Seit seiner Gründung im Jahr 1923 als Disney Brothers Cartoon Studio hat das weltberühmte Filmstudio Disney durch bezaubernde Geschichten, eingängige Musik und faszinierende Kunstfertigkeit Träumer zu großen Träumen inspiriert. Von den Hunderten von Charakteren sind einige zu den Besten der Besten geworden.
Während Figuren wie Mickey, Donald und Goofy Kultstatus genießen, gibt es viele andere im umfangreichen Disney-Kanon, die mit thematischer Tiefe, komplexen Metaphern und manchmal auch einfach mit mehr Pep aufwarten können. Wer verdient es also, als der Beste der Besten anerkannt zu werden? Im Folgenden stellen wir die 32 größten Disney-Figuren vor, die dafür verantwortlich sind, dass das am längsten bestehende Animationsstudio der Welt diesen Rekord-Ruf genießt.
Der Klarheit halber lassen wir diejenigen weg, die erst nach ihrer Erschaffung Teil der Disney-Familie wurden. Es werden also keine Figuren aus Star Wars oder Marvel (oder sogar Power Rangers, einst eine Disney-Marke) erwähnt, bis auf eine Ausnahme. Außerdem beschränken wir die Kriterien auf Kinofilme. Wir entschuldigen uns also bei allen, die hoffen, dass Disney-Fernsehfiguren wie Kim Possible und Hannah Montana ihre Blumen bekommen. Und schließlich sind auch keine Pixar-Figuren dabei, denn sie alle sind es wert, in einer eigenen Liste aufgeführt zu werden.
Wünschen Sie sich, dass Ihr Liebling es in die Liste geschafft hat, denn hier sind die 32 größten Disney-Figuren aller Zeiten.
32. Tschernabog (Fantasia)
(Bildnachweis: Disney)
Im letzten Teil von Disneys 1940 erschienenem Zeichentrickfilm Fantasia, der zu Modest Mussorgskys schaurigem Stück „Night on Bald Mountain“ aus dem 19. Jahrhundert vertont wurde, erhebt sich der Dämonenfürst Chernabog, um über seine dunkle Legion zu herrschen, bis er durch die reinigende Kraft des Morgenlichts besiegt wird. Mit seiner imposanten Größe, seinen Wasserspeier-Figuren und seinen unheimlichen Bewegungen ist Chernabog der Inbegriff des Bösen und bleibt eine der furchteinflößendsten – und unwahrscheinlichsten – Gestalten, die es je in Disney gab. Im Jahr 2002 tauchte Chernabog als Endgegner im Videospiel Kingdom Hearts auf. Auf Seiten wie Reddit und YouTube berichten einige Spieler, dass der Sieg über ihn ihre lebenslangen Albträume beendet hat.
31. Baymax (Big Hero 6)
(Bildnachweis: Disney)
Streng genommen ist Baymax keine Disney-Figur. Wie viele der besten Disney-Filme basiert auch der Oscar-prämierte Film Big Hero 6 aus dem Jahr 2014 auf einer bereits existierenden Vorlage, in diesem Fall einem sehr obskuren Marvel-Comic-Titel. Dennoch bietet der Disney-Film eine radikal neu gestaltete Version der Geschichte, einschließlich eines anderen Baymax. Früher ein Gundam-ähnlicher Arschtreter, ist Disneys Baymax jetzt ein aufblasbarer Gesundheitshelfer, der denjenigen, die es brauchen, Umarmungen und Lutscher gibt. (Er wird auch von Scott Adsit, einem ehemaligen Schauspieler aus 30 Rock, gesprochen, der mit viel Herz und Humor überzeugt). Als Hiro Hamada seinen großen Bruder verliert, ist Baymax da, um ihm zu helfen, der Held zu werden, der er sein soll. Mit Baymax sind wir alle mit unserer Fürsorge zufrieden.
30. Max Goof (Ein Goofy-Film)
(Bildnachweis: Disney)
Während Max‘ Ursprünge als Goofys Sohn bis ins Jahr 1951 zurückreichen, machte seine Entwicklung zu „Max Goof“ in dem tausendjährigen Klassiker A Goofy Movie aus dem Jahr 1995 einen großen Sprung nach vorn. In seiner modernisierten Form ist Max ein ängstlicher 14-Jähriger, der sich mit all den Problemen herumplagt, die Teenager haben, darunter Schwärmereien, Tyrannen und spießige Autoritätspersonen, die ihnen im Weg stehen. Dass Max‘ Vater ihn auf einen kitschigen Sommerausflug mitnimmt, scheint für ihn alles, was in der Welt nicht stimmt, nur noch zu verstärken. Während seine Baggy-Jeans und sein Skateboard nach den 90er Jahren schreien, verkörpert Max eindrucksvoll die universellen Ängste, die wir alle haben, wenn wir erwachsen werden wollen und uns weigern, zu lahmen Echos unserer Eltern zu werden.
