Seit der Veröffentlichung des bahnbrechenden Films Toy Story im Jahr 1995 hat sich Pixar einen Namen als leistungsstarkes Animationsstudio gemacht, das sich durch eine einzigartige Qualität des Geschichtenerzählens auszeichnet. Aber welche Momente aus den Pixar-Filmen sind tatsächlich unvergesslich?
Obwohl Pixar bekanntlich zum Disney-Imperium gehört, sind seine Filme ikonisch genug, um für sich allein zu stehen. Ganz gleich, ob ihre Geschichten von zankenden Spielzeugen, reisenden Fischen, Monstern, die Kinder als 9-to-5-Job erschrecken, oder Teenager-Mädchen mit einem uralten Familienfluch handeln, ein Pixar-Film ist eine Einladung, die garantiert etwas Magisches, Lustiges und Bewegendes auf einmal ist.
Bei so vielen Filmen gibt es besondere Filmmomente, die vielleicht nur ein paar Minuten, vielleicht sogar nur ein paar Sekunden dauern, aber stark genug sind, um sich ein Leben lang zu erinnern. Hier sind 32 der schönsten Momente aus den Pixar-Filmen, die in die Kinos kamen.
32. der lange Heimweg (Wall-E)
(Bildnachweis: Disney)
Wall-E ist ein überragender moderner Klassiker, eine ausgedehnte Sci-Fi-Romanze über einen überarbeiteten Roboter, der die Aufgabe hat, eine futuristische Erde aufzuräumen. Der Film beginnt mit einer erschütternden Note, was für einen Disney-Film überraschend ist. Während Wall-Es langem Weg nach Hause macht sich ein schleichendes Grauen darüber breit, was aus unserem Planeten geworden ist – ausgebrannt, voller Müll, ohne Leben und von einem einzigen Megakonzern wie von einem Virus befallen. Wie Wall-E unheilvoll andeutet, haben die Menschen den Planeten schon vor langer Zeit verlassen und eine Armee von Robotern hinterlassen, die ihn säubern sollen. Nur ihre Zahl ist geschrumpft und alles, was übrig ist, ist eine einzige, einsame Einheit. Wall-E endet schließlich mit einer positiven Note, aber der Anfang ist voller Dunkelheit über die Neigung der Menschheit zur Selbstzerstörung.
31. die Begegnung mit dem Mantikor (Vorwärts)
(Bildnachweis: Disney)
In Onward, Pixars Hommage an Fantasy-Epen und Rollenspiele wie Dungeons & Dragons, bereiten sich die Brüder Ian (Tom Holland) und Barley (Chris Pratt) auf die Konfrontation mit dem Manticore vor, einem uralten bösen Biest, das sie der Legende nach in die richtige Richtung führen kann – wenn sie überleben. Die köstliche Wendung besteht darin, dass in dieser Welt, in der die Moderne die Magie verdrängt hat, sogar die Manticore (gesprochen von Octavia Spencer) ihren Biss verloren hat und ihre Taverne nun ein Familienrestaurant in der Vorstadt ist. Kein anderer Moment in Onward verdeutlicht seine clevere Prämisse mehr als diese Szene, in der die einzigen Gefahren unhöfliche Junggesellinnenabschiede und verspätete Essensbestellungen sind.
30. die Bachelorette: Bogenschießen Edition (Brave)
(Bildnachweis: Disney)
Brave spielt im mittelalterlichen Schottland und erzählt die Geschichte von Merida, der Prinzessin des Clans Dunbroch, die sich den Geschlechtertraditionen verweigert und sich stattdessen nach Abenteuern sehnt. Im Verlauf des Films wird Merida ins Rampenlicht gedrängt, als Schottlands nicht ganz so feine Bogenschützen um ihre Hand anhalten. In einer Szene, die an Mel Brooks-Komödien erinnert, zeigt keiner der Möchtegern-Bewerber ausreichende Fähigkeiten, um auch nur das einfache Volk zu beeindrucken, geschweige denn die Prinzessin. Zum Glück kann Merida mit dem Bogen schießen, wie sie atmet, und sie macht alle zum Narren – sehr zum Leidwesen ihrer Mutter, der Königin.
