In dem ersten Jahrzehnt, das völlig frei von inhaltlichen Beschränkungen war, aber von den Albträumen des Vietnamkriegs geplagt wurde, veränderten sich die Filme in den 1970er Jahren für immer. Aber welche von ihnen sind tatsächlich die besten?
Nachdem ausländische Filmemacher die 1960er Jahre beherrscht hatten, war eine neue Bewegung des „New Hollywood“ in vollem Gange, bei der einheimische Hollywood-Regisseure mehr kreative Kontrolle über ihre Arbeit ausübten als zuvor. Gleichzeitig sah es in der Welt und insbesondere in Amerika düster aus, wenn man die Nachrichten betrachtet, die durch die immer stärkere Präsenz des Fernsehens vermittelt wurden. Inmitten von politischen Skandalen, korrupten Verwaltungen, steigender Kriminalität und zunehmendem Zynismus spiegelten Filme eine ähnlich melancholische und/oder nihilistische Stimmung wider. Selbst das Wunder der Mondlandung von 1969 konnte kein dauerhaftes Staunen über die Sterne hervorrufen, da die Filmemacher den Weltraum zu einem sehr unheimlichen Ort machten.
Außenseiter-Sporthelden, böse Geister, außerirdische Besucher, Shaolin-Mönche, Selbstjustizler, Killerhaie und mehr prägen ein kompliziertes Jahrzehnt, das noch immer von den Sünden Vietnams und dem Wiederaufleben der Spannungen des Kalten Krieges geprägt ist. Aber welche Filme unterhielten das Publikum während dieser beunruhigenden Zeiten? Hier sind die 32 besten Filme der 1970er Jahre.
32. „Slap Shot“ (1977)
(Bildnachweis: Universal Pictures)
Ordnen Sie diesen Film unter: Was macht Paul Newman hier? Slap Shot wurde von der Drehbuchautorin Nancy Dowd geschrieben und basiert auf dem Verkauf des Eishockeyteams ihres Bruders aus der zweiten Liga. Der Film handelt von einem Eishockeyteam in einer Kleinstadt, das in Schwierigkeiten gerät und einen großen Aufschwung erlebt, als seine neuesten Spieler, die Hanson-Brüder, zur Freude der Fans spektakuläre Schläge auf das Eis austeilen. Unter der Regie von George Roy Hill ist Slap Shot den meisten kultigen Sportkomödien voraus, aber dieser Film übertrifft sie alle mit seiner Höhlenmenschen-Atmosphäre, lachenswerten Momenten und Oscar-Preisträger Paul Newman – als Spielertrainer Ruggie Dunlop -, der sich unerwartet wohlfühlt in seiner Rolle als nörgelnder Umkleidekabinen-Veteran mit einer beneidenswerten Garderobe.
31. Wanda (1970)
(Bildnachweis: Bardene International Films)
Wanda ist ein Meilenstein des unabhängigen Filmemachens und handelt von einer perspektivlosen Frau, die in die Gesellschaft eines Bankräubers gerät. Wanda, das Werk der Autorin, Regisseurin und Hauptdarstellerin Barbara Loden, ist ein mitfühlendes und tragisches Porträt von Frauen, die durch die Maschen der modernen Gesellschaft fallen, und spiegelt Lodens eigene Gefühle der Ziellosigkeit zu jener Zeit wider. Loden erkrankte einige Jahre später an Brustkrebs und starb 1980. Wanda war schließlich Lodens einzige Regiearbeit. Aber selbst mit nur einem Film beeinflusste Loden Generationen von unabhängigen Künstlern und setzte für immer die Standards für das ikonoklastische Kino.
30. Nashville (1975)
(Bildnachweis: Paramount Pictures)
In Robert Altmans epischer Musikkomödie Nashville wird eine einwöchige politische Kundgebung und ein Musikfestival zu einem Terrarium für das Amerika der 1970er Jahre, dessen politische und soziologische Weite sich zu einem Mikrokosmos der Country-Musikindustrie verdichtet. Der Film ist berühmt für sein großes Ensemble, darunter David Arkin, Ned Beatty, Karen Black, Shelley Duvall, Jeff Goldblum, Lily Tomlin und viele mehr. Obwohl er von der Politik und der sozialen Dynamik der 70er Jahre geprägt ist, ist Altmans Film auch Jahrzehnte später noch von unheimlicher Aktualität.