29: Nick Wilde (Zootopia)
(Bildnachweis: Disney)
Mit seinem selbstgefälligen Grinsen, den Händen in den Hosentaschen und einem ungebügelten Hemd mit der entspannten Ausstrahlung eines Office Space Statisten ist Nick Wilde (gesprochen von Jason Bateman) ein höchst ungewöhnlicher Disney Co-Protagonist. Nick ist ein schäbiger Betrüger mit einer silbernen Zunge, der sich mit einer jungen Polizistin zusammentut, die ihren ersten großen Fall in der weitläufigen Stadt Zootopia bearbeitet. In vielerlei Hinsicht fühlt sich Nick wie die spirituelle Reinkarnation von Disneys schlauem Robin Hood an. Allerdings können Sie Nick nicht vertrauen, dass er jemanden ausraubt und die Beute jemand anderem als sich selbst gibt.
28. Ursula (Die kleine Meerjungfrau)
(Bildnachweis: Disney)
Mit Die kleine Meerjungfrau aus dem Jahr 1989 begann für Disney eine neue Ära der Kreativität und des Erfolgs an den Kinokassen. Zu den vielen bunten Charakteren unter dem Meer gehört auch die schurkische Meerhexe Ursula. Gesprochen von der Tony Award-Nominierten Pat Carroll und mit einem visuellen Design, das von der Drag-Künstlerin Divine inspiriert wurde, ist Ursula eine Halbmollusken-Nixe und übergroße Königin, deren Dualität darin besteht, dass sie bereit ist, jedem zu helfen, solange sie weiß, dass sie von ihm profitieren kann. Als die schöne Prinzessin Ariel zu ihr kommt, erfüllt Ursula ihr den Wunsch nach menschlichen Beinen, beraubt sie aber ihrer Stimme und sorgt so dafür, dass Ariels Geschichte von den Gefahren handelt, das zu bekommen, was man sich gewünscht hat. Ihr Lied „Poor Unfortunate Souls“ ist nicht nur ein beliebter Karaoke-Song, sondern auch ein Vorläufer praktisch aller Disney-Bösewicht-Songs der Disney-Renaissance.
27. gaston (Die Schöne und das Biest)
(Bildnachweis: Disney)
Geben Sie ihm kein Buch ohne Bilder. Gaston, der bullige Jäger, der sich in Die Schöne und das Biest nach der bücherscheuen Belle verzehrt, hat sich auf unerklärliche Weise zu einem Internet-Liebling mit echten Fans im Internet entwickelt. Ehrlich gesagt, ist es nicht schwer zu verstehen, warum. Seine Arroganz in Bezug auf seine Männlichkeit mag giftig sein, aber sie ist auch wirklich urkomisch und grenzt gefährlich an liebenswert. (Sein „Bösewicht“-Song ist auch sehr eingängig, klugerweise mit anderen Leuten, die darüber singen, wie großartig er ist, anstatt mit Gaston selbst). Gaston wurde für den Film von der Drehbuchautorin Linda Woolverton erdacht, die der L.A. Times 1992 sagte, dass seine Erschaffung und Charakterisierung von einigen ihrer eigenen realen Ex-Freunde inspiriert wurde. „Es war ein Spaß, diese Figur zu schreiben“, sagte Woolverton. „Er musste glaubwürdig sein, ein würdiger Gegner, selbstverliebt und doch charmant – jemand, mit dem man ein- oder zweimal ausgehen würde.“
26. Mulan (Mulan)
(Bildnachweis: Disney)
Bei der Suche nach starken, selbstbewussten weiblichen Heldinnen geht es um mehr als nur die Bejahung der Frage: „Kann sie die bösen Jungs so richtig verprügeln?“ Aber Mulan, mit der Sprechstimme von Ming-Na Wen und der Gesangsstimme der unauslöschlichen Lea Salonga, ist so viel mehr als nur eine Disney-Prinzessin, die ein Schwert schwingen kann. Mulan basiert auf einem chinesischen Volksmärchen und ist bekanntlich eine junge Frau, die sich als Mann verkleidet, um der Armee beizutreten. Mit ihrer Geschichte, in der es um Identität, familiäre Pflichten und geschlechtsspezifische Erwartungen geht, spiegelt Mulan jeden wider, der seine Familie stolz machen möchte, aber durch alberne Beschränkungen daran gehindert wird. Vor Mulan waren Disneys Prinzessinnen nur selten, wenn überhaupt, in die Action involviert. Erinnern Sie sich, es war Prinz Philip, der auf seinem Pferd in den Kampf gegen Maleficents Drachen ritt und Prinz Eric, der sein Boot in Ursulas Bauch rammte. Aber nachdem Mulan die Schwerter mit den Hunnen gekreuzt hatte, hatten Disneys Prinzessinnen endlich Platz, um über das Singen in hohen Türmen hinauszuwachsen.