29 Fliks Fehler/Hoppers Zorn (Das Leben eines Käfers)
(Bildnachweis: Disney)
Zu Beginn von A Bug’s Life, Pixars zweitem Film nach Toy Story, kehrt der tollpatschige, aber wohlmeinende Flik zu seiner Heimatkolonie zurück, bevor die bösartigen Heuschrecken kommen, um die Früchte ihrer Arbeit einzufordern. Als Flik seine instabile Vorrichtung beiseite wirft, stürzt sie am Ende das gesamte Futter über eine Klippe. (Wer hatte eigentlich die Idee, das alles dort aufzustellen?) Irgendwann haben wir uns alle einmal wie Flik gefühlt, als wir bei der Arbeit Mist gebaut haben und uns vor den Konsequenzen fürchteten.
Fliks Fehler leitet direkt über zu einem weiteren eiskalten Moment in ganz Pixar: Die Einführung der Grashüpfer. Die Grashüpfer, die als fiese Biker-Gang charakterisiert werden, orientieren sich an Hopper (gesprochen von Kevin Spacey), einem charismatischen Autokraten, der nicht zweimal darüber nachdenkt, ein Kind vor einem wilden Handlanger baumeln zu lassen. Zwischen Spaceys mitreißender Darbietung als einer der am meisten unterschätzten Bösewichte Disneys und der donnernden Inszenierung des gewaltsamen Eindringens der Heuschrecken in die Kolonie ist diese ganze Szene ein Wunderwerk, wie man Bösewichte einführt, ohne eine einzige Sekunde zu verschwenden.
28: Fische sind Freunde, kein Futter (Findet Nemo)
(Bildnachweis: Disney)
In Findet Nemo sucht ein ängstlicher Clownfisch den Pazifischen Ozean ab, um seinen Sohn Nemo wiederzufinden, und trifft dabei auf eine wilde Parade von bunten Kreaturen. Unter ihnen: Ein Trio von Haien, alle mit ultradickem australischen Akzent, die geschworen haben, nie wieder Fisch zu essen. Kinder mögen furchterregende Haie als sanfte Riesen einfach nur lustig finden, aber Erwachsene können sich über die Anspielung der Filmemacher auf ein AA-Treffen kaputtlachen. Die Dinge spitzen sich zu, als Dorys Nasenbluten den größten Hai Bruce daran erinnert, wie schmackhaft Fische sind, was eine der aufregendsten Szenen des ganzen Films einleitet.
27. „Du hast mich zum Reden gebracht!“ (Die Unglaublichen)
(Bildnachweis: Disney)
Spoilerwarnung, wenn Sie Die Unglaublichen nicht gesehen haben! Im großen Finale des Films entpuppt sich der Bösewicht Syndrome (gesprochen von Jason Lee) als Buddy, der als Jugendlicher Mr. Incredible vergötterte und sogar versuchte, sein Kumpel zu sein. Aber als Mr. Incredible ihn abwies, keimte in Buddy Hass auf. Er machte sich auf den Weg, um alle Superhelden zu töten und selbst ein Superheld zu werden und schließlich seine Formel zu verkaufen, damit die ganze Welt Kräfte haben kann. Syndroms große Schurkenrede ist ein unvergesslicher Moment, der die Klischees von Superhelden- und Spionagefilmen voll auskostet und gleichzeitig auf erfrischende Weise mit ihnen spielt.
26. „Ich bin Lightning“ (Cars)
(Bildnachweis: Disney)
Die Einführung von Lightning McQueen in Cars ist ein Ereignis für die Ewigkeit. Eine spannende, ausgedehnte Sequenz, die nicht nur Lightnings unnatürliche Talente auf der Rennstrecke zeigt, sondern auch seine übergroße Arroganz, die ihn fast mehr zu einem Anti-Helden als zu einem Protagonisten macht. In dieser alternativen Realität, in der Autos und andere Fahrzeuge lebendig sind, ist Lightning ein junger Superstar, der gerade in der Blüte seiner Karriere steht, als er demütig lernt, wie wichtig es ist, im Team zu arbeiten. Zwischen dem halsbrecherischen Tempo des Films und der atemberaubenden visuellen Treue – sehen Sie nur, wie das Licht von Lightnings feuerroter Lackierung reflektiert wird – gibt es keine Eröffnung, die so sehr aufs Gaspedal drückt wie Cars.
