Die 1960er Jahre sind so viel mehr als nur groovige Hippies, progressive Rocker und modische Fashionistas. Und was Filme angeht, so gab es in dieser Zeit einige der großartigsten Figuren, die je erdacht wurden.
Während Hollywood mit ausgefeilter Studiokost weitermachte, trieb die Popularität fremdsprachiger Filme die Filmwelt mit anspruchsvollen Geschichten, Themen – und oft auch ungewöhnlichen Figuren – voran. Die New-Wave-Bewegungen aus Frankreich, Japan und Italien, ganz zu schweigen von der Wiederbelebung des Westerns in ganz Europa, brachten eine ganze Reihe attraktiver, amoralischer Antihelden hervor. In den USA hielten einige der größten Hollywood-Stars ihr Profil aufrecht, indem sie einige der kultigsten Figuren spielten, die es je im Kino gab.
Von witzigen Revolverhelden über Frauen mit Problemen bis hin zu Cowboys, die auf Atomsprengköpfen reiten – im Folgenden finden Sie 32 der größten Filmfiguren aus den 1960er Jahren.
32. Oberst George Taylor (Planet der Affen)
(Bildnachweis: 20th Century Studios)
Als Charlton Hestons Colonel George Taylor, ein menschlicher Astronaut, in dem Science-Fiction-Klassiker Planet der Affen aus dem Jahr 1968 endlich das Wort ergreift, dröhnen seine Worte wie eine Atomexplosion, und das darauf folgende Schweigen der laufenden, sprechenden Affen ist ebenso ohrenbetäubend. In einer futuristischen Erde, die von hyperintelligenten Affen regiert wird und in der die Menschen unverständliche Wilde sind, ist Col. Taylor der Avatar für die gesamte Menschheit, sein Überbleibsel einer mächtigen, aber arroganten Spezies, die dazu verdammt ist, unseren großen Fall von der Vorherrschaft zu realisieren.
31: Rosemary Woodhouse (Rosemary’s Baby)
(Bildnachweis: Paramount Pictures)
Es ist bedauerlich und ironisch, dass einer der besten Filme über den Verlust der Handlungsfähigkeit einer Frau von Regisseur Roman Polanski stammt. Dennoch ist Polanskis psychologischer Horrorklassiker Rosemary’s Baby aus dem Jahr 1968 mit einer ausdrucksstarken Mia Farrow in der Hauptrolle erschütternd. Farrow spielt Rosemary Woodhouse, die junge Ehefrau eines erfolgreichen New Yorker Theaterschauspielers, deren Schwangerschaft zu allerlei unerklärlichen Problemen und Spuk in ihrer neuen Wohnung führt. Rosemary’s Baby hat eines der düstersten Enden aller Zeiten, und vieles davon prägt unsere bleibende Erinnerung an Rosemary – eine unschuldige Frau, die von innen heraus durch das unaussprechliche Böse verdorben wurde.
30: Lucky Jackson (Viva Las Vegas)
(Bildnachweis: MGM)
Viva Las Vegas, einer der wichtigsten Filme von Elvis Presley, zeigt den Rock’n’Roll-Titan als singenden Rennfahrer, der sich in eine Schwimmlehrerin in einem Hotel in Las Vegas verliebt (gespielt von der schönen Ann-Margret). Lucky Jackson ist zwar unkompliziert, aber die perfekte Definition von Coolness, dank eines glühend heißen Presley, dessen mühelose Bühnenpräsenz sich über ein Jahrzehnt lang in eine Filmkarriere verwandelte. Auch wenn ein großer Teil des Films vergesslich ist, ist der Titelsong „Viva Las Vegas“ ein unerträglicher Ohrwurm, und Presleys Darbietung macht seine Anziehungskraft aus.
29. alte Frau (Onibaba)
(Bildnachweis: Toho)
In Kaneto Shindos gespenstischem Horrorklassiker Onibaba, der im 14. Jahrhundert spielt, umgarnen zwei Frauen – eine alte Frau (gespielt von Nobuko Otowa) und ihre junge Schwiegertochter (Jitsuko Yoshimura) – verirrte Samurai, entsorgen ihre Leichen und verkaufen ihre Waren gegen Geld. Schließlich entzweien Eifersucht und Misstrauen die intriganten Frauen in ihren eigenen erbitterten Bürgerkrieg, in dem Otowas Figur einem finsteren übernatürlichen Wesen (mittels einer dämonischen Gesichtsmaske) erliegt. Otowas erschütternde Darbietung offenbart die abgrundtiefe Dunkelheit einer Frau, die ihr Schicksal im Angesicht des Bösen erkennt, und schafft ein bleibendes Bild der Hilflosigkeit der Menschheit gegenüber unheimlichen Kräften.