29. suspiria (1977)
(Bildnachweis: Produzioni Atlas Consorziate)
Der Giallo-Horror-Klassiker Suspiria von Dario Argento aus dem Jahr 1977 ist ein unheimliches Werk über die dunklen Seiten des Matriarchats und der weiblichen Kunst. Jessica Harper spielt eine amerikanische Ballerina, die an eine renommierte Akademie in Deutschland wechselt, nur um zu erfahren, dass die Schule von einem Hexenzirkel bewohnt wird. In diesem verderbten Märchen entfesselt Argento die ganze Macht der lebendigen Technicolor-Farben mit einem Ansturm von roten, blauen und rosafarbenen Paletten, die wie in einem Beschwörungsritual zusammengewirbelt werden. Kombiniert mit einer beunruhigenden Atmosphäre, die durch die markante Filmmusik der progressiven Rockband Goblin heraufbeschworen wird, ist Suspiria unvergesslich anmutig und schaurig.
28. American Graffiti (1973)
(Bildnachweis: Universal Pictures)
George Lucas war gerade 29 Jahre alt, als sein Coming-of-Age-Klassiker American Graffiti in die Kinos kam und begeisterte Kritiken erhielt. Der spätere Star Wars-Regisseur befand sich kaum in seiner Midlife-Crisis, als er sich wehmütig an seine Teenagerjahre im Jahr 1962 erinnerte, als er einer von vielen ungestümen Jugendlichen war, die in aufgemotzte Hot Rods stiegen und auf der Suche nach Abenteuern durch ihre eigenen Innenstädte cruisten. Während Lucas‘ Name heute ein Synonym für große, eskapistische Blockbuster ist, fühlt sich sein bodenständigster Film, der eine Gruppe von Rock-’n‘-Roll-Teenagern während einer Sommernacht in Lucas‘ kalifornischer Heimatstadt Modesto begleitet, immer noch lebendig an, da es sich um ein halb-autobiografisches Zeitstück handelt, das mit den Augen von jemandem gedreht wurde, der nicht viel älter ist als seine eigenen Figuren.
27. die Rocky Horror Picture Show (1975)
(Bildnachweis: 20th Century Studios)
Unter der Regie von Jim Sharman und basierend auf dem Musical aus dem Jahr 1973 wurde diese lebhafte Hommage an Sci-Fi und B-Grade-Horrorfilme bei ihrer Veröffentlichung weitgehend ignoriert, als sie von schlechten Kritiken geplagt wurde und sogar ihre Halloween-Weltpremiere in New York City abgesagt werden musste. Erst ein Jahr später fand der Film eine Schar von Fans und festigte seinen Status als Mitternachtsfilm-Titan. Susan Sarandon und Barry Bostwick spielen ein junges Paar, das in der unheimlichen Villa eines verrückten Wissenschaftlers (unvergesslich gespielt von Tim Curry) gefangen ist. Mit seiner abscheulichen Ästhetik und seiner mitreißenden Musik ist The Rocky Horror Picture Show eine ewige Einladung, den Time Warp wieder und wieder und wieder zu machen.
26. the French Connection (1971)
(Bildnachweis: 20th Century Studios)
William Friedkins Krimi, der weithin als einer der besten Filme aller Zeiten gilt und eine der besten Verfolgungsjagden der Geschichte enthält, basiert auf einer wahren Geschichte und fängt den winterlichen Schmutz des New Yorks der frühen 1970er Jahre authentisch ein. The French Connection spielt in New York und im landschaftlich reizvolleren Frankreich und folgt zwei hartgesottenen NYPD-Detectives (gespielt von Gene Hackman und Roy Scheider), deren Ermittlungen gegen einen Drogenring ein groß angelegtes internationales Komplott aufdecken. Als Sinnbild für den moralischen Verfall des Jahrzehnts trifft The French Connection auch nach all den Jahren noch ins Schwarze.
25. „Annie Hall“ (1977)
(Bildnachweis: United Artists)
Auch wenn die Bewunderung für Woody Allen im Laufe der Jahre verständlicherweise nachgelassen hat, ist Annie Hall immer noch eine unverschämt spielerische und tiefgründige Betrachtung der modernen Romantik, die es verdient, gefeiert zu werden. Autor/Regisseur Allen spielt im Grunde sich selbst (ein Schock, ich weiß). Der Film folgt einem neurotischen Komiker, der sich fragt, warum seine Beziehung mit seiner letzten Freundin Annie Hall (Diane Keaton) in die Brüche gegangen ist. Losgelöst von der Realität und in einer nichtlinearen Erzählweise, die zwischen der ungewöhnlichen Kindheit des Protagonisten und seinen anderen gescheiterten Ehen hin- und herspringt, hat Annie Hall so lange seinen Platz als König der romantischen Komödien gehalten, wenn auch mit einem Happy End, das immer noch anders ist als die meisten traditionellen Liebeskomödien.