25. remy repariert die Suppe (Ratatouille)
(Bildnachweis: Disney)
In Ratatouille leiht der Komiker Patton Oswalt seine Stimme in der Rolle von Remy, einem Feinschmecker, der zufällig auch eine Ratte ist. Als Remy in Paris ankommt und sich in der Küche des Restaurants seines verstorbenen Idols wiederfindet, ist er entsetzt, als ein einfacher Mülljunge, Alfredo Linguini, eine kochende Suppe versaut. Remy verzögert seine eigene saubere Flucht, um Alfredos Chaos zu beseitigen. So beginnen ein paar bezaubernde Minuten, in denen Remy überglücklich ist, endlich in seinem Element zu sein. Dieser frühe Moment, in dem Remy und Alfredo ihre Freundschaft beginnen, ist ein weiterer unvergesslicher Filmmoment von Pixar, der durch seine großartige Animation und sein köstliches Design besticht.
24: Nemo am Berg Wannahockaloogie (Findet Nemo)
(Bildnachweis: Disney)
Während Marlin überall nach Nemo sucht, findet sich der kleine Kerl in der guten Gesellschaft anderer Fische wieder, die in einem Aquarium in einer Zahnarztpraxis festsitzen. Während sie alle ihre Flucht planen, heißen sie Nemo als einen der ihren willkommen. Dazu gehört auch eine charmante und lustige Zeremonie auf dem „Mount Wannahockaloogie“ (dem dekorativen, künstlichen Berg des Tanks), bei der Nemo seinen neuen Namen erhält: Shark Bait. (Hooh-ah-ah!) Abgesehen davon, dass es lächerlich verspielt ist, ist es einfach charmant, dass diese zähnefletschenden Fische, angeführt von dem furchteinflößenden Gill (gesprochen von Willem Defoe), es auf sich nehmen, auf Nemo aufzupassen, bis er sich mit seinem Vater wiedervereinen kann.
23. Joes Gelübde (Seele)
(Bildnachweis: Disney)
Die Welt nahm im Jahr 2020 eine erschütternde Wendung, als die COVID-19-Pandemie das tägliche Leben durcheinanderbrachte und eine weit verbreitete Tristesse herrschte. Am Ende dieses schwierigen Jahres kam der damals neueste Film von Pixar, Soul, in die Kinos. Es handelt sich um eine metaphysische und philosophische Animationskomödie über einen Jazzmusiker namens Joe (Jamie Foxx), dessen Seele von seinem Körper getrennt wird. Nachdem Joe gelernt hat, dass es im Leben nicht um Erfolg geht, sondern einfach nur darum, das Leben in vollen Zügen zu genießen, wird ihm von der allmächtigen Jerry (Alice Braga) mitgeteilt, dass er auf die Erde zurückkehren dürfe. In der letzten Einstellung des Films scheint die Morgensonne auf Joe, der aus seiner Haustür tritt und sich schwört, von nun an jede Minute zu leben. Das Ende von Soul ist mit Sicherheit eines der schönsten Enden in der Geschichte von Pixar, denn es macht deutlich, dass jeder Augenblick, den wir haben, ein Geschenk ist. Mitten in der Quarantäne und Verzweiflung erinnert uns Soul daran, was Leben wirklich bedeutet.
22. Hoppers Untergang (A Bug’s Life)
(Bildnachweis: Disney)
Auf dem Höhepunkt von A Bug’s Life sorgt ein Gewitter für die Atmosphäre, in der sich die einfachen Ameisen gegen die imposanten Grashüpfer behaupten. Als der Kampf auf Flik und Hopper hinausläuft, zahlt sich Fliks Planung aus, als ein Vogel aus dem Nichts auftaucht und Hopper bösartig an seine Kinder verfüttert. Der Film zeigt schon früh, dass die Heuschrecken in den Riesenvögeln ihre eigenen Raubtiere haben, die sich auf unheimliche Weise wie Tiere verhalten, die aus reinem Instinkt handeln. (Das steht in krassem Gegensatz zu den Käfern, die nicht nur sprechen, sondern auch zu Erfindungen fähig zu sein scheinen, Shakespeare rezitieren und sogar Regierungssysteme bilden). Was die Todesszenen von Bösewichten in Kinderfilmen angeht, so ist A Bug’s Life in seiner Brutalität sehr eindrucksvoll. Hier wird kein Mord begangen, es ist einfach die Natur.
