Nachdem der Rausch des neuen Jahrtausends abgeklungen war, wurden die Zuschauer in den 2000er Jahren von allem Möglichen überrascht. Es ist so viel passiert, dass man bestimmte Filme leicht vergessen kann. Aber welches sind eigentlich die größten unterschätzten, meist vergessenen Filme der 2000er Jahre?
Als die Jahr-2000-Hysterie abgeklungen war, gab es in den 2000er Jahren eine Reihe von existenziellen Herausforderungen, die das Kinopublikum beschäftigten. Vom Terrorismus über den Bankrott bis hin zum rasanten Aufstieg des Internets und der sozialen Medien – in den 2000er Jahren wurden die Hollywood-Hits immer größer, während das unabhängige Kino mit kleineren, intimeren Geschichten das Publikum anlockte. Das bereits erwähnte Internet spielte ebenfalls eine große Rolle dabei, Filme für immer zu verändern. 2007 begann Netflix mit dem Streaming von Filmen und leitete damit einen unvorstellbaren Wandel in der Kunst und im Geschäft mit Filmen ein, den nur wenige vorhersehen konnten.
In den 2000er Jahren ist so viel passiert, dass man bestimmte Filme nur allzu leicht vergisst, selbst wenn man sie schon gesehen hat. Hier sind die 32 besten Filme aus den 2000er Jahren, die Sie (wahrscheinlich) ganz vergessen haben.
32. der Midnight Meat Train (2008)
(Bildnachweis: Lionsgate)
Bevor Bradley Cooper bei den Oscars zum Stammgast wurde, führte er den wenig beachteten Horrorfilm The Midnight Meat Train des japanischen Regisseurs Ryuhei Kitamura an. Basierend auf einer Kurzgeschichte von Clive Barker spielt Cooper einen Fotografen, der eine Besessenheit von einem Serienmörder (gespielt von Vinnie Jones) entwickelt, der es auf Opfer in den U-Bahnen abgesehen hat. The Midnight Meat Train wurde zu einer Zeit veröffentlicht, als „Saw“-ähnliche „Torture Porn“-Filme der letzte Schrei waren. Der Film wurde nicht allzu sehr beachtet, obwohl er im Schatten von Coopers Superstar-Status immer noch ein Favorit ist. Die eigentliche Kraft des Films liegt in seiner Hauptbotschaft, dass die Dinge, die uns Angst machen, auch die Dinge sind, die uns faszinieren und uns näher bringen.
31. das Mädchen von nebenan (2004)
(Bildnachweis: 20th Century Studios)
Das Mädchen von nebenan ist eine anzügliche Liebeskomödie, die ihresgleichen sucht. Emilie Hirsch spielt einen ehrgeizigen High-School-Schüler, der erfährt, dass seine Nachbarin, eine schöne, lebhafte junge Frau (gespielt von Elisha Cuthbert), ein Star in einem Erwachsenenfilm ist. Der Film ist urkomisch und überraschend herzerwärmend, aber seine seltsame Prämisse hat die zeitgenössischen Kritiker nicht begeistert, die dem Film nur mittelmäßige Kritiken gaben. Seit seinem Erscheinen hat The Girl Next Door jedoch eine große Fangemeinde entwickelt, die unter der spärlich bekleideten Oberfläche etwas Süßes sieht. Es ist hilfreich, dass in dem Film auch Timothy Olyphant und Paul Dano mitspielen, die im Laufe der Zeit nur noch berühmter geworden sind.
30. killzone (2005)
(Bildnachweis: ABBA Movies Co. Ltd.)
Donnie Yens Superstardom durch die Ip Man-Serie hat rückwirkend die Aufmerksamkeit auf seine früheren Arbeiten gelenkt, insbesondere auf seine Actionfilme aus den 2000er Jahren. Über allem thront SPL: Sha Po Lang (in den USA unter dem knalligeren Titel Kill Zone veröffentlicht), ein All-Star-Kracher unter der Regie von Wilson Yip. Yen spielt einen Hongkonger Polizisten, der in ein Revier versetzt wird, das kurz davor ist, einen großen Triadenboss zu fassen. Kill Zone, in dem auch Sammo Hung, Simon Yam und Wu Jing mitspielen, ist ein starbesetztes Gangsterepos mit einer umwerfenden Choreographie, die den Spagat zwischen gnadenlosem Realismus und übertriebenem Chaos schafft. Obwohl er in Asien ein Hit war, hat Kill Zone im Rest der Welt noch keine große Beachtung gefunden.
