Lee Van Cleef – die während des Amerikanischen Bürgerkriegs versuchen, vergrabenes Gold der Konföderierten zu finden. Auch wenn die Meinungen darüber, welcher der drei Filme der beste der Trilogie ist, auseinandergehen, ist The Good, the Bad and the Ugly einfach zu episch, um ihn zu ignorieren, und er bleibt wohl der emblematischste aller Spaghetti-Western. Dank der unvergesslichen Kinematographie und der opernhaften Gewalt haben sich Action-Filmemacher jahrzehntelang von Leones Meisterwerk inspirieren lassen.
13. Rosemary’s Baby (1968)
(Bildnachweis: Paramount Pictures)
Es ist ein schwacher Trost, dass Sie nie das Gesicht des Babys sehen. In Roman Polanskis psychologischem Horrorfilm spielt Mia Farrow eine junge Frau in Manhattan, die vermutet, dass ihre Nachbarn es auf sie abgesehen haben, um etwas Unheiliges zu gebären. Polanskis Film – in dem auch John Cassavetes, Ruth Gordon, Mauriece Evans und Charles Grodin in seinem Filmdebüt zu sehen sind – ist ein erschütternder und ultradunkler Thriller über den Verlust der Handlungsfähigkeit einer Frau (was bei Polanski eine traurige Ironie ist) und darüber, wie der Marsch der Gesellschaft des 20. Jahrhunderts in Richtung Säkularismus zum Verhängnis für die Menschheit werden kann. Rosemary’s Baby war der Zeit einfach voraus, denn die Hysterie über satanische Kulte sollte in den 1970er und 1980er Jahren schnell einen großen Platz in den Schlagzeilen einnehmen.
12. Lawrence von Arabien (1962)
(Bildnachweis: Columbia Pictures)
Kann das Leben eines Menschen so episch sein, dass es zu einem der größten Abenteuerfilme aller Zeiten wird? Der britische Archäologe, Armeeoffizier und Schriftsteller T. E. Lawrence aus dem 20. Jahrhundert führte offenbar ein solches Leben, das zu David Leans Lawrence von Arabien wurde. Mit Peter O’Toole in der Hauptrolle, der zu dieser Zeit ein unbekannter Schauspieler war, aber von Lean gemocht wurde (aus seinem Film The Day They Robbed the Bank of England von 1960), folgt der Film Lawrence durch das Osmanische Reich während des Ersten Weltkriegs. Der Film selbst thematisiert Lawrence‘ Schwierigkeiten, sich mit der Gewalt zu versöhnen und seine gespaltene Loyalität zwischen Großbritannien und seinen neu gefundenen Verbündeten innerhalb der arabischen Streitkräfte. Lawrence von Arabien ist ein spektakulärer Blockbuster in einer Ära, in der es nicht viele davon gab. Er ist so wild und abenteuerlich, wie man es erst fast 20 Jahre später in Raiders of the Lost Ark sehen wird.
11. hoch und niedrig (1963)
(Bildnachweis: Toho)
Akira Kurosawa ist aus gutem Grund als Regisseur von ewigen Samurai-Epen bekannt. Aber selbst wenn er von seinen eigenen Zacken abweicht, behält der berühmte Künstler alle seine besten Eigenschaften bei, wie seine theatralische Formalität und willensstarke Charaktere, die gegen unterdrückerische Kräfte antreten. Hier: High and Low, Kurosawas treibendes, fein komponiertes Kriminaldrama aus dem Jahr 1963. Basierend auf dem Roman King’s Ransom von Ed McBain erfährt ein wohlhabender Manager (Toshiro Mifune), dass sein Sohn entführt und gegen Lösegeld festgehalten wird, was eine schweißtreibende, vorwärtsdrängende Handlung in Gang setzt, in der die Zeit das Wesentliche ist. Kurosawa tauscht die Samurai-Rüstung gegen knackige Hemden und Krawatten und denkt über Japans Wiederaufstieg nach dem Krieg nach. Um ihn herum sah der Regisseur, wie sich die japanische Gesellschaft schnell in die Moderne entwickelte. Aber zu welchem Preis?
10. aus Russland mit Liebe (1963)
(Bildnachweis: United Artists)
Eine James-Bond-Fortsetzung, die sogar ihren wichtigen Vorgänger Dr. No in den Schatten stellt. Regisseur Terence Young und Schauspieler Sean Connery kommen für From Russia With Love wieder zusammen, diesmal, um die Geschichte von Bond zu erzählen, der einer schönen sowjetischen Überläuferin (Daniela Bianchi) hilft, den Fängen von SPECTRE zu entkommen. Mit dem größten Spion des MI6 inmitten der Spannungen des Kalten Krieges ist From Russia With Love eine der besten Bond-Fortsetzungen, die je gedreht wurden – ein düsterer, sexy und aufregender Blockbuster zugleich. Dazu trägt auch bei, dass der Film von einem der besten Bond-Songs aller Zeiten untermalt wird, gesungen vom Schlagersänger Matt Monro.