21. von Tür zu Tür zu Tür (Monsters Inc.)
(Bildnachweis: Disney)
Die Welt von Monsters Inc. funktioniert mit einem komplexen System von magischen Türen, die sich zu jedem Schlafzimmer überall auf der Welt öffnen können. Da passt es gut, dass der actiongeladene Höhepunkt des Films rund um diese Türen stattfindet. Dies könnte tatsächlich das größte Set Piece sein, das je in einem Pixar-Film umgesetzt wurde, zumindest was die geografische Ausdehnung angeht. Die Charaktere rasen überall hin, von Paris über Japan bis nach Louisiana (wo der Bösewicht Randall gestrandet ist). Aber das meiste spielt sich im Hauptquartier von Monsters Inc. ab. Die einschüchternde Höhe und die rasante Geschwindigkeit der baumelnden Türen sind ein offensichtlicher Grund für die Charaktere, dicht bei sich zu bleiben und sich festzuhalten.
20. die Restaurierung von Woody (Toy Story 2)
(Bildnachweis: Disney)
Es gab noch nie einen sinnlicheren Moment in einem Pixar-Film. Nachdem Woody vom gierigen Spielzeugladenbesitzer Al (Wayne Knight) für seine Sammlung gestohlen – und später nach Japan versteigert – wurde, beauftragt Al einen Experten namens „The Cleaner“ (gesprochen von Bob Peterson), Woody wieder in seinen ursprünglichen Zustand zu versetzen. Pixars Status als technisch hochmodernes Studio kommt hier voll zur Geltung, da die Texturen von Plastik, Farbe, Baumwolle, Glas und vielem mehr auf dem Bildschirm förmlich aus dem Bildschirm springen. Es bricht einem natürlich das Herz, wenn man sieht, wie Andys Name übermalt wird, aber diese Szene hat einfach etwas, das so befriedigend ist. (Spaßfakt: Das Charaktermodell für The Cleaner wurde von Geri übernommen, einem exzentrischen alten Mann, der in dem Pixar-Kurzfilm Geri’s Game von 1997 Schach spielt).
19. die Begegnung mit Russell (Up)
(Bildnachweis: Disney)
Nicht lange, nachdem Up sein Publikum in einem heulenden Chaos zurückgelassen hat, wird die Stimmung mit der Ankunft von Russell, der von dem damaligen Kinderdarsteller Jordan Nagai gesprochen wird, vor Carls Haustür heller und luftiger. Mit seinem liebenswert abgerundeten Design, seinem unverhohlenen Enthusiasmus (der wahrscheinlich den Schmerz über das Verlassenwerden durch seinen Vater überdeckt) und seiner verbissenen Hartnäckigkeit, sich sein letztes Verdienstabzeichen zu verdienen, hat Russell sofort einen Platz in unser aller Herzen erobert, weil er sein Pfadfinderhandbuch wortwörtlich genau liest. Ein großes Lob an das Animationsteam des Films, das es geschafft hat, Russell so liebenswert wirken zu lassen, selbst wenn er sich an Carls Veranda festklammert, um sein Leben zu retten.
18: Alpha Bravo bezieht Stellung (Toy Story)
(Bildnachweis: Disney)
Als alle Spielzeuge von Andy wegen Andys Geburtstagsparty in Panik geraten – sie befürchten, dass dies ihr vorzeitiger Ruhestand sein könnte, denn Geburtstage bedeuten neue Spielzeuge – schickt Woody einen Trupp grüner Armeeangehöriger los, die in einer dekorativen Fabrik eine Aufklärungsposition einnehmen. Die Szene ist nicht nur lächerlich witzig und clever, sondern wohl auch grundlegend dafür, wie sie die Erwartungen an den Pixar-Filmstil dauerhaft festlegt. In den Filmen von Pixar geht es nie nur um Spielzeug, Käfer oder Superhelden. Vielmehr nutzen sie ihre Charaktere im Zusammenspiel mit bekannten filmischen Konventionen (in diesem Fall ein Kriegsfilm), um etwas völlig Neues zu schaffen.