29. die Wilden (2007)
(Bildnachweis: Fox Searchlight Pictures)
In dieser köstlichen schwarzen Komödie von Tamara Jenkins spielen Philip Seymour Hoffman und Laura Linney die Hauptrollen als zänkische Geschwister, die durch das Fehlen eines Vaters keine Anleitung erhalten haben, wie man eine Familie ist. Doch als ihr abwesender Vater (Philip Bosco) Anzeichen von Demenz zeigt, lernen die Geschwister endlich, sich gegenseitig zu lieben, bevor es zu spät ist. Trotz seiner harten und schweren Prämisse schafft es The Savages immer wieder, ein paar Lacher hervorzurufen. Warum sollte es auch nicht? Seien wir ehrlich, es gibt nur wenige Dinge auf der Welt, die so lustig sind wie die Familie. Obwohl er einige Oscar-Nominierungen erhalten hat, wurde The Savages weitgehend übersehen.
28. bierfest (2006)
(Bildnachweis: Warner Bros. Pictures)
Die 2000er Jahre waren ein goldenes Zeitalter für Komödien mit Altersfreigabe, und eine der Dynastien dieser Ära war die Komödientruppe Broken Lizard. Während ihre Komödie Super Troopers aus dem Jahr 2002 immer wieder zitiert werden kann, verdient ihre Sportsatire Beerfest aus dem Jahr 2006 genauso viel, wenn nicht sogar mehr Liebe. Beerfest spielt in einer unterirdischen Welt des wettkampforientierten Biertrinkens und folgt einer Gruppe von chaotischen Amerikanern, die ein Jahr lang trainieren, um gegen ein deutsches Eliteteam zu spielen, das die Ehre ihrer Familie beschmutzt hat. Beerfest ist wohl der dichteste und vielleicht auch der schmutzigste Film von Broken Lizard und bietet eine Reihe von unwahrscheinlichen Nebendarstellern und Cameos – darunter Cloris Leachman, Donald Sutherland, Will Forte und Willie Nelson – die einen lächerlich dummen Film zu einer großartigen Party machen. Hoch die Tassen.
27. der Schatzplanet (2002)
(Bildnachweis: Disney)
Seit der Renaissance von Disney scheint das berühmte Studio manchmal unbesiegbar zu sein. Aber nicht alles, was es gemacht hat, war ein Hit. Im Jahr 2002 brachte das Studio Treasure Planet heraus, ein Science-Fiction-Abenteuer und eine einzigartige Mischung aus 2D- und 3D-Animation. Der Film war zwar nicht der erste, der Robert Louis Stevensons Roman Die Schatzinsel aus dem Jahr 1883 mit Science-Fiction-Elementen neu interpretierte – es war auch nicht das erste Mal, dass Disney das Ausgangsmaterial verwendete -, aber der Film sollte dennoch ein neues, einzigartiges Disney-Franchise nach dem Vorbild seiner anderen animierten Megahits ins Leben rufen. Obwohl der Film an den Kinokassen floppte, hat er im Laufe der Zeit durch seine spektakuläre Vorstellungskraft und seinen zeitlosen Sinn für Abenteuer das Publikum für sich gewonnen.
26. Sunshine (2007)
(Bildnachweis: Fox Searchlight Pictures)
Sunshine ist ein Film, in dem es von großen Talenten nur so wimmelt und der dennoch in der Öffentlichkeit weitgehend in Vergessenheit geraten ist. Sunshine wurde 2007 unter der Regie von Danny Boyle veröffentlicht und ist ein apokalyptischer Science-Fiction-Thriller, der im Jahr 2057 spielt und in dem eine Gruppe von Astronauten unterwegs ist, um die sterbende Sonne des Sonnensystems wieder zu entzünden. In der Hauptrolle des Cillian Murphy von Oppneheimer spielen Chris Evans, Rose Byrne, Michelle Yeoh, Cliff Curtis, Hiroyuki Sanada, Benedict Wong und Mark Strong mit. Boyle hatte die Absicht, eine internationale Besetzung zusammenzustellen und ließ seine Schauspieler sogar zusammen leben und die Besonderheiten der einzelnen Berufe ihrer Charaktere erlernen, um sich in diese hineinzuversetzen. Obwohl Sunshine an den Kinokassen ein Desaster war, zieht der Film regelmäßig die Aufmerksamkeit von Leuten auf sich, die von seiner dringenden Prämisse und der lächerlichen Ansammlung von bekannten Talenten aufgeschreckt werden.