24. Halloween (1978)
(Bildnachweis: Trancas International Films)
Sie brauchen nur diese eindringlichen Klaviertöne zu hören, um zu wissen, dass Sie sich in unmittelbarer Nähe eines Mörders mit einer unheimlichen weißen Captain-Kirk-Maske befinden. John Carpenters vierter Film, Halloween, ist ein Meilenstein des Slasher-Genres und immer noch einer der besten, die es zu bieten hat. Die Schauspielerin Jamie Lee Curtis wurde berühmt als Laurie Strode, ein ganz normales Highschool-Mädchen, das in der Halloween-Nacht von Michael Myers (gespielt von Nick Castle und Tony Moran), einem unbesiegbaren Killer und Ausbrecher aus einer psychiatrischen Anstalt, brutal verfolgt wird. Während Halloween zahlreiche Fortsetzungen inspiriert hat, die eine der lukrativsten Horrorfilm-Franchises aller Zeiten bilden, ist der Originalfilm ein eigenständiges Kunstwerk über die verschwiegenen Traumata, die überall in den Nachbarschaften lauern.
23. kramer vs. kramer (1979)
(Bildnachweis: Columbia Pictures)
In Robert Bentons herzzerreißendem Drama, das auf einem Roman von Avery Corman aus dem Jahr 1977 basiert, offenbart die bittere Scheidung eines jungen Paares – gespielt von Meryl Streep und Dustin Huffman – die vielen Möglichkeiten, wie die Gesellschaft den Menschen so viele Erwartungen aufbürdet, dass sie eine Familie gründen müssen, dass ihnen die Knie weich werden. In dieser Geschichte gibt es keine Bösewichte (außer ein paar bescheuerte Anwälte), sondern nur die kalte, harte Wahrheit, dass die Liebe hinter dem zurückbleiben kann, was wir eigentlich wollen und brauchen. Im Jahr 1979 begeisterte Kramer gegen Kramer das Publikum mit seiner authentischen Darstellung moderner Familien. Nach Angaben der CDC erreichte die Scheidungsrate im selben Jahr ein Rekordhoch von 22,8 Prozent.
22. Superman: Der Film (1978)
(Bildnachweis: Warner Bros.)
Mit dem gut aussehenden Christopher Reeve als Mann aus Stahl an der Seite von Margot Kidder und Gene Hackman glaubte das Publikum wirklich, dass ein Mann fliegen kann. Basierend auf der von Jerry Siegel und Joe Shuster geschaffenen DC Comics-Ikone bewies Richard Donners bahnbrechender Superheldenfilm (und Vorlage für das Marvel Cinematic Universe), dass Comic-Geschichten mit Schauspielern aus Fleisch und Blut auf der Leinwand erzählt werden können. In einem turbulenten Umfeld, das von Vietnam, dem Watergate-Skandal und der existenziellen Angst vor dem Kalten Krieg geprägt war, erinnerte Superman: The Movie die Zuschauer daran, dass auch die Mächtigen noch für Wahrheit und Gerechtigkeit eintreten können. Sollte das nicht der amerikanische Weg sein?
21. der Drache (1973)
(Bildnachweis: Warner Bros. Pictures)
Bruce Lee ist nach seinem Tod ein größerer Star, als er es jemals zu Lebzeiten war, und das liegt zum großen Teil an dem verführerischen Enter the Dragon. Unter der Regie von Robert Clouse ist Enter the Dragon vor allem als Vehikel für seinen legendären Hauptdarsteller in Erinnerung geblieben, der in seinem einzigen Hollywood-Film mit Supernova-Energie glänzte. In Enter the Dragon, einem Meisterwerk des Martial-Arts-Machismo, spielt Lee einen Shaolin-Mönch, der vom britischen Militär rekrutiert wird, um die Inselfestung eines Verbrecherfürsten zu untersuchen. Das Tragische an Bruce Lees Tod, der nur wenige Monate vor der Premiere des Films unter merkwürdigen Umständen eintrat, war, dass er eindeutig für so viel mehr bestimmt war. Enter the Dragon gibt nur einen kleinen Vorgeschmack auf das, was hätte sein können.