17: Reiten auf dem ostaustralischen Strom (Findet Nemo)
(Bildnachweis: Disney)
Auf halber Strecke der Reise von Marlin und Dorie auf der Suche nach Nemo steigen die beiden auf den Rücken von Crush, einer 150 Jahre alten Meeresschildkröte, um die röhrenförmige Unterwasserstraße des Pazifischen Ozeans zu befahren. Crush ist nicht nur ein lächerlich cooler Typ, der wie ein Surfer aus Venice Beach redet, sondern der East Australian Current ist ein visuelles Wunder, das uns wünschen lässt, wir könnten alle Fische sein und in seiner vakuumähnlichen Geschwindigkeit schwimmen. Die Szene spielt auch eine sehr wichtige Rolle für Marlin, der hier lernt, dass es bei der Erziehung seiner Kinder nicht immer darum geht, sie zu beschützen, sondern ihnen zu vertrauen, dass es ihnen gut gehen wird.
16. Elastigirls neues Fahrgeschäft (Die Unglaublichen 2)
(Bildnachweis: Disney)
In der Fortsetzung von Die Unglaublichen aus dem Jahr 2018 wird Elastigirl ins Rampenlicht gerückt, um das öffentliche Image von Superhelden zu rehabilitieren. In einer originellen Verfolgungsjagd, die von der für Pixar typischen Kreativität geprägt ist, startet Elastigirl mit einem brandneuen Motorrad, das sich ihre Kräfte zunutze macht, indem es sich in zwei Teile teilen kann. Sehen Sie sich genau an, wie die Filmemacher die Physik der realen Welt nutzen, um eine Szene zu kreieren, die sich trotz ihrer Unmöglichkeit so geerdet anfühlt. In Kombination mit der pulsierenden, von Spionen inspirierten Filmmusik von Michael Giacchino unterstreicht diese Szene den Status von Pixar als einer der genialsten Animationsfilmer überhaupt.
15. in die Lüfte! (Oben)
(Bildnachweis: Disney)
Es ist egal, wie sehr er der Physik ins Gesicht spuckt. Als Carls Haus abhebt und mit Tausenden von bunten Heliumballons davonfliegt, wird Up mehr als ein Film über einen sturen alten Mann, der an seinem Besitz festhält. Es wird zu einem Abenteuer, in dem Carl lernt, was es wirklich bedeutet, die Erinnerung an seine geliebte verstorbene Frau Ellie zu ehren. Nach Toy Story hat Up vielleicht die ausgeprägteste visuelle Ikonographie in der gesamten Filmografie von Pixar und seine visuelle Metapher eines fliegenden Hauses ist wirklich unvergesslich.
14. ein Hauch von Action (Die Unglaublichen)
(Bildnachweis: Disney)
In vielen Superheldenfilmen rennen die Figuren mit Supergeschwindigkeit, aber nur wenige von ihnen können sich mit der Aufregung von Dashs großer Action-Einlage in Die Unglaublichen messen. Anstatt die Zeit zu verlangsamen oder sich in unsinnige VFX zu verstricken, ist Dash im Grunde nur ein Sportwagen auf zwei Beinen, was der Szene im Grunde ein notwendiges Gefühl von Schwerkraft und Gewicht verleiht, das andere Filme mit Supergeschwindigkeit nicht berücksichtigen. Dank der kristallklaren Regie, dem Rhythmus der Action und der cleveren Umkehrung der Erwartungen reicht der triumphale Moment von Dash aus, um in uns allen das Bedürfnis nach Geschwindigkeit zu wecken.
13. die Verzweiflung von Buzz (Toy Story)
(Bildnachweis: Disney)
Nachdem er den größten Teil von Toy Story in dem Glauben verbracht hat, ein echter Space Ranger zu sein, erfährt Buzz Lightyear auf die härteste Art und Weise, was er tatsächlich ist: ein Spielzeug. Der Versuch, sich selbst das Gegenteil zu beweisen (verflixt sei die Fernsehwerbung!), endet vorhersehbar in einer Katastrophe, als Buzz buchstäblich auf den Boden der Tatsachen fällt. Diese Szene ist ein weiteres Beispiel dafür, wie bewegend Pixar seine Geschichten erzählt, selbst mit unrealistischen Figuren. Buzz Lightyear mag ein Klumpen Plastik sein, aber in diesem Moment spüren Sie wirklich den Schmerz in seiner Seele.