25. der Tintenfisch und der Wal (2005)
(Bildnachweis: Samuel Goldwyn Films)
The Squid and the Whale (Der Tintenfisch und der Wal) ist stark von der eigenen Jugend inspiriert, in der Autor/Regisseur Noah Baumbach die Scheidung seiner Eltern miterlebte. Die Hauptrollen spielen Jeff Daniels und Laura Linney als die zankenden Eltern von Walt Berkman (Jesse Eisenberg), die alle im Brooklyn der 1980er Jahre leben. The Squid and the Whale wurde in Super 16 gedreht und nicht mit dem moderneren Digitalvideo – einem Markenzeichen der Indie-Filme der achtziger Jahre – und sieht aus und fühlt sich an wie ein Film, den seine Charaktere im Kino gesehen hätten, um ihre hoffnungslos verfallenden Beziehungen zu retten. Obwohl viele, die an The Squid and the Whale mitgewirkt haben, darunter auch Baumbach, von der Kritik gelobt wurden und in Hollywood erfolgreich sind, fühlt sich The Squid and the Whale trotz seiner lohnenswerten Qualitäten untertrieben an.
24. Harold & Kumar gehen zu White Castle (2004)
(Bildnachweis: New Line Cinema)
Es ist leicht, Harold & Kumar Go to White Castle als eine weitere dumme Komödie mit Altersfreigabe und grob anstößigem Humor abzutun. Denn das ist er auch. Aber für das Jahr 2004 war der Film revolutionär: In den Hauptrollen spielten nicht zwei großmäulige, unausstehliche Weiße, sondern großmäulige, unausstehliche Asiaten. John Cho und Kal Penn spielen die Hauptrollen als beste Freunde und Mitbewohner, deren Verlangen nach Fast Food schief geht. Der Film versucht gar nicht erst, sich wichtig zu machen – es gibt buchstäblich eine Szene, in der Harold und Kumar auf einem Geparden reiten -, aber er hat auch eine unerwartete Schärfe, wenn er sich mit der Angst der Millennials und den belastenden Erwartungen von Eltern mit Migrationshintergrund beschäftigt. Auch wenn der schockierende Humor den Film nicht in Würde altern ließ, ist Harold & Kumar Go to White Castle immer noch ein Volltreffer.
23. eine Stunde Foto (2002)
(Bildnachweis: Fox Searchlight Pictures)
Ein ungemütlich düsterer Thriller, in dem Robin Williams in der Rolle des gestörten Antagonisten gegen den Strich spielt. One Hour Photo von Mark Romanek ist ein spannungsgeladener Thriller, der auch nach so vielen Jahren noch aktuell ist. Er erzählt die Geschichte von Sy Parrish, einem einsamen Fototechniker, der eine geheime Obsession für eine Familie hegt, deren Bilder er jahrelang entwickelt hat. One Hour Photo war ein Hit und die Kritiker hoben besonders die fesselnde Leistung von Williams hervor. Aber wenn es um das gesamte filmische Vermächtnis von Williams geht, ist es nicht der Film, an den sich jeder spontan erinnert. Nach dem Tod von Robin Williams im Jahr 2014 zogen seine herzerwärmenden Komödien die meiste Aufmerksamkeit auf sich – nicht der Film, in dem er den geistesgestörten Stalker einer unschuldigen Familie spielt. Aber die Zeit war sehr freundlich zu One Hour Photo, denn die sozialen Medien haben uns alle ein wenig besessen vom Leben anderer gemacht, und zwar auf eine Art und Weise, die wir zugeben sollten, die ungesund ist.
22. „Kompliziert“ (2009)
(Bildnachweis: Universal Pictures)
Romantische Komödien hatten in den 2000er Jahren Hochkonjunktur, und das ist zum großen Teil der Filmemacherin Nancy Meyers zu verdanken. Im Jahr 2009 setzte sich Meyers‘ witzige Liebeskomödie It’s Complicated mit einer dampfenden Geschichte über Erwachsene in den Fünfzigern lustig über die Konventionen des Genres hinweg. Meryl Streep spielt die Hauptrolle als Jane, die eine heimliche Affäre mit ihrem Ex-Mann (Alec Baldwin) wieder aufleben lässt, während sie sich in einen Architekten (gespielt von Steve Martin) verliebt. It’s Complicated war ein kommerzieller Erfolg und erhielt mehrere bemerkenswerte Golden-Globe-Nominierungen, fiel aber im Laufe der Zeit durch die Ritzen unseres kulturellen Bewusstseins, während die Liebesfilme selbst langsam aus den Kinos verschwanden. Nach all dieser Zeit ist It’s Complicated alles andere als schwer zu fassen, denn er ist ein gemütlicher und chaotischer Snack von einem Film mit obszön großartigen, energiegeladenen Leistungen.