20. Saturday Night Fever (1977)
(Bildnachweis: Paramount Pictures)
Nichts definiert die 1970er Jahre so sehr wie Disco, und kein Film definiert Disco so sehr wie John Badhams Saturday Night Fever. Zwischen seinem Monster-Hit-Soundtrack und einem jungen John Travolta, der sich wie ein hysterischer Pfau wiegt, ist Saturday Night Fever ein Angriff auf die Sinne, der nicht davor zurückschreckt, in die dunklen Ecken der Diskothek zu blicken. Travolta spielt einen 19-jährigen aus der Arbeiterklasse, der unter der Woche in einem Eisenwarenladen schuftet, um jeden Samstagabend in seinem Lieblingsnachtclub wie ein König zu leben. Während sich der Zeitschriftenartikel, von dem der Film inspiriert wurde, als Farce entpuppte, machte Saturday Night Fever die Disco für einen unvergesslichen Moment zu Amerikas Besessenheit.
19. unheimliche Begegnungen der dritten Art (1977)
(Bildnachweis: Sony Pictures)
Noch vor Steven Spielbergs eigenem seismischen Film E.T.: The Extra-Terrestrial ist sein Epos Close Encounters of the Third Kind von 1977. Nach einer zufälligen Begegnung mit einem UFO bekommt ein Elektriker aus Indiana (Richard Dreyfuss) einen Platz in der ersten Reihe beim ersten offiziellen Treffen zwischen der Erde und einer außerirdischen Gesellschaft. Ein überwältigendes Spektakel mit einem besonders königlichen Ton und einer Atmosphäre, die die meisten Alien-Invasionsfilme zuvor oder danach übertrifft. Close Encounters of the Third Kind war der Vorbote einer nahen Zukunft voller reifer Science-Fiction.
18. the Deer Hunter (1978)
(Bildnachweis: Universal Pictures)
Unmittelbar nach dem Ende des Vietnamkriegs zögerte die Mehrheit der Hollywood-Filme, sich mit dem kläglichen Scheitern der amerikanischen Außenpolitik auseinanderzusetzen, die zahlreiche Menschenleben wie Schachfiguren aufs Spiel setzte. Aber Michael Ciminos The Deer Hunter (mit Robert De Niro, Christopher Walken und Meryl Streep in der Besetzung) war einer der ersten und immer noch der bemerkenswerteste Film, der sich direkt mit der entsetzlichen Erosion der nationalen Moral durch den Vietnamkrieg auseinandersetzte. Obwohl es unterschiedliche Auffassungen darüber gibt, inwieweit sich The Deer Hunter von seinem ursprünglichen Drehbuch, das in der Unterwelt von Las Vegas spielt, entfernt hat, ist Ciminos Film ein unerschrockenes, unverblümtes Kraftpaket über eng befreundete Männer aus Pennsylvania, deren Leben sich durch ihren Armeedienst in Vietnam für immer verändert. Sein zentrales „Spiel“ des russischen Roulettes wurde von dem großen Kritiker Roger Ebert als „organisierendes Symbol“ über willkürliche Gewalt interpretiert, das „jede ideologische Aussage über den Krieg überflüssig macht.“
17. der Stachel (1973)
(Bildnachweis: Universal Pictures)
Einige Jahre nach der Zusammenarbeit mit Robert Redford und Paul Newman bei Butch Cassidy and the Sundance Kid traf sich Regisseur George Roy Hill mit den beiden ausgezeichneten Darstellern bei einem weiteren filmischen Kracher, The Sting. Dieser makellos stilvolle nostalgische Krimi, der während der Großen Depression spielt, erzählt von zwei Gaunern, die sich zusammentun, um einen Mafiaboss zu betrügen. Die unglaublich ausgeklügelten Pläne der Charaktere werden durch ihre feine Kleidung, einen lässigen Ragtime-Soundtrack und eine insgesamt vornehme Ästhetik ergänzt, die bewusst an das Blättern in verstaubten Ausgaben der Saturday Evening Post erinnert. Mit Redford und Newman, die auf allen Zylindern feuern, ist es für The Sting einfach zu einfach, Sie wie einen Trottel zu behandeln.