25. Mufasa (Der König der Löwen)
(Bildnachweis: Disney)
Mufasa, mit der donnernden Stimme von Darth Vader (eigentlich der dekorierte Schauspieler James Earl Jones), war ein geachteter König und ein liebevoller Vater, der oft beide Rollen auf einmal spielte. Er besaß zwar eine tiefe Wärme und einen bemerkenswerten Sinn für Humor, aber nichts an seiner guten Seite verriet die eiskalte Grausamkeit, die er besaß und die er scheinbar nach Belieben einsetzen konnte. (Als Zazu zu Simba einfach nur „Viel Glück“ sagt, nachdem er ihm nicht gehorcht hat, indem er zum Elefantenfriedhof gegangen ist, Mann, das haben wir gespürt.) Der König der Löwen ist ein gelungener Film über das Erwachsenwerden, in dem Mufasa für uns alle eine effektive Ersatzvaterfigur ist.
24. Jack Skellington (Der Nachtmahr vor Weihnachten)
(Bildnachweis: Disney)
Was ist das? Was ist das? Nun, das ist eine visuell makabre Figur, die eine liebenswerte und fröhliche Erfahrung macht! Jack Skellington, der Hauptdarsteller des makellosen Animationsfilms The Nightmare Before Christmas, ist ein schick gekleidetes, unheimlich schlankes Skelett aus Halloween Town, das in die benachbarte Christmas Town stolpert und versucht, die Magie seiner Entdeckung mit anderen zu teilen, was jedoch zu einem katastrophalen Ergebnis führt. Jack Skeleton, der von Chris Sarandon und Danny Elfman gesprochen wird, bewegt sich wie eine Spinne, lächelt aber beim Anblick von Schnee wie eine Elfe und teilt so den Unterschied zwischen gruselig und prächtig. Jemand wie Jack Skellington sollte Sie erschrecken. Aber wenn er nur ein bisschen Weihnachtsstimmung verbreiten will, können Sie sich dann wirklich fürchten?
23. Ariel (Die kleine Meerjungfrau)
(Bildnachweis: Disney)
Die kleine Meerjungfrau hat Disney in fast jeder Hinsicht neuen Schwung verliehen, auch in kreativer und finanzieller Hinsicht. Der Kinohit strotzt nur so vor denkwürdigen Figuren, die sich alle um Ariel drehen, die rothaarige Schönheit, die nur davon träumt, Teil einer anderen Welt zu sein. Ariel, die von der Schauspielerin und Sängerin Jodi Benson gesprochen wird, wurde visuell nach Christie Brinkley und Alyssa Milano modelliert, wobei Sherri Stoner den Animatoren als physische Referenz diente (einschließlich Stoners eigener Angewohnheit, sich auf die Unterlippe zu beißen). Als Figur steht Ariel für jeden, der von FOMO geplagt wird. Sie ist eine Meerjungfrau und sehnt sich doch nur danach, an der Oberfläche herumzulaufen. Sie ist der Beweis dafür, dass man alles haben kann und trotzdem noch mehr will.
22. Bambi (Bambi)
(Bildnachweis: Disney)
Die Menschen scherzen oft über ihr gemeinsames Trauma, Bambis Mutter sterben zu sehen. Aber die Wahrheit ist, dass Bambi (der Film) einer der ersten Filme war und immer noch ist, der Kindern die grausame Unbekannte des Todes in eindeutigen Worten vermittelt. Bambi selbst ist eine bemerkenswerte Figur, um eine solche Geschichte zu erzählen. Sanft im Herzen, aber stark im Geist, kann Bambis bemerkenswertes Heranwachsen zum Erwachsenwerden nach einer sinnlosen Ungerechtigkeit jeden, Kinder und Erwachsene gleichermaßen, darüber aufklären, wie man weiterlebt, auch wenn alles vorbei zu sein scheint. Bambi wird vielleicht immer ein Muttersöhnchen bleiben, aber sein Durchhaltevermögen, eine Gemeinschaft aufzubauen und sogar Liebe zu finden, bedeutet, dass er genauso durch das, was er gewinnt, wie durch das, was er verliert, definiert wird.
21. maleficent (Dornröschen)
(Bildnachweis: Disney)
Während ihr Status als endgültige Hexenkönigin von Disney von der Königin (aus Disneys Gründungshit Schneewittchen und die sieben Zwerge) angefochten wird, übertrifft Maleficent die böse Stiefmutter von Schneewittchen durch eine Kombination aus Stil, Geschichte und einem umfassenderen Verständnis der mystischen Künste knapp. Während die Königin einfach nur eifersüchtig ist, dass Schneewittchens Schönheit ihre eigene in den Schatten stellt – und damit eine Geschichte über Alter und Eitelkeit erzählt – ist Maleficent einfach nur schön kleinlich. Maleficent beginnt Dornröschen, indem sie die neugeborene Aurora mit einem Fluch belegt, nur weil ihre Eltern sie nicht zu ihrer Party eingeladen haben. Wer von uns wollte nicht schon einmal ein paar „Freunde“ verfluchen, nachdem man festgestellt hat, dass sie alle ohne einen abhängen? Aus diesem Grund sollten wir Maleficent als die wahrhaftigste anerkennen.