21. der Mann, der nicht da war (2001)
(Bildnachweis: Focus Features)
Es ist schwer zu sagen, dass ein Film der Coen-Brüder „vergessen“ ist. Aber wenn zu ihrem Gesamtwerk Filme wie Fargo, The Big Lebowski, No Country for Old Men und Inside Llewyn Davis gehören, dann werden vielleicht einige andere Filme übersehen. Hier ist The Man Who Wasn’t There, ein großartiger Thriller aus dem Jahr 2001, der eine Hommage an den schwarz-weißen Film Noir der 1940er Jahre ist. Billy Bob Thorton spielt einen kalifornischen Friseur, der versucht, den Liebhaber seiner Frau – der auch sein Chef ist – zu erpressen, um an Investitionsgelder zu kommen. Der Film wurde von den Kritikern gelobt, konnte aber nicht die Aufmerksamkeit eines Publikums auf sich ziehen, dessen Augen auf die beiden anderen großen Hits des Jahres 2001 gerichtet waren: Harry Potter und der Stein der Weisen und Der Herr der Ringe: Die Gefährten der Ringe. Beide liefen innerhalb eines Monats an und stellten The Man Who Wasn’t There bei seinem Kinostart im November 2001 in den Schatten.
20. 25th Hour (2002)
(Bildnachweis: Buena Vista Distribution Pictures)
Nach dem 11. September 2001 wagte sich der New Yorker Spike Lee mit 25th Hour an die Darstellung der existenziellen Krise einer ganzen Stadt. Basierend auf einem Roman von David Benioff (ja, derselbe David Benioff, der Game of Thrones für HBO mitentwickelt hat), spielt Edward Norton in 25th Hour einen Mann, der in New York City, seinem Zuhause, seine letzten 24 Stunden in Freiheit verbringt, bevor er ins Gefängnis muss. Obwohl Benioffs Buch vor dem 11. September geschrieben und veröffentlicht wurde, hat Spike Lee die Anschläge in seinen Film integriert, um die Stadt und die Idee, an einem sprichwörtlichen Scheideweg zu stehen, zu hinterfragen. Wie Roberto Rossellinis Offene Stadt, der Rom nach der Besetzung durch die Nazis einfängt, dokumentiert Spike Lees 25th Hour eine Stadt, die sich noch im Aufschwung befindet. Wir sollten so froh sein, dass er das getan hat.
19. 12 Runden (2009)
(Bildnachweis: 20th Century Studios)
Bevor John Cena mit seiner Schauspielkarriere so richtig durchstartete, nutzte er seinen Status als Superstar des Profi-Wrestlings, um in einigen mittelmäßigen Actionfilmen mitzuspielen, die von der WWE-eigenen Filmproduktionsfirma WWE Studios finanziert wurden. Während sein erster Film The Marine ein reines Eitelkeitsprojekt war, um seinen Bekanntheitsgrad künstlich anzukurbeln, ist sein zweiter Film 12 Rounds weitaus fesselnder. Unter der Regie von Action-Autor Renny Harlin spielt Cena einen FBI-Agenten, der von einem charismatischen Waffenhändler, gespielt von Aidan Gillen aus Game of Thrones, gezwungen wird, ein gefährliches Spiel zu spielen. Oberflächlich betrachtet handelt es sich um eine Imitation von Stirb Langsam, aber John Cena zeigt schon früh, dass er auch außerhalb des Rings ein vielversprechender Schauspieler und Star ist. Sie bekommen den John Cena in Blockers und Peacemaker nicht zu Gesicht, wenn Sie nicht sehen, wie er sich in 12 Rounds die Zähne ausbeißt.
18. gerettet! (2004)
(Bildnachweis: MGM)
Die schlüpfrige Teenager-Komödie trifft auf religiöse Satire in Brian Dannellys boshaft-komischem Saved!. Jena Malone spielt die Hauptrolle als christliche Teenagerin Mary Cummings, die versucht, ihren schwulen Freund durch vorehelichen Sex zu „heilen“, und dabei schwanger wird. Mit Mandy Moore, Macaulay Culkin und Mary-Louise Parker in den Hauptrollen ist Saved! ein heiliger Aufruhr, der die Heuchelei der organisierten Religion im Rahmen von Teenagerfilmen à la John Hughes und American Pie aufs Korn nimmt. Der beste Teil des Films ist wohl Mandy Moore. Zur Zeit der Veröffentlichung des Films war sie vor allem als Popstar bekannt, doch ihre Darstellung einer selbstgerechten und überheblichen Tyrannin ist eine Offenbarung.