16. Carrie (1976)
(Bildnachweis: United Artists)
Die ultimative Anti-Mobbing-Kampagne, die je erdacht wurde, ist Carrie, der dauerhafte Horrorklassiker von Brian De Palma. Basierend auf dem ebenso beeindruckenden Debütroman von Stephen King handelt Carrie von einem schüchternen, gemobbten Teenager (gespielt von Sissy Spacek), der übernatürliche Kräfte entwickelt und diese nutzt, um sich an ihrer gesamten Schule zu rächen. Auch wenn die Zeitlupe, in der das Schweineblut in den Film gegossen wird, bis ins Unendliche verspottet wurde, ist Carrie immer noch eindringlich in seiner alptraumhaften Darstellung der High School und der Tatsache, dass sie für viele Unglückliche traumatisierend genug ist, um tiefe Wunden zu hinterlassen.
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15. network (1976)
(Bildnachweis: United Artists)
Für alle, die sich schon einmal wahnsinnig gefühlt haben und es nicht mehr aushalten können, gibt es Network. Das dunkel-komische Drama von Sidney Lumet ist ein bahnbrechender sozialer Kommentar über die Unhaltbarkeit der endlosen Sensationslust der Medien. Es handelt von einem Fernsehsender, der kurz vor dem Zusammenbruch steht, bis sein angesehener Moderator Howard Beale (Peter Finch) droht, sich live im Fernsehen umzubringen. Während sein Wahn die Einschaltquoten in die Höhe treibt, erforscht Network die Grenzen des Geschmacks angesichts einer Lawine von giftigen Informationen. Network ist weit vor der Ära der Kabelnachrichten und der sozialen Medien angesiedelt, hat aber auch nach all den Jahren nichts von seiner Aussagekraft verloren.
14. einer flog über das Kuckucksnest (1975)
(Bildnachweis: United Artists)
Jack Nicholson und Louise Fletcher spielen die Hauptrollen in MiloŠ Formans Einer flog über das Kuckucksnest, einem düsteren Drama, das in einer Nervenheilanstalt in Oregan spielt, in der ein Patient (Nicholson) der tyrannischen Krankenschwester Ratched (Fletcher) ausgeliefert ist und eine Rebellion seiner Mitpatienten gegen sie anführt. Der Film basiert auf dem Roman von Ken Kesey aus dem Jahr 1962 und ist eine gefeierte Anti-Konformitäts-Metapher. Auch wenn Roger Ebert in einer glühenden Rezension aus dem Jahr 2003 darauf hinweist, dass der Film die Lösungen für psychische Krankheiten zu sehr vereinfacht, geht es nicht wirklich darum, „weil er kein Interesse daran hat, von Wahnsinn zu handeln“, schrieb Ebert. „Es geht um einen freien Geist in einem geschlossenen System.“
Amüsant: Der Film wurde vor Ort im Oregon State Hospital gedreht, einer echten psychiatrischen Klinik. Im Gegenzug dafür, dass die Filmemacher den Drehort und die Schauspieler nutzen durften, um echte Patienten zu Forschungszwecken zu beschatten, mussten die Patienten des Krankenhauses Teil der Filmcrew werden. In einem Artikel für The Guardian aus dem Jahr 2017 sagte der Schauspieler Michael Douglas, der den Film produzierte: „Wir hatten eine Reihe [von Patienten], die in verschiedenen Abteilungen arbeiteten. Mir wurde erst später klar, dass viele von ihnen kriminell verrückt waren. Wir hatten einen Brandstifter, der in der Kunstabteilung arbeitete.“
13. solaris (1972)
(Bildnachweis: Mosfilm)
Stellen Sie sich vor, Sie hassen einen anderen Film so sehr, dass Sie Ihren eigenen machen, nur um ihn zu ärgern. So hat der russische Filmemacher Andrei Tarkovsky seinen Science-Fiction-Film Solaris (nach dem Roman von Stanislaw Lem aus dem Jahr 1961) als Gegenentwurf zu Stanley Kubricks 2001: Odyssee im Weltraum konzipiert. Auf einer Raumstation, die den fiktiven Planeten Solaris umkreist, wird ein Psychologe (gespielt von Donatas Banionis) auf eine Mission geschickt, um die Besatzung zu psychoanalysieren, die von einer emotionalen Krise berichtet hat. Im Gegensatz zu Kubricks Film zeichnet sich Tarkovskys Solaris nicht durch makelloses Design aus, sondern durch eine abgenutzte und heruntergekommene Ästhetik, die von einer echten menschlichen Erfahrung zeugt. Tarkovsky wies seinen Art Director an: „Lassen Sie unsere Raumstation wie einen alten, kaputten Bus aussehen und nicht wie eine futuristische Weltraumutopie.“
12. „Dirty Harry“ (1971)
(Bildnachweis: Warner Bros.)