20. Mary Poppins (Mary Poppins)
(Bildnachweis: Disney)
Mit der Veröffentlichung von Mary Poppins im Jahr 1964 stürzte Julie Andrews vom Himmel und eroberte unsere Herzen als Babysitterin – Entschuldigung, Kindermädchen -, die wir alle gerne gehabt hätten. Allerdings geht es bei ihrer Rolle nicht um ihre Magie, über die sie ziemlich lässig spricht, sondern darum, wie ein wenig Struktur, eine positive Stimmung und ein Löffel Zucker jeden dazu inspirieren können, das Beste aus sich herauszuholen. Dennoch müssen wir uns fragen: Woher kommt sie? Was ist die Quelle ihrer Kräfte? Gibt es noch mehr von ihr? Und wo fliegt sie hin? Selbst eine Fortsetzung von 2018 mit Emily Blunt in der Rolle weigert sich, mehr über sie zu verraten. Aber wer braucht schon Überlieferungen, wenn es Drachen gibt, die man steigen lassen kann?
19: Jiminy Cricket (Pinocchio)
(Bildnachweis: Disney)
Er ist eine Figur, die so ikonisch ist, dass seine Musik die offizielle Fanfare für ganz Disney ist. Als prominente Figur in dem Klassiker Pinocchio von 1940 ist Jiminy Cricket nicht nur ein eleganter Gentleman, sondern auch das Gewissen des kleinen Pinocchio, der zu einem richtigen Jungen heranwächst. Obwohl er im italienischen Originalroman eine namenlose Nebenfigur ist, wurde Jiminy von den Filmemachern von Pinnochio mit mehr Leben erfüllt. Er wurde von Ward Kimball animiert, der eigentlich kurz davor war, bei Disney zu kündigen, nachdem seine Arbeit an Schneewittchen in der endgültigen Fassung nicht berücksichtigt worden war. Walt Disney selbst überredete Kimball, zu bleiben und die Entstehung von Jiminy zu überwachen. Mit seinen charakteristischen Liedern wie „When You Wish Upon a Star“ und „Give a Little Whistle“ (gesungen von seinem Originalsprecher Cliff Edwards) ist es schwer, sich eine Realität vorzustellen, in der Jiminy nicht da war, um uns allen beizubringen, wie man große Träume hat.
18. Bruno (Encanto)
(Bildnachweis: Disney)
Wir müssen über Bruno sprechen. Während der ersten Stunde von Encanto, Disneys farbenfrohem Musical-Hit aus dem Jahr 2021, wird Mirabel Madrigal verboten, mehr über ihren geächteten Onkel Bruno (John Leguizamo) zu erfahren. In dem viralen Chart-Hit „We Don’t Talk About Bruno“ erfährt Mirabel, dass Brunos unheimliche Fähigkeit der Voraussicht, die oft zu einem unglücklichen Ausgang führte, als Fluch auf den Bewohnern der Stadt lastete. Als Metapher für Geisteskrankheiten und die unterdrückte Scham, die Familien empfinden, wenn einer der Ihren nicht den gesellschaftlichen Normen entspricht, ist Bruno mit Sicherheit eine der thematisch fesselndsten Disney-Figuren der letzten Jahre. Seine erschreckenden Bilder und seine herzzerreißende Realität machen ihn zu einem „Bösewicht“, der in Wirklichkeit alles andere als das ist.
17. Flynn Rider (Tangled)
(Bildnachweis: Disney)
Bei der Produktion des 2010 erschienenen Kinohits Tangled wurde Flynn Rider von Drehbuchautor Dan Fogelman und den Regisseuren Nathan Greno und Byron Howard als Mittel entwickelt, um Rapunzel aus ihrem hohen Turm zu befreien. Statt eines einfachen Prinzen, der sie retten soll, haben sie sich einen Dieb und Schurken ausgedacht, ganz im Sinne von Errol Flynns Robin Hood und Harrison Fords Han Solo. (Spaßfakt: Die Filmemacher hielten eine Reihe von „Hot Man Meetings“ ab, bei denen weibliche Angestellte eingeladen wurden, über ihre männlichen Schwärme zu sprechen, um Flynn zu erschaffen). Flynn, der von Zachary Levi gesprochen wird, ist zu einem dauerhaften Fan-Liebling geworden und ein Paradebeispiel für den „Hobo“-Archetyp, der den Disney-Kanon bevölkert. Mit seinem intelligenten Sinn für Humor und seinem Selbstvertrauen war Flynn ein erfolgreicher Vorbote der anti-heroischen Töne vieler männlicher Charaktere im kommenden Jahrzehnt.