12. auf Wiedersehen zu Boo (Monsters Inc.)
(Bildnachweis: Disney)
Nach einer langen Reise, auf der sie dem Menschenkind Boo (gesprochen von der damaligen Kinderdarstellerin Mary Gibbs) ans Herz gewachsen ist, trennt sich das große blaue Monster und der Star-Mitarbeiter von Monsters Inc., Sully (John Goodman), von ihr – ein weiteres Beispiel dafür, dass Pixar genau weiß, wie man unsere Herzen auf die richtige Art und Weise zerschmettert. Als Boo die Tür ihres Schlafzimmerschranks öffnet und dort nicht ihr Lieblingsmonster steht, wussten wir, dass Monsters Inc. etwas ganz anderes ist.
11. „Keine Umhänge!“ (Die Unglaublichen)
(Bildnachweis: Disney)
Die Unglaublichen ist ein stilvoller Film, in mehr als einer Hinsicht. Oberflächlich betrachtet ist er eine elegante Hommage an das Silberne Zeitalter der Comics und der Spionage-Filme. Aber seine Figuren hatten nur dank der Modedesignerin und Kostümbildnerin Edna Mode, die, wie Sie vielleicht überrascht sein werden, von Regisseur Brad Bird gesprochen wird, einen gewissen Tiefgang. Edna ist eine Mischung aus Anna Wintour und Q aus James Bond. In ihrer Einführung wird sie als eine Frau mit gutem Geschmack und hohen Ansprüchen dargestellt, die nicht nur auf Arroganz zurückzuführen ist. Beachten Sie ihr striktes Verbot von Umhängen, das durch eine überraschend grausame Montage toter Superhelden illustriert wird. Edna macht sich eindeutig Vorwürfe wegen dieser Fehler, auch wenn sie darauf besteht, dass sie nie in die Vergangenheit blickt.
10: Miguel sieht das Land der Toten (Coco)
(Bildnachweis: Disney)
Der Musical-Hit Coco aus dem Jahr 2017 ist eine schillernde Erkundung mexikanischer Folklore, und kein Moment verdeutlicht den ehrfürchtigen Geist des Films besser als der, in dem Miguel, ein lebender Junge, sich versehentlich dem Land der Toten nähert. Das Land der Toten ist jedoch kein Ort des Schreckens und des Grauens, sondern eine wunderschöne Metropole voller Lichter, Musik und Liebe. Miguel ruht sich auf knusprig leuchtenden orangefarbenen Blütenblättern aus und ist sprachlos über die schiere Majestät des Landes der Toten. Und wir sind es auch, denn die atemberaubenden Bilder und die bewegende Filmmusik von Michael Giacchino erreichen ein Crescendo, das uns mitreißt.
9. lernen, Traurigkeit zu brauchen (Inside Out)
(Bildnachweis: Disney)
Inside Out verbringt die meiste Zeit seiner Laufzeit damit, Sadness (gesprochen von Phyllis Smith) zu einem kleinen Ärgernis zu machen. Sie kommt den anderen Emotionen, wie der Freude, die Riley zum Funktionieren bringen, oft in die Quere. Sadness selbst erkennt ihre Behinderung und versucht verzweifelt, sich rar zu machen. Aber das Ende des Films schlägt ein wie eine Tonne Ziegelsteine, wenn er vorschlägt, dass Traurigsein genauso wichtig ist wie Glück, Wut, Ekel und alles andere, was die menschliche Erfahrung so reich macht. Es sind vielleicht nicht unsere schönsten Momente, aber Traurigsein erinnert uns genau an die Dinge, die uns wirklich wichtig sind.