Mit der Auflösung des Hays Code im Jahr 1968 tauchte Clint Eastwood 1971 mit einer .357 Magnum in der Hand mit Dirty Harry auf. Unter der Regie von Don Siegel spielt Eastwood den korrupten Polizisten „Dirty“ Harry Callahan aus San Francisco, der mit seiner verbissenen Entschlossenheit, das Gesetz aufrechtzuerhalten, was ihn ironischerweise dazu bringt, es immer wieder zu brechen, wohl der definitive Antiheld des Kinos ist. Während Dirty Harry ein Franchise hervorbrachte, ist der erste Film ein überragendes Werk, in dem Hollywood endlich wirklich der Gewalt auf der Leinwand frönte, die durch Harrys fehlgeleitete Rechtschaffenheit gerechtfertigt war. Eastwoods rhetorische Frage „Do you feel lucky, punk?“ steht für das Miasma eines amoralischen Jahrzehnts.
11. rocky (1976)
(Bildnachweis: United Artists)
Nachdem er jahrelang darum gekämpft hatte, sich als Schauspieler durchzusetzen, gab Sylvester Stallone die Schauspielkarriere fast auf, bis er nach und nach Arbeit als Fernsehstatist bekam. Dann stieg er mit Rocky in den Ring und ist seitdem nicht mehr derselbe. In John G. Avildsens emotionalem Sportdrama spielt Stallone den aufstrebenden Boxer und Schuldeneintreiber Rocky Balboa, der in die Hauptrolle gedrängt wird, als der Schwergewichts-Champion Apollo Creed (Carl Weathers) Rocky für einen professionellen Schaukampf auswählt. Rocky ist ein mitreißendes Außenseiter-Sportdrama, das zahllose ähnliche Filme inspiriert hat und immer noch einer der besten Sportfilme aller Zeiten ist. Der Film hat eine ganze Reihe von Filmen hervorgebracht, wobei Rocky III der Welt „Eye of the Tiger“ bescherte.
10. „Uhrwerk Orange“ (1971)
(Bildnachweis: Warner Bros.)
Stanley Kubricks surreales dystopisches Drama, eine Adaption des Romans von Anthony Burgess aus dem Jahr 1962, ist einfach einer der verstörendsten Filme aller Zeiten. Kubricks thematisch dichter Film, in dessen Mittelpunkt der Amoklauf eines unheimlich charismatischen jugendlichen Bandenführers (gespielt von Malcolm McDowell) steht, zeigt die extremen Ausmaße von Jugendkriminalität, geschwächtem sozialen Zusammenhalt und der Ohnmacht der Autoritäten. Die grausame Gewalt auf dem Bildschirm dient einem bestimmten Zweck, aber leider gab es lange Zeit Menschen, die diesen Zweck nicht verstanden haben, und der Film hat auf kontroverse Weise Nachahmungstaten im wirklichen Leben inspiriert. Obwohl er auf Drängen Kubricks aus den Kinos genommen wurde, bleibt Uhrwerk Orange als ein Meisterwerk erhalten, das seine vielen Ideen durch die engen Gänge eines Labyrinths leitet.
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9: Chinatown (1974)
(Bildnachweis: Paramount Pictures)
Man kann Roman Polanskis Chinatown durch seine letzte Zeile definieren: „Vergiss es, Jake, es ist Chinatown“. Die Prämisse ist täuschend einfach: Eine Frau (Faye Dunaway) heuert 1937 den Privatdetektiv Jake Gittes (Jack Nicholson) an, um ihren Ehemann wegen des Verdachts der Untreue zu verfolgen. Was tatsächlich passiert, ist eine vielschichtige Ausgrabung in die dunklen Abgründe, zu denen der Mensch auf beunruhigende Weise fähig ist. Der Film nutzt die Konventionen des Film Noir und des Krimis, um wirklich als psychologisches Drama zu funktionieren. Chinatown ist nicht nur ein Schauplatz im Film, sondern eine Metapher für Chaos, das Böse und die Vergeblichkeit, wo das Beste und Moralischste, was man tun kann, darin besteht, nichts zu tun.