9: Pierrot le Fou (1965)
(Bildnachweis: SociÉtÉ Nouvelle de CinÉmatographie (SNC))
Jean-Luc Godard verbrachte die 1960er Jahre damit, seinen Platz in der französischen Neuen Welle mit Filmen wie Atemlos (1960), Vivre sa vie (1962) und Band of Outsiders (1964) zu behaupten. Aber seine Höchstform erreichte Godard 1965 mit Pierrot le Fou, einem lebhaften und farbenfrohen experimentellen Roadmovie über einen Mann (Jean-Paul Belmondo), der mit der Babysitterin seines Kindes und seiner Ex-Geliebten (Anna Karina) durchbrennt, um ihre Bougie-Welt hinter sich zu lassen. Pierrot le Fou ist ein Pop-Art-Monument voller Sinnlichkeit, verhängnisvoller Romantik und den Trümmern einer niedergerissenen vierten Wand, das Godards Autorenstatus nicht nur bestätigt, sondern vergoldet.
8. „Frühstück bei Tiffany“ (1961)
(Bildnachweis: Paramount Pictures)
Audrey Hepburn hat mit dem Film Breakfast at Tiffany’s von Regisseur Blake Edwards nicht nur ihre Berühmtheit gefestigt, sondern auch ihre Unsterblichkeit garantiert. In dieser gigantischen romantischen Komödie spielt Hepburn Holly Golightly, eine exzentrische Gesellschaftsdame, die sich in einen erfolglosen Schriftsteller (George Peppard) verliebt. Abgesehen von Mickey Rooneys rassistischer Darstellung eines japanischen Nachbarn ist Breakfast at Tiffany’s spritzig und schick, ein Film, der die Liebe in Ihrem Herzen aufgreift und sie in ein modisches Gewand kleidet. Hepburns Aussehen als Holly ist nach wie vor ein Symbol für zeitlose Schönheit, und es ist schwer zu bestreiten, warum. Ein Blick von ihr in Edwards‘ Kameralinse und wir sind alle Hals über Kopf in hochpreisigen Schuhen.
7. la dolce vita (1960)
(Bildnachweis: Columbia Pictures)
Frederico Fellinis Name ist ein Synonym für gutes italienisches Kino, und La Dolce Vita ist einer seiner größten Erfolge. Der Film handelt von einem prominenten Journalisten (gespielt von einem ultracoolen Marcello Mastroianni, der in jeder Einstellung vor Selbstbewusstsein strotzt), der eine fiebrige Woche in Rom verbringt – einer antiken Stadt, die von Glanz und Glamour überflutet wird – auf der Suche nach etwas Reinem. Mit seiner einzigartigen Handlungsstruktur und seinem beißenden Humor erfreut sich La Dolce Vita an der Dekadenz einer wohlhabenden Nachkriegszivilisation und prophezeit gleichzeitig die Vergiftung der Gesellschaft durch die Giftstoffe des Ruhms.
6. die wilden Kerle (1969)
(Bildnachweis: Warner Bros.)
Sam Peckinpah gab dem Western mit The Wild Bunch sein letztes Hurra, einem Film über alternde Outlaws, die sich an das sich modernisierende 20. Jahrhundert anpassen und mit Ruhm und Ehre abtreten. Der Western ist zwar nicht völlig ausgestorben, aber in den 1960er Jahren war das Genre in Ungnade gefallen und hat seitdem nie wieder an Popularität gewonnen. Umso mehr fühlt sich das Bombardement aus Schießpulver und Querschlägern, das Peckinpahs explosives Finale in Agua Verde unterstreicht, wie ein Feuerwerk an, das an die zahllosen Helden mit weißem Hut und die Schurken mit schwarzem Hut erinnert, die seit den Anfängen Hollywoods auf der Leinwand zu sehen waren. Nach The Wild Bunch ritten die Westernfilme in den Sonnenuntergang und haben nie zurückgeblickt.
5. 8 ½ (1963)
(Bildnachweis: Columbia Pictures)
Der italienische Filmemacher Frederico Fellini drehte seine Kamera in seinem Film über die Kämpfe um Autorschaft und Individualität in einem Bereich, der der öffentlichen Kontrolle unterliegt, bekanntermaßen auf sich selbst. In Fellinis achtem Film (daher auch der Titel) spielt der Schauspieler Marcello Mastroianni die Hauptrolle des Guido Anselmi, eines Regisseurs, der verzweifelt versucht, seine Identität zu bewahren, indem er einen Science-Fiction-Film mit großem Budget inszeniert und sich dabei selbst zerfrisst. Die ganze Zeit über denkt Guido über die verschiedenen Frauen in seinem Leben nach. 8 ½ ist eine surrealistische, schwarze Komödie, die die Grenzen der Legalität verwischt und zu Recht als einer der besten Filme über das Filmemachen aller Zeiten gilt.