16. aschenputtel (Aschenputtel)
(Bildnachweis: Disney)
Es ist ein Irrglaube, dass Cinderella schön sein und ein elegantes Kleid tragen wollte, um Prinz Philip zu blenden. Ja, die Sache mit der arrangierten Ehe stand von Anfang an im Raum. Aber als ihre gute Fee ihr den Wunsch erfüllte, den Ball zu besuchen, wusste sie nicht, wer er war; sie wollte einfach nur feiern! Nicht nur aus diesem Grund steht Cinderella im gesamten Disney-Imperium ganz oben auf der Liste. Das von Ilene Woods gesprochene Aschenputtel mag angesichts seines prototypischen Status als eine der ersten großen Disney-Prinzessinnen wie ein gewöhnlicher Film wirken. (Schneewittchen mag die erste gewesen sein, aber Cinderella ritt auf dem kränklichsten Kürbis, den die Peitsche zaubern kann.) Aber es ist gerade ihre Zeitlosigkeit und ihre universell inspirierende Geschichte, die Cinderella zu einem echten Klassiker macht. Es gibt einen Grund dafür, dass selbst die härtesten Außenseiter-Athleten bei ihrem Aufstieg zum Star eine sogenannte „Aschenputtel-Geschichte“ erleben.
15. Aladdin (Aladdin)
(Bildnachweis: Disney)
In einem Film mit einem gerissenen Bösewicht und einem metaphysischen Flaschengeist, der von Robin Williams – dem Schutzpatron der Improvisationskomödie – gesprochen wird, ist es schwer, als Hauptfigur hervorzustechen. Deshalb hat Aladdin, der von Scott Weinger gesprochen wird, eigentlich mehr Anerkennung verdient. Als gewitzter Straßenjunge, der sich als Prinz ausgibt, um Prinzessin Jasmin zu bezaubern, vertritt Aladdin die Lektion, dass Sie eigentlich nur Sie selbst sein müssen. Das ist natürlich leichter gesagt als getan, und deshalb ist es hilfreich, dass er Genie zur Seite hat, der ihn unterstützt. Aber auch ohne Genie hat Aladdin bereits bewiesen, dass er einfallsreich und charismatisch ist und über einen ausgeprägten Überlebensinstinkt verfügt. Sicher, er wird von Jafar (als seltsamer alter Mann verkleidet) dazu gebracht, in eine mit Sprengfallen versehene Höhle zu gehen, aber wenigstens hat das am Ende geklappt.
14. Elsa (Frozen)
(Bildnachweis: Disney)
Die Kälte hat ihr sowieso nie etwas ausgemacht. Im Mittelpunkt des Disney-Erfolgs Frozen von 2013 steht Prinzessin Elsa, die kühle skandinavische Königin, deren Beherrschung von Eis und Schnee das Königreich Arendelle versehentlich in einen tiefen Winter stürzt. Elsa ist ein multidimensionaler Avatar für Selbstakzeptanz, für Außenseiter, die sich nicht an die gesellschaftlichen Normen anpassen können, und eine Subversion der müden „Wahre Liebe“-Trope, für deren Etablierung Disney selbst maßgeblich verantwortlich ist. Elsa ist ein solcher Titan einer Figur, dass ihre Stimme, die von Broadway-Magnatin Idina Menzel gesprochen wird, von einigen Videospielern als „OP“ bezeichnet werden würde. Auch wenn die Eltern noch immer unter den endlosen Wiederholungen von „Let It Go“ leiden, kann niemand die abschreckende Wirkung von Elsa leugnen.
13. Hades (Hercules)
(Bildnachweis: Disney)
Wenn Sie an den griechischen Gott der Unterwelt denken, ist James Woods‘ Hades aus dem Klassiker Hercules aus den späten 90er Jahren die erste und letzte Person, die Sie sich vorstellen. Obwohl seine Haare aus blauem Feuer, seine grässlich blasse Haut und seine Bärenfangzähne angemessen unheimlich sind, machen ihn sein sardonischer Humor und seine Abneigung gegen seine Position zu einer der authentischsten Figuren, die man sich vorstellen kann. Der Schauspieler Jack Nicholson wurde zunächst für die Rolle des Hades angefragt, lehnte aber ab, als die Gehaltsverhandlungen scheiterten. Nachdem James Coburn, Kevin Spacey und Martin Landau vorgesprochen hatten, luden die Filmemacher knapp 20 Monate vor der Veröffentlichung des Films James Woods zu einem Probespiel ein. Wie der Disney-Journalist Jim Hill in einem im April 2000 veröffentlichten Blog-Beitrag berichtet, fragte Woods die Filmemacher nach einer Regieanweisung, als ihm gesagt wurde, dass Hades „charmant, aber rücksichtslos“ sei und „zu allem fähig“, um voranzukommen. Woods witzelte: „Klingt wie einige Studiomanager, die ich kenne.“
12. Timon und Pumba (Der König der Löwen)
(Bildnachweis: Disney)
Tut es Ihnen weh? Jawohl! Nach etwas Speck? Jawohl! Der König der Löwen ist eine Nacherzählung von Shakespeares Hamlet in einer afrikanischen Savanne. Das schnell sprechende Erdmännchen Timon und das blähende Warzenschwein Pumba (im Klassiker von 1994 von Nathan Lane bzw. Ernie Sabella gesprochen) sind hier Rosencrantz und Guildenstern. Als Außenseiter und beste Freunde retten Timon und Pumba Simba vor Geiern und bringen ihm bei, sich zu entspannen und keine Sorgen zu machen. („Hakuna Matata, was für ein wunderbarer Satz!“) Obwohl ihre entspannte Ausstrahlung Simba davon abzuhalten droht, seinen rechtmäßigen Anspruch auf den Stolzfelsen geltend zu machen, halten sie Simba die Treue, als der Möchtegern-König seine epische Rückkehr antritt. Ihr rasanter Humor und ihr ansteckender Charme machen es leicht zu verstehen, warum sie die Hauptrolle in zig Spin-Offs des Originals gespielt haben, einschließlich einer eigenen Fernsehserie mit 85 Episoden.