8. tanzend im Weltraum (Wall-E)
(Bildnachweis: Disney)
Wall-E (der Film) betritt eine ganz andere emotionale Ebene, wenn Wall-E und EVE wieder zusammenkommen und gemeinsam im Weltraum außerhalb des Raumschiffs Axiom tanzen. Lange Zeit hat Wall-E eine krude VHS-Kassette mit dem Film Hello, Dolly! angesehen und auf den Tag gehofft, an dem er jemanden haben würde, der mit ihm tanzt. Endlich lebt Wall-E seinen Traum in diesem bezaubernden Weltraumwalzer aus, in dem sich Wall-E und EVE als Paar näher kommen. Hunderte von Jahren hat Wall-E gegen alle Widrigkeiten hart gearbeitet, um die Erde zu retten. In diesem Moment kann dieser bescheidene Held der Menschheit endlich seinen wildesten Traum ausleben.
7: Ratten übernehmen die Küche/Ego’s Nostalgia (Ratatouille)
(Bildnachweis: Disney)
Der Höhepunkt von Ratatouille ist entweder herzerwärmend oder erschreckend, je nachdem, ob Sie als Gesundheitsinspektor arbeiten. Nachdem der größte Teil von Gusteaus Küchenpersonal wegen Linguinis Unehrlichkeit gekündigt hat, kommen Remy und sein Rattenclan zur Hilfe, um das Restaurant am Laufen zu halten, wobei Remy den Ablauf koordiniert. Alles spitzt sich zu, als der rücksichtslose Restaurantkritiker Anton Ego einen Bissen Ratatouille (das französische Gericht) zu sich nimmt und plötzlich von Nostalgie für seine Kindheit und die Küche seiner Mutter übermannt wird. Es ist zwar lustig und schrecklich, Ratten beim Kochen zuzusehen, aber das Auftauen von Egos kaltem Herzen erinnert uns daran, dass keine Kritik unvoreingenommen ist und dass es unsere Lebenserfahrung ist, die unseren Geschmack prägt.
6. woody’s Ruhestand (Toy Story 4)
(Bildnachweis: Disney)
Was auch immer Sie über Toy Story 4 denken, es steht außer Frage, wie schön er endete. Wo Toy Story 3 auf eine Art und Weise endet, die einen Neuanfang suggeriert, endet Toy Story 4 mit einem eindeutigen Rücktritt, um seine Stiefel an den Nagel zu hängen und ein Leben zu genießen, das völlig frei von dem ist, was man einmal war. Woodys Abschied vom Rest der Spielzeuge, die er (und wir, das Publikum) so lange gekannt haben, ist zärtlich und bittersüß, vor allem in warmem Rotbraun beleuchtet, das das Gefühl des Herbstes widerspiegelt – einer Jahreszeit des großen Wandels. Niemals zuvor hat sich der Satz „Du hast einen Freund in mir“ so stark angefühlt wie am Ende der vierten Toy Story.
5. ins Feuer (Toy Story 3)
(Bildnachweis: Disney)
Einer der düstersten Momente in der Geschichte der Pixar-Filme ereignet sich gegen Ende von Toy Story 3, als Woody, Buzz, Jessie und die anderen in einer Müllpresse landen und sich langsam einem feurigen Untergang nähern. Zum ersten Mal in der Serie hat niemand, nicht einmal der sonst so clevere und entschlossene Woody, eine Idee, wie er sich aus der Affäre ziehen kann. Als das wütende Feuer immer näher kommt, reichen sich Andys kostbare Spielzeuge die Hände, um stillschweigend anzuerkennen, dass die einzige Gnade in diesem Moment darin besteht, dass sie gemeinsam dem Ende entgegensehen. Natürlich werden sie in letzter Minute von einer Gruppe äußerst hilfsbereiter Außerirdischer gerettet, deren fast religiöses Loblied auf „The Claw“ tatsächlich wie eine Erlösung wirkt. Aber bevor sie zur Rettung kamen, überzeugte Toy Story 3 sein Publikum tatsächlich davon, dass es das Undenkbare tun würde.
4. singt für Mama Coco (Coco)
(Bildnachweis: Disney)
Wenn Ernesto de la Cruz (Benjamin Bratt) in Coco das Lied „Remember Me“ singt, ist es voll von Instrumenten und Bombast, die verraten, wie der eigentliche Komponist, Miguels Vorfahre Hector (Gael Garcia Bernal), es klingen lassen wollte: zärtlich. Es ist also keine Überraschung, dass Miguel, als er es für seine Urgroßmutter Coco singt, plötzlich aufwacht und sich daran erinnert, wie ihr Vater für sie gesungen hat. In diesem emotionsgeladenen Film über die überwältigende Kraft der Erinnerung, der Musik und der Familienliebe werden die Bande zwischen den Generationen gestärkt, als Miguel Mama Coco hilft, sich daran zu erinnern, wie viel ihr Vater ihr bedeutet hat.