4. west Side Story (1961)
(Bildnachweis: United Artists)
Wie löst man ein Problem wie Maria? In diesem modernisierten Romeo und Julia, das in den rassistisch geprägten Straßengangs von New York City spielt, spielen Natalie Wood und Richard Beymer ein unglückliches Liebespaar, das sich ineinander verliebt, während es auf verschiedenen Seiten eines Revierkampfes steht. Die Originalversion aus dem Jahr 1961 – unter der Regie von Robert Wise und Jerome Robbins – ist ein Moloch von einer Musical-Romanze, die die Leinwand wie eine Bühne behandelt, mit komplexen Choreographien, lebhaften Farbpaletten und dynamischen Kamerabewegungen, die Michael Bay (der den Film in einem Interview mit der New York Times 2001 lobte) und Steven Spielberg, der 2021 sein eigenes Remake inszenierte, beeinflusst haben. Wenn Sie West Side Story sehen, sind Sie ein Fan fürs Leben, von der ersten Zigarette bis zu Ihrem letzten Tag im Sterben.
3. die Augen ohne Gesicht (1960)
(Bildnachweis: Lux Compagnie CinÉmatographique de France)
Der bahnbrechende Horrorfilm Eyes Without a Face von Georges Franju aus dem Jahr 1960 ist zwar älter als die meisten Slasher-Filme, aber seine erschütternde Geschichte und die brutale Gewalt setzten Maßstäbe, die später von Genre-Meistern wie John Carpenter und Wes Craven beibehalten wurden. Dennoch ist Eyes Without a Face anders als alle anderen Horrorfilme, die Sie je gesehen haben, da er ebenso poetisch wie grausam ist. Der Film folgt einem renommierten plastischen Chirurgen (gespielt von Pierre Brasseur), der schöne junge Frauen umgarnt, um ihr Fleisch zu zerschneiden und die tragische Entstellung seiner Tochter zu beheben. Édith Scob spielt auch die Tochter des Arztes, die eine geisterhafte weiße Maske trägt, die wie eine Vorahnung auf zukünftige Ikonen wie Michael Myers und Jason Voorhees wirkt. Hier sind das Wunderschöne und das Grausame ungleiche Zellengenossen.
2. 2001: Odyssee im Weltraum (1968)
(Bildnachweis: MGM)
Kein Film definiert die 1960er Jahre und ist doch so unzeitgemäß wie Stanley Kubricks 2001: Odyssee im Weltraum. Nach zwei Megaklassikern, Lolita (1962) und Dr. Seltsam (1964), blickte Kubrick mit einem majestätischen Science-Fiction-Epos, das Arthur C. Clarkes Kurzgeschichte „Der Wächter“ adaptiert, in die Sterne. Der Umfang von 2001 ist enorm, denn der Film umspannt buchstäblich Äonen von den Ursprüngen der Menschheit bis hin zu dem, was Kubrick vorhersagt, nämlich unsere Entwicklung zu einer weltraumfahrenden Spezies. Aber egal, wie weit der Fortschritt uns bringt, der Mensch ist immer noch unerklärlicher Gewalt ausgesetzt. Und so hat die künstliche Intelligenz HAL 9000 auf der Reise der Discovery One zum Jupiter einige eigene Vorstellungen vom Überleben, die ihren Herren aus Fleisch und Blut gar nicht gefallen würden. Der wunderschön komponierte und bedrohlich wirkende Film 2001: Odyssee im Weltraum hat das Kino mit einem Hauch von schwarzem Monolithen vorangebracht.
2001: Odyssee im Weltraum£7.99bei Amazon£8.19bei Hit£9.69bei Hive Books
1. psycho (1960)
(Bildnachweis: Paramount Pictures)
Mit der schönen Janet Leigh, einer Flasche Hershey’s-Schokoladensirup und einem pulsierenden Stück von Bernard Herrmann schmiedete Alfred Hitchcock ein filmisches Meisterwerk, das tief in unsere Psyche blickte und herausfand, was uns alle in Angst und Schrecken versetzt. Überfüllt mit Ablenkungsmanövern, schwarzer Komik und einer dichten Symbolik, die eine Vorlesung über Freuds Psychoanalyse füllen könnte, bleibt Hitchcocks bekanntester Film als imposanter Gigant bestehen, der die Akzeptanz des kommerziellen Kinos für den Geschmack neu definierte und die Konventionen des modernen Horrorfilms erneuerte. Die Geschichte, die auf dem gleichnamigen Buch von Robert Bloch basiert, spielt hauptsächlich in dem unheimlichen Bates Motel, das von seinem exzentrischen Besitzer Norman Bates (Anthony Perkins) geleitet wird, der ein dunkles Geheimnis verbirgt. Während Psycho verständlicherweise ein Franchise hervorgebracht hat, zu dem auch die beliebte Fernsehserie Bates Motel gehört, steht Psycho als Film, der alles verändert hat, ganz für sich allein.