11. frollo (Der Glöckner von Notre Dame)
(Bildnachweis: Disney)
Frollo aus Der Glöckner von Notre Dame, der von dem verstorbenen Tony Jay gesprochen wird, ist einer der furchterregendsten Disney-Bösewichte aller Zeiten. Aber das liegt nicht an seiner Beherrschung der Magie oder seiner tyrannischen Herrschaft als König. Sondern weil Frollo real ist. Als frommer Mann in einer Machtposition steht Frollo für jede heuchlerische theokratische Figur, die meint, dass ihre eigenen Sünden in Wirklichkeit der Wille Gottes sind. Dazu gehört auch sein Hass auf die Roma, sein Wunsch, sie aus Paris zu vertreiben, und seine Begierde nach einer der Roma, Esmeralda. Sein unvergesslicher Song „Hellfire“ enthält einige der eiskaltesten Zeilen, die je in Disney gesungen wurden. („Es ist nicht meine Schuld, wenn Gott den Teufel so viel stärker gemacht hat als einen Menschen“ und „Zerstöre Esmeralda und lass sie die Hölle schmecken, oder sie soll mir gehören, mir allein.“) Bösewichte wie Frollo gibt es wirklich in der realen Welt, und Kinder, die sich den Glöckner von Notre Dame ansehen, können daraus lernen, wie man sie erkennt.
10. baloo (Das Dschungelbuch)
(Bildnachweis: Disney)
Bevor ein Erdmännchen und ein Warzenschwein Simba beibrachten, wie man chillt, gab es den großen Faultierbären Baloo, gesprochen von Phil Harris, der Mowgli zeigte, wie man lebt, ohne mehr zu wollen als das, was Mutter Natur geben kann. Mit seinen geschmeidigen Tanzbewegungen und seiner ansteckenden Ausstrahlung ist Baloo die wahre Muse für alle, die sich amüsieren wollen. Sein Song „Bare Necessities“ ist ebenfalls eine jazzige, schlichte Alternative zum Bombast von „Hakuna Matata“. In einer Making-of-Dokumentation aus dem Jahr 2007, die zusammen mit der DVD zum 40-jährigen Jubiläum des Films veröffentlicht wurde, heißt es, dass Phil Harris fast alle seine Sätze improvisiert hat, was für eine Figur, die alles so nimmt, wie es kommt, nur angemessen ist.
9: Tigger (Winnie Puuh)
(Bildnachweis: Disney)
Jeder kann ein Stück von sich selbst im Hundertmorgenwald finden. Nervöse Neurotiker fühlen sich zu Ferkel hingezogen, Zyniker sehen sich in I-Aah und gestresste Typ-As können sich an Kaninchen festhalten. Aber dann ist da noch Tigger, ein übermäßig selbstbewusster Kuscheltiger, der herumhüpft, als hätte er gerade einen Cappuccino getrunken. Sein leuchtend orangefarbenes Fell und sein Dauerlächeln machen ihn zu einem echten Fanliebling, nicht nur in Winnie Puuhs Ecke, sondern im gesamten Disney-Multiversum. Selbst wenn seine guten Absichten sich nicht in tatsächlicher produktiver Hilfe niederschlagen, können Sie nicht anders, als ihn zu lieben. Ursprünglich wurde er von Paul Winchell gesprochen. 1989 übernahm der legendäre Synchronsprecher Jim Cummings die Rolle, der sowohl als Tigger als auch als Puuh-Bär und hundert andere bekannte Figuren auftrat.