3. „Als sie mich liebte“ (Toy Story 2)
(Bildnachweis: Disney)
Während der Name „Andy“ in der Welt von Toy Story eine große Bedeutung hat, ruft der Name „Emily“ kompliziertere Gefühle von Herzschmerz und Verlassenheit hervor. Wenn das Cowgirl Jessie Woody von ihrer eigenen Vergangenheit mit Emily erzählt, untermalt die wehmütige Stimme von Sarah McLachlan (die den Originalsong „When She Loved Me“ singt) eine sonnengetränkte Montage eines kleinen Mädchens, das so verliebt in seine geliebte Cowgirl-Puppe ist – bis zu dem Tag, an dem sie es nicht mehr ist. So wahr wie die Sonne untergeht, so werden auch Kinder alt und entfernen sich schnell von den Dingen, die ihnen einst Freude bereitet haben. Es ist nichts Böses daran, dass Emily Jessie spendet. Nur die Vergänglichkeit von Spielzeug und Kindheit.
2: Wall-E trifft auf EVE (Wall-E)
(Bildnachweis: Disney)
Wall-E ist wahrlich eine Meisterklasse der Animation. Es ist eine mehrdimensionale Romanze, in der zwei Charaktere kaum etwas Zusammenhängendes sagen, aber ihre Handlungen sprechen Bände. Als Wall-E zum ersten Mal auf die hochmoderne EVE trifft, die auf einer Mission ist, um Beweise für die Vegetation auf der inzwischen verwüsteten Erde zu finden, ist unser Held völlig vernarrt. Als ein plötzlicher Sturm aufzieht, suchen die beiden Schutz in Wall-Es bescheidenem Behelfsheim, wo seine Sammlung von Schmuckstücken EVE einen Einblick in eine Erde aus längst vergangenen Zeiten gewährt. Als EVE nach dem Sammeln einer kleinen Pflanze in einen abrupten Winterschlaf fällt, hält Wall-E hoffnungslos und liebenswert – und vielleicht auch ein wenig bizarr – ihr Date in Gang. Wall-E ist eine Romanze, wie es sie vorher und nachher nicht mehr gegeben hat, und verdient seine Reverenz als alarmierender Aktivisten-Science-Fiction-Film mit Herz.
1. bis zur Unendlichkeit und darüber hinaus (Toy Story)
(Bildnachweis: Disney)
Stellen Sie es sich vor: Wir schreiben das Jahr 1995. Dieses schicke Studio, von dem noch niemand etwas gehört hat, hat gerade einen innovativen Film herausgebracht, der vollständig computergeneriert ist. Sie können nicht glauben, dass Zeichentrickfiguren so aussehen können. Außerdem ist dieser Film über sprechende Spielzeuge irgendwie unglaublich, da er so voller Humor, Persönlichkeit und Einfallsreichtum ist. Und hier ist er, der Höhepunkt. Ein Haufen Spielzeuge versucht, auf den Rücksitz eines fahrenden Lastwagens zu gelangen. Aber die Geschichte, die erzählt wird, ist eine über Loyalität, Kameradschaft, Verstand und Liebe, verpackt in eine griechisch anmutende Action-Odyssee, gemischt mit der Effekthascherei eines Hollywood-Blockbusters. Wenn Buzz Lightyear mit Woody abhebt und seine Flügel ausbreitet, geht ein regelrechtes Feuerwerk los, während Buzz manövriert, um die Höhe zu halten. Als Woody erstaunt ist, dass Buzz tatsächlich fliegt, besteht Buzz – bezeichnend für sein Wachstum – darauf, dass sie nur fallen, „mit Stil“. Als Buzz und Woody in Andys Kiste landen, ist das auch die Auflösung des Films. Die Spielzeuge sind zurück in der Kiste, wo sie hingehören, aber Animationsfilme und Filme sind seitdem nicht mehr dieselben.