17: Dr. Horrible’s Sing-Along Blog (2008)
(Bildnachweis: Mutant Enemy Productions)
Während des Streiks der Writers Guild of America 2007-2008 hat Joss Whedon, der Schöpfer von Buffy the Vampire Slayer, ein Musical mit kleinem Budget kreiert, das nicht nur einen Weg fand, in einer schwierigen Zeit in Hollywood Geld zu verdienen, sondern auch etwas Neues und Relevantes für die Ära der Blogosphäre zu schaffen. Zusammen mit Zack Whedon, Maurissa Tancharoen und Jed Whedon entwickelten sie Dr. Horrible’s Sing-Along Blog, ein professionell produziertes, unabhängiges Filmmusical, das im Internet kostenlos gestreamt werden konnte. Das war im Jahr 2008 eine unfassbar große Sache. Dass Dr. Horrible’s Sing-Along Blog auch noch auf die richtige Art und Weise urkomisch und niederschmetternd war, ist das Sahnehäubchen auf dem Kuchen. Auf dem Höhepunkt seines Ruhmes in How I Met Your Mother spielt Neil Patrick Harris einen aufstrebenden Superschurken, der in die Liga des Bösen aufgenommen wird und ein abscheuliches Verbrechen begehen muss. Dr. Horrible’s Sing-Along Blog, in dem auch Felicia Day und Nathan Fillion mitspielen, ist eine lustige und schmerzhaft schöne Warnung, dass die Dinge, die Sie am meisten wollen, Sie das kosten können, was Sie nicht verlieren wollen.
16. fröhlich-glücklich (2008)
(Bildnachweis: Momentum Pictures)
Obwohl Sally Hawkins zum Star wurde, ist Happy-Go-Lucky – unter der Regie des erfolgreichen britischen Filmemachers Mike Leigh – seit seiner Veröffentlichung 2008 unter dem Radar geblieben. Vielleicht lag es am Timing. In seiner Geschichte über eine unbekümmerte Lehrerin (Hawkins), die mit der abgestumpften Welt um sie herum kollidiert, predigt Happy-Go-Lucky die Tugenden einer positiven Einstellung. In den späten 2000er Jahren war es ziemlich schwer, eine positive Einstellung beizubehalten, und seitdem ist es nur noch schwieriger geworden. Aber Hawkins strahlt genug Energie aus, um vielleicht zu glauben, dass Glücklichsein tatsächlich eine Entscheidung ist, die man treffen kann, anstatt das Ergebnis von etwas anderem zu sein.
15. entfesselt (2005)
(Bildnachweis: Universal Pictures)
In Unleashed von Louis Letterier, vielleicht einer der besten schauspielerischen Leistungen von Jet Li (keine Sorge, er ist immer noch gut), spielt der Kung-Fu-Star Danny, einen tollwütigen Mann, der von einem skrupellosen Gangster (gespielt von Bob Hoskins) zu seinem persönlichen Leibwächter „erzogen“ wird. Danny landet bald in der Obhut eines blinden Klavierstimmers (Morgan Freeman) und seiner Stieftochter (Kerry Condon), die Danny das Umfeld bieten, das ihm sein ganzes Leben lang verwehrt war. Unleashed wurde in direkter Konkurrenz zu Star Wars: Die Rache der Sith veröffentlicht, blieb aber weitgehend unbeachtet und ist inzwischen ein übersehenes Juwel. Aber in Unleashed steckt genauso viel Herz wie harte Schläge.
14. Lars und das echte Mädchen (2007)
(Bildnachweis: MGM)
Inspiriert von der offiziellen Website von RealDoll hat die Autorin/Regisseurin Nancy Oliver mit ihrer 2007 gedrehten Dramödie Lars and the Real Girl eine herzerwärmende und sympathische Version der griechischen Tragödie Pygmalion geschaffen. Ryan Gosling spielt den freundlichen, aber sozial unbeholfenen Lars, dessen Romanze mit einer lebensechten Sexpuppe namens Bianca alle um ihn herum beunruhigt. Obwohl Gosling eine Karriere als archetypischer Hollywood-Traummann gemacht hat – schließlich war er der Ken von Barbie -, zeigt Lars and the Real Girl seine chamäleonartigen Eigenschaften, indem er eine Darbietung abliefert, die Sie wirklich mit dem hilflosen (aber nicht hoffnungslosen) Selbstwertgefühl seiner Figur mitfühlen lässt.