8. apocalypse now (1979)
(Bildnachweis: United Artists)
Francis Ford Coppola hat bei der Produktion von Apocalypse Now fast den Verstand verloren. Gestresst von zahlreichen Problemen am Set, darunter ein überhöhtes Budget, ein Drehplan, der weit über die geplanten fünf Monate hinausging, zerstörerische Stürme auf den Philippinen und ein Herzinfarkt von Charlie Sheen, gab Coppola 1991 selbst zu: „Nach und nach wurden wir wahnsinnig.“Es ist schwer zu sagen, ob sich der Schmerz gelohnt hat, ohne Coppola selbst zu sein, aber Jahrzehnte nach seiner Veröffentlichung 1979 gilt Apocalypse Now weithin als Megaklassiker und Edelstein des New Hollywood Kanons. Der Film ist ein phantasmagorischer Ausflug in den Vietnamkrieg und handelt von einem Hauptmann (Sheen), der heimlich den Auftrag erhält, einen abtrünnigen Colonel (Marlon Brando) zu ermorden, der von seinen Männern und den Einheimischen wie ein Halbgott verehrt wird. Der brillante und kühne Film Apocalypse Now ist wohl der ultimative Vietnam-Kriegsfilm, der jeden anspricht, der schon einmal in der Hölle und zurück war.
7. der Exorzist (1973)
(Bildnachweis: Warner Bros.)
Ein Film, der die Zuschauer so sehr verängstigte, dass sich die Mundpropaganda wie ein Lauffeuer verbreitete und den Film vielleicht zum ersten viralen Hit machte. Unter der Regie von William Friedkin erzählt diese Adaption des Romans von William Peter Blatty (der auch das Drehbuch schrieb) von einem Priester (Jason Miller), der eine Glaubenskrise durchmacht und von der Kirche beauftragt wird, die dämonische Besessenheit eines jungen Mädchens (Linda Blair) zu untersuchen. Der Exorzist war ein bahnbrechender Blockbuster, der das Horrorgenre nicht nur dem Mainstream näher brachte, sondern es auch respektabel machte und bewies, dass es zu so viel mehr fähig ist als zu Make-up und Monstern. In diesem Fall ist es ein erschreckender Film darüber, was es bedeutet, sich den Übeln der Selbstzweifel zu stellen. Ein kleiner Hinweis: Der Film war komischerweise für einen Tag nach Weihnachten, den 26. Dezember, geplant. Friedkin wollte zwar ein anderes Datum, aber die Filmhistorikerin Sarah Crowther vermutet, dass dieses Datum absichtlich gewählt wurde, um eine kleine Kontroverse zu entfachen.
6. alle Männer des Präsidenten (1976)
(Bildnachweis: Warner Bros.)
Am 17. Juni 1972 geschah etwas im Hauptquartier des Demokratischen Nationalkomitees in Washington D.C. Dieses Etwas war der Watergate-Skandal, der zu einem Buch der Washington Post Journalisten Carl Bernstein und Bob Woodward wurde. Vier Jahre später wurde die Untersuchung von Bernstein und Woodward zu einem der bedeutendsten Filme des Jahrzehnts: All the President’s Men, unter der Regie von Alan J. Pakula. All the President’s Men ist ein Film, der sich für Einfallsreichtum und tugendhafte Prinzipien unter einer skrupellosen, korrupten Herrschaft einsetzt. Er ist gerade deshalb so fesselnd, weil er einen unglamourösen Einblick in die hartnäckige Beharrlichkeit des Schnüffeljournalismus gibt. Es ist ein Beruf voller verschlossener Türen, ignorierter Telefonanrufe und anonymer, kryptischer Unterhaltungen. Trotzdem ist Pakulas Film immer wieder fesselnd, wenn zwei Männer nach der Wahrheit suchen, obwohl niemand sonst in der Lage ist, diese Arbeit zu erledigen.
5. alien (1979)
(Bildnachweis: 20th Century Studios)
Ridley Scotts monumentaler Sci-Fi-Horrorfilm schuf nicht nur ein dauerhaftes Franchise und machte Sigourney Weaver und John Hurt zu Stars, sondern prägte auch die Sprache und Ästhetik für alle zukünftigen Genre-Hybride. Der Film spielt in einer fernen Zukunft, in der die Raumfahrt alltäglich ist. Die siebenköpfige Besatzung des kommerziellen Schleppers Nostromo wird durch einen Notruf vorzeitig aus der Stasis geweckt. Als die Abenteurer von ihrer Untersuchung eines verlassenen außerirdischen Schiffs zurückkehren, bringen sie unwissentlich eine außerirdische Kreatur mit, die sich schnell zu einer säurespeienden Bedrohung entwickelt, die sie alle bedroht. Mit seinem ikonischen Slogan „Im Weltraum kann dich niemand schreien hören“ gab Alien zwei geschichtsträchtigen Genres auf einen Schlag ein neues, erschreckendes Gesicht.