28. Michel (Atemlos)
(Bildnachweis: SociÉtÉ nouvelle de cinÉmatographie)
Der prototypische Held des französischen New-Wave-Kinos, Michel, gespielt von Jean-Paul Belmondo, ist der dem Untergang geweihte Protagonist von Jean-Luc Godards verehrtem Meisterwerk Atemlos. Michel ist ein Kleinkrimineller, der an Kurzsichtigkeit und romantischem Wahn leidet und sich absichtlich Humphrey Bogart zum Vorbild nimmt. Durch seine Affäre mit einer schönen amerikanischen Journalistikstudentin in Paris wirkt sein Fetischismus für Happy Ends im Hollywood-Stil angesichts des düsteren Schicksals, das ihn erwartet, geradezu ironisch. Michel ist kein schlechter Kerl. Jedenfalls nicht wirklich. Er ist nur ein wenig verloren in seiner eigenen phantasievollen Selbstdarstellung.
27 König Ghidorah (Ghidorah, das dreiköpfige Monster)
(Bildnachweis: Toho)
1954 stieg Godzilla aus den Tiefen der Erde auf, stapfte durch Tokio und verwüstete die Stadt mit seinem atomaren Atem. Zehn Jahre später wurde Godzilla zum Beschützer der Erde vor einer noch größeren Bedrohung: Ghidorah, ein dreiköpfiger goldener Drache, der an die japanische Mythologie erinnert. Unabhängig von seiner Herkunft – ob aus der Antike oder von Außerirdischen – gilt Ghidorah, der 1964 in dem Film Ghidorah, das dreiköpfige Monster sein Leinwanddebüt gab, bis heute als einer der größten Rivalen Godzillas und als eine Bestie, die zu immenser Zerstörung fähig ist. Ghidorah ist einfach ein großartiges Filmmonster und übertrifft andere Godzilla-Filme durch seine schier furchteinflößende Präsenz.
26. Barbarella (Barbarella)
(Bildnachweis: Paramount Pictures)
Bevor Prinzessin Leia in einer weit, weit entfernten Galaxie auftauchte, gab es Barbarella. Als schwüle Weltraumkriegerin, die von der temperamentvollen Jane Fonda verkörpert wird, ist Barbarella eine energiegeladene Heldin, die ihre Sexualität auf der Zunge trägt. (Nun, das würde sie, wenn sie Ärmel hätte.) Fondas Barbarella ist eine Hommage an die schlüpfrigen Comics der späten 1960er Jahre und bietet eine thematische Tiefe, die nur oberflächlich ist. Doch dank des Talents und der Schönheit einer Jane Fonda ist Barbarella eine ikonische Sci-Fi-Königin, die den Weltraum zu heiß machen kann, um ihn zu beherrschen.
25: Christine (Augen ohne Gesicht)
(Bildnachweis: Janus Films)
Es ist poetisch, dass in Georges Franjus Augen ohne Gesicht ausgerechnet derjenige mit der abscheulichsten Gesichtsverunstaltung ein intaktes Gewissen hat. In Franjus französischem Horrorklassiker spielt Édith Scob die Rolle der Christine, der totgeglaubten Tochter des berühmten Arztes Dr. GÉnessier (Pierre Brasseur). In Wahrheit ist Christine die Überlebende eines heftigen Autounfalls und leidet in ihrer Isolation unter verheerenden Narben. Dies veranlasst Dr. GÉnessier (und seinen Assistenten) dazu, schöne junge Frauen zu entführen und ihre Gesichter für experimentelle Verfahren zu entnehmen, um Christines Leiden zu „heilen“. Doch während ihr Vater zu einem Monster geworden ist, bewahrt Christine ihre Menschlichkeit, auch wenn die Gesellschaft sie dafür meidet.
24: Butch Cassidy und Harry Longabaugh (Butch Cassidy und Sundance Kid)
(Bildnachweis: 20th Century Studios)
Bei ihrem ersten gemeinsamen Auftritt auf der Leinwand brillierten Paul Newman und Robert Redford als gesetzlose Revolverhelden Butch Cassidy und „Sundance Kid“ Harry Longabaugh. Mit ihren gegensätzlichen Persönlichkeiten – Butch ist der überschwängliche Schießwütige, Harry hält seinen Hut lieber niedrig und ist auf die Lehrerin Etta fixiert – haben sich die beiden ihren Platz als eines der besten Männerduos des Kinos verdient und waren für Jahrzehnte die Blaupause für Action-Komödienpaare. Lange bevor soziale Medien und TikTok die Idee des „Ride and Die“ populär machten, lebten Butch Cassidy und Harry Longabaugh diesen Geist und genossen die Unsterblichkeit in ihrem Schlussbild mit Standbild.