13. ich, ich, ich & Irene (2000)
(Bildnachweis: 20th Century Studios)
Die Satire auf die dissoziative Identitätsstörung ist zwar schon auf dem Papier anstößig, aber Jim Carrey agiert in der schwarzen Komödie Me, Myself & Irene der Farrelly-Brüder auf einem so hohen Niveau, dass es leicht ist, mitzulachen. (Im Ernst, sehen Sie sich einfach seine „Verwandlung“ an. Sie werden staunen, was Carrey mit seinem Gesicht anstellen kann.) Carrey spielt in dem Film die Rolle von Charlie, einem sanftmütigen Polizisten aus Rhode Island, dessen jahrelang unterdrückte Wut ihn dazu bringt, ein selbstbewusstes und gewalttätiges Alter Ego zu entwickeln. Obwohl die meiste Komik des Films darauf beruht, wie unangenehm eine gespaltene Persönlichkeit sein kann, enthält Me, Myself & Irene auch jede Menge schockierenden Humor, der Sie auf Trab hält. Es ist nicht so, dass man eine vulgäre Komödie wie Me, Myself & Irene nicht mehr machen kann. Es ist nur so, dass es niemand mehr so gut hinbekommt.
12. Sunshine Cleaning (2008)
(Bildnachweis: Relativity Media)
In der köstlichen Indie-Komödie Sunshine Cleaning von Christine Jeffs spielen Amy Adams und Emily Blunt die Hauptrollen als Schwestern, die sich als Reinigungskräfte für abscheuliche Tatorte selbstständig machen. Obwohl der Film von den Kritikern positiv bewertet wurde und ein bescheidener Erfolg an den Kinokassen war, haben die übergroßen Stars von Adams und Blunt Sunshine Cleaning zu einer Art Nachspiel in ihren Karrieren gemacht. Adams hat ihre Oscars, und Blunt hat in allem mitgespielt, von Disney-Musicals bis hin zu Christopher Nolan-Epen. Nichtsdestotrotz ist Sunshine Cleaning ein strahlender Indie-Film aus der Mitte der achtziger Jahre mit einer unergründlichen Starpower.
11. Titan A.E. (2000)
(Bildnachweis: 20th Century Studios)
Der erfolgreiche Animationsfilmer Don Bluth brachte im Jahr 2000 seinen letzten Kinofilm heraus, ein Sci-Fi-Abenteuerepos mit dem Titel Titan A.E. Es spielt in einer fernen Zukunft, in der die Erde zerstört ist und die Menschheit eine nomadische Spezies ist, die über die Sterne verstreut ist. Cale (gesprochen von Matt Damon) entdeckt ein Geheimnis, das der Menschheit zu einer neuen Heimat verhilft. Titan A.E. floppte an den Kinokassen, was zum großen Teil auf ein hohes Produktionsbudget und Entlassungen bei Fox Animation Studios zurückzuführen war, die die Marketingbemühungen behinderten. In den Jahren seit seinem Erscheinen ist Titan A.E. jedoch zu einem Kultklassiker geworden, auch wenn es der Film ist, der Bluths Karriere als Mainstream-Filmregisseur mehr oder weniger beendete.
10. besseres Glück für morgen (2002)
(Bildnachweis: Paramount Pictures)
Eingefleischte Fans der Fast & Furious-Franchise wissen, dass Better Luck Tomorrow dazugehört. Unter der Regie von Justin Lin und finanziert durch ausgereizte Kreditkarten und einen Beitrag von MC Hammer in letzter Minute, folgt Better Luck Tomorrow einer Gruppe strebsamer asiatisch-amerikanischer Teenager, die ihre Tarnung als Musterschüler nutzen, um ein Leben als Kriminelle zu beginnen. Obwohl der Film hauptsächlich mit Parry Shen, Jason Tobin und John Cho besetzt ist, ist auch Sung Kang in seinem ersten Auftritt als Han zu sehen, bevor er die Rolle in der Fast Saga wieder aufnahm. Der Film Better Luck Tomorrow, der lose von dem Mord an dem kalifornischen Teenager Stuart Tay inspiriert ist, war ein Meilenstein für die Darstellung asiatischer Amerikaner und stellte die weit verbreiteten Mythen der „Musterminderheit“ in Frage.
9. seltsamer als erfunden (2006)
(Bildnachweis: Sony Pictures Releasing)
Was wäre, wenn Ihr Leben nicht Ihr eigenes wäre, sondern das Werk von jemand anderem? Das ist die Idee hinter Marc Forsters Stranger Than Fiction, in dem Will Ferrell einen Finanzbeamten spielt, der eine körperlose Stimme hört, die sein Leben wie einen literarischen Roman erzählt. Als er erfährt, dass er gemäß der Erzählung sterben soll, tut er alles, was er kann, um dies zu verhindern. Ferrell glänzt in diesem urkomischen metaphysischen Kampf mit dem Schicksal. Er nutzt seine anerkannten Talente als Komiker, um sich mühelos in dramatischere Gefilde zu bewegen. Obwohl Stranger Than Fiction in der Regel als einer von Ferrells ernsteren Filmen bezeichnet wird, kann man ihn leicht vergessen, wenn Ihre Freunde immer noch lautstark Talladega Nights und Step Brothers zitieren.