4. taxi driver (1976)
(Bildnachweis: Columbia Pictures)
Von Regisseur Martin Scorsese als Traum konzipiert, ist Taxi Driver eher eine Halluzination im Fieberwahn als ein psychologischer Thriller über die Mission eines gestörten Mannes, das korrupte New York City auf eigene Faust zu reinigen. Mit Robert De Niro in der Hauptrolle als Travis Bickle, einem traumatisierten Vietnamkriegsveteranen und nächtlichen Taxifahrer, ist Taxi Driver wie ein Blick in das Gehirn eines unsicheren Mannes, der seine Unzulänglichkeiten mit extremer Männlichkeit und Größenwahn überkompensiert. Jahrzehnte nach seinem Erscheinen 1976 ist Scorseses kontroverser Film – der mindestens ein versuchtes Attentat auf den Präsidenten inspirierte – immer noch erschreckend aktuell.
3. der Pate (1972)
(Bildnachweis: Paramount Pictures)
Francis Ford Coppola hätte bei Der Pate aufhören können und er wäre immer noch ein verehrter Filmkünstler. Basierend auf dem Bestseller von Mario Puzo aus dem Jahr 1969 über eine fiktive italienische Mafia-Dynastie spielt Coppola in seinem unsterblichen Film Al Pacino und Marlon Brando (sowie James Cann, Robert Duvall und Diane Keaton) in den Hauptrollen als Anführer der Verbrecherfamilie Corleone. Der Film spielt in den Jahren 1945 bis 1955 und zeigt, wie Michael Corleone (Pacino) vom jüngsten Sohn, der sich nur ungern mit den Geschäften seiner Familie befasst, zum Nachfolger seines Vaters wird. Der Pate ist ein echter amerikanischer Klassiker und mit seiner dramatischen Studie der Familiendynamik und der atmosphärischen Welt der italienischen Mafia im Amerika der Nachkriegszeit wirklich einer der größten Filme aller Zeiten.
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2. star Wars (1977)
(Bildnachweis: 20th Century Studios)
Er hat eine der lukrativsten und bekanntesten Medien-Franchises der Welt hervorgebracht. Aber auch wenn er das nie getan hat, ist George Lucas‘ Film Star Wars aus dem Jahr 1977 (inzwischen umbenannt in Star Wars: Episode IV – Eine neue Hoffnung) eine künstlerische Leistung reiner Fantasie. Entstanden aus Lucas‘ eigener Unfähigkeit, einen Flash Gordon-Film zu drehen, ist Star Wars vor allem eine klassische Geschichte von Gut gegen Böse, in der rauflustige Außenseiter mit fortschrittlichen Idealen einen Sieg über überlegene Kräfte erringen können. Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness und die beeindruckende Stimme von James Earl Jones bevölkern das ultimative Abenteuer aus einer weit, weit entfernten Galaxie.
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1. der Weiße Hai (1975)
(Bildnachweis: Universal Pictures)
Nur weil es Sommer ist, heißt das nicht, dass Sie sich nicht vor der Dunkelheit des Abgrunds unter Ihnen fürchten sollten. In Steven Spielbergs ultimativem Monster-Horrorfilm Der weiße Hai wird eine malerische Strandstadt von einem besonders hungrigen Weißen Hai terrorisiert, der wie ein kalkulierter Serienmörder eine Vielzahl von Leichen anrichtet. Als einer der ersten echten Hollywood-Blockbuster überwand Spielberg geschickt technische Probleme mit dem Hai, um eine Atmosphäre des ständigen, unvorhersehbaren Schreckens zu schaffen; nichts ist wirklich beängstigender, wenn man nicht weiß, wo sich das Monster gerade aufhält. Es gibt zwar noch viele weitere Filme aus den 1970er Jahren, die eine ähnliche Anerkennung als einige der besten Filme aller Zeiten verdienen, aber nur einer von ihnen ist würdig genug, um ein größeres Boot zu verlangen.
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