8. Peter Pan und Tinkerbell (Peter Pan)
(Bildnachweis: Disney)
Peter Pan und Tinkerbell können zwar auch alleine als ikonische Figuren auftreten, aber als Paar sind sie nicht zu stoppen. Während Peter Pan die Höhen und Tiefen der ewigen Jugend verkörpert und in unvergesslicher Weise mit dem furchterregenden Captain Hook zusammenstößt, hat sich seine begleitende Fee Tinkerbell zu einem Firmenmaskottchen entwickelt. Es ist ein Irrglaube, dass die letztere des Duos auf der Kino-Ikone Marilyn Monroe basiert. Tatsächlich basiert sie auf einer Mischung aus der Tänzerin Margaret Kerry und der Disney-Mitarbeiterin Ginni Mack, wobei Kerry eine Körperreferenz lieferte und Mack ihre Mimik für das Gesicht von Tinkerbell zur Verfügung stellte. Getrennt können Peter Pan und Tinkerbell für sich allein stehen. Aber zusammen verkörpern sie die Magie, die ganz Disney innewohnt.
7. Donald Duck
(Bildnachweis: Disney)
Wenn Daffy Duck für die Frustration und die nicht belohnten Bemühungen des rivalisierenden Studios Warner Bros. steht, dann ist sein Gegenstück zweifellos Donald Duck. Donald ist eine anthropomorphe weiße Ente, die Mickey, Minnie und den Rest der Bande oft begleitet. Er zeichnet sich durch seine schlechte Laune, seine aufgeblasene Persönlichkeit und seine unverständliche Stimme aus, die zu einem enormen komödiantischen Effekt geführt werden kann. Ursprünglich von Clarence Nash gesprochen, wurde er von Tony Anselmo abgelöst (während Daniel Ross 2017 für eine einzige TV-Serie einsprang). Kein Geringerer als Don Cheadle lieh Donald seine Stimme, als dieser für einige Episoden des Reboots der DuckTales-Serie einen Stimmmodulator einnahm, um ihm eine „normalere“ Sprechstimme zu verleihen. Er ist wie ein Seemann gekleidet, aber man sieht ihn nur selten auf einem Boot. Donald hat nicht ohne Grund einen festen Platz an Mickeys Tisch.
6. scar (Der König der Löwen)
(Bildnachweis: Disney)
Waren Sie auf diesen Moment vorbereitet? Der König der Löwen ist ein gigantischer Film, und das liegt zu einem großen Teil an dem unheimlichen, verweichlichten Löwen Scar, der eifersüchtig ist, dass sein Anspruch auf den Thron durch die Geburt seines Neffen zunichte gemacht wird. Die Besetzung von Jeremy Irons war für die damalige Zeit revolutionär, denn es handelte sich um einen preisgekrönten Schauspieler, der in einem Kinderfilm auftrat, was um 1994 herum ungewöhnlich war. (Wie sich die Zeiten doch geändert haben.) Und nicht nur das: Irons versagte während der Aufnahme seines Songs „Be Prepared“ (insbesondere bei der Zeile „You won’t get a sniff without me“) die Stimme, so dass der „Winnie the Pooh“-Darsteller Jim Cummings als Ersatz angeheuert werden musste. Scar erinnert an andere Rollen von Irons, wie z.B. Claus von Bülow in dem Film Reversal of Fortune aus dem Jahr 1990. Scar ist ein Sinnbild für Irons‘ enorme künstlerische Fähigkeiten und für die gemeinsamen Bemühungen bei Disney, einen Bösewicht zu erschaffen, der gerissen genug ist, um seinen mächtigen Bruder Mufasa herauszufordern. Auf Scar war wahrlich niemand vorbereitet.
5. der Dschinni (Aladdin)
(Bildnachweis: Disney)
Theoretisch sollten Animationsfilme und Robin Williams nicht zusammenpassen. Animationsfilme sind ein Medium, bei dem jede Bewegung auf dem Bildschirm wohlüberlegt ist und auch der Dialog wohlüberlegt sein muss. Aber Robin Willliams ist eine wahre Improvisationsbombe. Seine Fähigkeit, neue Gags in einem solchen Tempo hervorzubringen, dass man vor Lachen ein Schleudertrauma bekommt. Es war also beeindruckend und ziemlich innovativ, dass die Filmemacher von Aladdin Williams nur minimale Regieanweisungen gaben und ihm freie Hand ließen, so dass er die besten Teile zusammenschustern konnte. Zwischen seinem vollen Terminkalender, in dem er die Filme Hook und Toys drehte, bleibt Williams‘ Leistung mehr als nur der Goldstandard, sondern der Gipfel dessen, was Animation und echte, menschliche Kunstfertigkeit erreichen können. Während vertragliche Streitigkeiten über die Promotion von Aladdin dazu führten, dass Williams und Disney eine Zeit lang zerstritten waren, ist Williams‘ Aufnahme als Dschinni, einschließlich der nicht verwendeten Outtakes, einfach Teil der Filmgeschichte.