8: Igby geht unter (2002)
(Bildnachweis: MGM)
Lange bevor er ein preisgekrönter Schauspieler wurde, spielte Kieran Culkin die Hauptrolle in Burr Steers‘ dramatischer Komödie Igby Goes Down. Culkin spielt einen sardonischen Teenager (Culkin war damals 20 Jahre alt), der Überstunden macht, um sich von seiner übermächtigen Mutter und seiner wohlhabenden Familie zu befreien. Der Film, der am besten als Fänger im Roggen des 21. Jahrhunderts beschrieben werden kann, zeigt Culkins Talent für sardonische Charaktere und ist ein gut geschriebenes Porträt der modernen Adoleszenz. Es ist hilfreich, dass Culkin von einigen großen Stars umgeben ist, darunter Jeff Goldblum, Claire Danes, Amanda Peet, Bill Pullman, Jared Harris und Susan Sarandon, die alle das Material aufwerten.
7. vanilla sky (2001)
(Bildnachweis: Paramount Pictures)
In Cameron Crowes englischsprachigem Remake von Alejandro Amenabars Open Your Eyes beginnt ein wohlhabender Zeitschriftenverleger (gespielt von Tom Cruise), seine eigene Realität in Frage zu stellen, nachdem eine nachtragende Geliebte ihn absichtlich in einen körperlich verheerenden Unfall treibt. Vanilla Sky ist zu einem Teil existenzielle Science-Fiction, zu einem Teil romantisches Drama und zu einem Teil psychologischer Thriller. Seine traumartige Form und sein zweideutiges Ende machen ihn zu einem der ätherischeren Filme in Cruises Filmografie. Obwohl sich viele andere Filme mit ähnlichen Ideen auseinandersetzen – Filme wie The Matrix, The Truman Show, Stranger Than Fiction und Synecdoche, New York – sticht Vanilla Sky durch seine eigene Ausführung des glänzenden Surrealismus hervor.
6. zieh mich zur Hölle (2009)
(Bildnachweis: Universal Pictures)
Nachdem Sam Raimi seine Spider-Man-Trilogie beendet hatte, kehrte er mit Drag Me to Hell zu seinen Wurzeln zurück. In diesem dämonischen, übernatürlichen Horrorfilm wird eine ehrgeizige und rachsüchtige Bankangestellte (Allison Lohman) von einer Frau dazu verflucht, drei Tage lang Qualen zu erleiden, bevor sie für immer in die Hölle gezerrt wird. Drag Me to Hell ist ein Film, der manchmal erschreckend und manchmal witzig ist und in dem Sam Raimi einfach nur auf seine eigene Art und Weise arbeitet. In den nächsten Jahren sollten Hits wie Insidious, The Conjuring und The Babadook das Genre neu definieren, aber Drag Me to Hell ist ein unauffälliges Juwel, das wirklich verkörpert, wie Studio-Horrorfilme in den späten 2000er Jahren aussahen. Selbst heute noch ist sein Ende in seiner aggressiven Art erschreckend.
5. repo! Die Genetische Oper (2008)
(Bildnachweis: Lionsgate)
Wenn Sie in den späten 2000er Jahren ein Highschool-Theaterkind waren, haben Sie mit großer Wahrscheinlichkeit Repo! Die Genetische Oper. Inspiriert von den eigenen Erfahrungen des Autors Dan Smith mit Konkursen und Zwangsvollstreckungen, stellt sich dieses Goth-Rock-Musical eine düstere Zukunft vor, in der private Gesundheitsunternehmen mit dem Verkauf von Organen von Menschen auf Raten Geld verdienen. Mit Alexa Vega und Paul Sorvino in den Hauptrollen – sowie Paris Hilton in einer Nebenrolle – sieht Repo! The Genetic Opera sieht aus und fühlt sich an, als hätte jemand Grindcore, Takashi Miike-Filme und The Rocky Horror Picture Show in einem Mixer vermischt. Trotzdem lohnt es sich, den Film anzuschauen, auch wenn Sie nicht mehr ein 17-Jähriger sind, der nach den Proben Showtunes schmettert.