4: Jack Sparrow (Fluch der Karibik: Der Fluch der schwarzen Perle)
(Bildnachweis: Disney)
Er ist vielleicht der schlimmste Pirat, den Sie je gehört haben, aber Sie haben von ihm gehört. Jack Sparrow wurde von den Drehbuchautoren Ted Elliot und Terry Rossio erdacht und von dem Schauspieler Johnny Depp verkörpert. Er repräsentiert die kantigere Seite der Marke Disney. Als fester Bestandteil der Fluch-der-Karibik-Reihe – selbst ein unwahrscheinlicher Erfolg, da er auf einem alten Fahrgeschäft in den Disney-Parks basiert – ist Depps erster Auftritt in dem Blockbuster Fluch der schwarzen Perle aus dem Jahr 2003 übergroß, ein Charakter, der so strukturiert und vielschichtig in den Film kommt, dass Sie sofort das Gefühl haben, ihn gut zu kennen. Während Depps Ansatz, Jack wie einen betrunkenen Rockstar zu spielen, sich im vierten oder fünften Film abgenutzt haben mag, sind seine ersten drei Filmauftritte unvergänglich.
3. goofy
(Bildnachweis: Disney)
Oberflächlich betrachtet ist Goofy die Art von Figur, mit der Sie sich nur abfinden würden. Sein schlaksiger, gummiartiger Gang, seine allgemeine Tollpatschigkeit und seine unsinnigen Sprüche sollten ihn eigentlich unerträglich machen. Und erfahrene Kingdom Hearts-Spieler werden Ihnen sagen, wie nutzlos sowohl er als auch Donald als NSCs sind. Aber von allen Freunden Mickeys hat Goofy Dimensionen, die nur wenigen anderen Disney-Figuren vergönnt sind. Obwohl er in den meisten Disney-Medien eine Slapstick-Figur ist, deuten Beispiele wie ein obskurer Kurzfilm aus dem Jahr 1950 über Verkehrsrowdys oder der Film A Goofy Movie von 1995 – in dem Max offen seine Verlegenheit darüber zum Ausdruck bringt, dass er sein Sohn ist – auf dichte Erdhorizonte unter Goofys sorglosem Äußeren hin. Manchmal ist seine äußerliche Fröhlichkeit keine fehlgeleitete Naivität, sondern eine Fassade, um den darunter lauernden Schmerz zu verbergen. Goofy mag dazu neigen, die am wenigsten hilfreichen Dinge zu sagen, aber man kann nicht behaupten, dass er nicht auch viel Tiefgang hat. Moment, war das zu tiefgründig? Gawrsh!
2. stitch (Lilo & Stitch)
(Bildnachweis: Disney)
Tief im Inneren fühlen wir uns alle als Außenseiter. Der Wunsch, dazuzugehören und sich ausgegrenzt zu fühlen, ist ein wiederkehrendes Thema in so vielen Geschichten, auch außerhalb von Disney. Der Spielfilm Lilo & Stitch aus dem Jahr 2002 hat diese Frustration verstanden und anmutig und wortgewandt aufgegriffen. (Das Thema wurde auch in der äußerst cleveren TV-Werbung des Films aufgegriffen, in der Stitch grob in vergangene Disney-Hits wie Aladdin, Der König der Löwen und Die Schöne und das Biest einbricht). Als Experiment „626“ von einem außerirdischen Wissenschaftler ins Leben gerufen, führt Stitchs Flucht zu einer Bruchlandung in Hawaii, wo er von der einsamen Lilo als „Hund“ adoptiert wird. Auf einer wunderschönen Reise lernen die beiden Außenseiter, das Leben mit allen Sinnen zu genießen und zu verstehen, was es bedeutet, Teil einer Familie zu sein. Familie bedeutet, dass niemand zurückgelassen wird, und Stitch ist so viel mehr Teil von Disneys Ohana, als sein unverschämtes, wildes Aussehen vermuten lässt.
1. Mickey und Minnie Maus
(Bildnachweis: Disney)
Es ist nicht zu leugnen: Mickey und Minnie Mouse sind die großartigsten Disney-Figuren aller Zeiten, ohne Ausnahme. Mit nur drei Kreisen (und vielleicht einer Schleife) rufen Sie ihre Silhouetten hervor, was für ihren festen Platz in der Popkultur und in unserem Bewusstsein spricht. Mickey ist de facto die Hauptfigur für ganz Disney und hat sogar eine bereits existierende Figur ersetzt, nämlich Oswald das glückliche Kaninchen (der zurückkehrte und sich für Mickeys Erfolg in einer Videospielserie rächen wollte). In der Zwischenzeit ist Minnie ein beeindruckendes weibliches Gegenstück, das neben Mickey in dem grundlegenden Kurzfilm Steamboat Willie debütiert. Zusammen verkörpern Mickey und Minnie die Verspieltheit und die Launenhaftigkeit, die jedes Disney-Projekt in der Vergangenheit und Gegenwart prägen. Sie waren alles Mögliche, vom Schiffskapitän über den Zauberer bis zum Nachtclubbesitzer. Aber sie müssen immer nur sie selbst sein. Das ist wahre Magie.