4 DOA: Tot oder lebendig (2006)
(Bildnachweis: Dimension Films)
Lange Zeit galt der Film Mortal Kombat von 1995 als der einzige gute Videospielfilm, bis halbwegs anständige Blockbuster wie Sonic the Hedgehog und The Super Mario Bros. Film aufkamen. Aber Kenner wissen, dass Regisseur Corey Yuen 2006 den unverschämt anzüglichen DOA: Dead or Alive, eine Verfilmung der berüchtigten Kampfspielserie, inszenierte. Mit Sarah Carter, Devon Aoki, Holly Valance und Jamie Pressley in den Hauptrollen macht sich das Spiel ganz offen über Enter the Dragon lustig – die Prämisse ist ein Kampfsportturnier auf einer exotischen Insel – bietet aber einige eigene Wendungen, die dafür sorgen, dass die Augen am Bildschirm kleben bleiben. DOA: Dead or Alive ist schamlos, wenn es darum geht, schöne Frauen ins Rampenlicht zu rücken, aber es ist auch stilvoll genug, um sich wie ein B-Grade-Actionfilm anzufühlen und nicht wie hirnloses Button-Mashing.
3. torque (2004)
(Bildnachweis: Warner Bros. Pictures)
Nachdem er Musikvideos für Pop-Titanen wie Britney Spears und die Backstreet Boys gedreht hatte, gab Joseph Kahn sein Spielfilmdebüt mit Torque, einem halsbrecherischen Actionfilm, der sich eher wie ein Renn-Videospiel anfühlt. Mit einer Besetzung, die Adam Scott, Martin Henderson, Jamie Pressly, Jay Hernandez und Christina Milian umfasst, folgt Torque einem Biker, der auf der Flucht ist, nachdem ihm ein Mord angehängt wurde. Auf den ersten Blick mag Torque wie eine Nachahmung von The Fast & the Furious aussehen – es gibt sogar eine Zeile, die Dominic Toretto die Nase ins Gesicht drückt – aber Kahns einzigartige Kunstfertigkeit sorgt dafür, dass Torque ein Vollgas-Erlebnis ganz eigener Art ist. Ein wahres Bombardement für die Sinne, mit dem eine gewisse „Familie“ nicht im Traum mithalten könnte.
2. A Scanner Darkly (2006)
(Bildnachweis: Warner Independent Pictures)
Rotoscoping ist keine neue Animationstechnik. Sie wurde 1915 von Max Fleischer entwickelt und im Laufe des 20. Jahrhunderts von Disney mit großem Erfolg eingesetzt. Aber 2006 fand Richard Linklater in A Scanner Darkly, seiner Adaption des Romans von Philip K. Dick, einen Weg, die Ästhetik des Rotoskopes als Fenster in die Zukunft zu nutzen. In einer nahen Zukunft der Vereinigten Staaten kämpft ein Undercover-Offizier darum, die Realität von drogenbedingten Halluzinationen zu trennen. Trotz der Mega-Besetzung mit Stars wie Keanu Reeves, Robert Downey Jr., Woody Harrelson und Winona Ryder konnte A Scanner Darkly die Kinokassen nicht elektrisieren. Inzwischen ist der Film zu einem Kultfilm geworden, da sein ungewöhnlicher Look auch heute noch so aufregend und frisch wirkt, ebenso wie sein unbequemes Szenario einer zunehmend hilflosen, von faschistischer Polizeiarbeit infizierten Vereinigten Staaten.
1. „Weg in die Verdammnis“ (2002)
(Bildnachweis: DreamWorks Pictures)
Im Jahr 2002 wagte es Tom Hanks in Sam Mendes‘ Road to Perdition, sein eigenes Image als gesunder Hauptdarsteller in Frage zu stellen. In dieser losen Nacherzählung der Manga-Serie Lone Wolf & Camp; Cub spielt Hanks einen Auftragskiller der irischen Mafia im Illinois der Depressionszeit, der mit seinem Sohn (Tyler Hoechlin) flieht, nachdem der Rest der Familie abgeschlachtet worden ist. Der größte Teil der Spannung des Films liegt in Hanks‘ Figur Michael Sullivan, der sich weigert, seinen Sohn so aufwachsen zu lassen wie er, ihn aber dennoch in seinem Handwerk ausbildet, während sie rivalisierenden Gangstern und einem bestimmten kaltblütigen Killer (Jude Law) ausweichen. Wenn Road to Perdition dazu gedacht war, Hanks‘ Marke als Schauspieler neu zu formen, dann ist dies nicht gelungen. Der Schauspieler hat seitdem mehr gute Männer gespielt, darunter auch echte Menschen, die Leben gerettet haben. Aber Road to Perdition ist dennoch ein wunderschönes und mitreißendes Bild über die Anstrengungen, die wir unternehmen, um unsere Kinder zu schützen, selbst wenn dies bedeutet, dass sie gezwungen werden, erwachsen zu werden, bevor sie dazu bereit sind.