23: Dolores Haze (Lolita)
(Bildnachweis: MGM)
Wie konnte Lolita überhaupt verfilmt werden? Sie besetzten die 14-jährige Sue Lyon, das ist der Grund. In Stanley Kubricks umstrittener und dennoch gefeierter Verfilmung von Vladimir Nabokovs Roman spielt Lyon Dolores Haze, das Objekt (und sie ist tatsächlich ein Objekt) der Zuneigung des Professors Humbert Humbert mittleren Alters. Bei allen Lesarten von Lolita, sowohl des Romans als auch seiner untrennbaren Verfilmungen, bleibt immer die Frage nach Dolores selbst. Sie verwendet den Spitznamen „Lolita“ kein einziges Mal. Er wird von anderen benutzt, wodurch sie ihrer Subjektivität beraubt wird.
Leider hatte Lyons denkwürdige Darstellung auch unheimliche Schattenseiten, denn Lyons äußerte später Schwierigkeiten, ihre geistige und emotionale Gesundheit aufrechtzuerhalten, nachdem sie in jungen Jahren wegen ihrer Sexualität zu Ruhm gekommen war. 1996 erklärte Lyons gegenüber The Independent: „Dieser Film hat mich als Person zerstört. Lolita hat mich Versuchungen ausgesetzt, denen kein Mädchen in diesem Alter ausgesetzt sein sollte. Ich bezweifle, dass ein hübsches Mädchen, das mit 14 Jahren in einer Rolle als Sex-Nymphe zum Star aufsteigt, danach auf dem rechten Weg bleibt.“
22. Dolly Levi (Hallo, Dolly!)
(Bildnachweis: 20th Century Studios)
In den meisten Versionen des Musicals Hello, Dolly!ist Dolly Levi eine geliebte Frau mittleren Alters, deren neuer Lebensabschnitt sie dazu bringt, Singles zu verkuppeln und sich in die Angelegenheiten anderer einzumischen. In der Verfilmung von 1969 mit Superstar Barbara Streisand ist Dolly Levi etwas grobschlächtiger, aber sie ist nicht weniger sehenswert, da sie so lebendig und farbenfroh ist wie ihre prächtige Garderobe. Obwohl Streisand sich Berichten zufolge hinter den Kulissen weder mit ihrem Co-Star Walter Matthau noch mit Regisseur Gene Kelly verstand, konnte das Dolly Levi nicht davon abhalten, vor Strahlkraft zu explodieren.
21. Lucas „Luke“ Jackson (Cool Hand Luke)
(Bildnachweis: Warner Bros.)
Mit seiner Darstellung des rebellischen Gefängnisinsassen Luke Jackson in Stuart Rosenbergs Klassiker Cool Hand Luke von 1967 hat Paul Newman seinen Platz in der Filmgeschichte für immer zementiert. Als Newmans unvergleichliches Filmstar-Charisma durch Lukes schmutzige Gefängnisgarderobe dringt, wird Luke zum Schutzpatron der Aufmüpfigen, der sein repressives Establishment mit echtem Sinn für Humor stört. Als Vorbild für Anarchie lässt Luke Jackson die Aufruhr in der Kettenbande so verdammt gut aussehen.
20. Lt. Frank Bullitt (Bullitt)
(Bildnachweis: Warner Bros.)
Er fährt einen Mustang wie kein anderer, und er sieht dabei auch noch gut aus. In dem Film, der die Karriere von Steve McQueen geprägt hat, spielt McQueen den hartgesottenen Polizeidetektiv Frank Bullitt aus San Francisco, der in einem Fall ermittelt, in den die Chicagoer Mafia verwickelt ist. Ehrlich gesagt, sind die Einzelheiten der Geschichte nicht wichtig. Denn abgesehen von der epischen Verfolgungsjagd ist das Einzige, woran man sich bei Bullitt wirklich erinnert, wie cool Frank Bullitt ist. Der von McQueen gespielte Frank Bullitt geht und spricht, als wäre er einem Magazin entsprungen. Mit seinem sabbernden Rollkragenpullover und seinem beneidenswerten Ford Mustang rannten Figuren wie Bullitt, damit andere wie John McClane und John Wick rennen konnten.
19 Ryunosuke (Das Schwert des Verderbens)
(Bildnachweis: Toho)
Kihachi Okamotos Film The Sword of Doom aus dem Jahr 1966 erzählt von einem amoralischen Schwertkämpfer, Ryunosuke (Tatsuya Nakadai), der durch das feudale Japan wandert und eine Spur des Blutvergießens hinterlässt – entgegen der weit verbreiteten Vorstellung von Samurai als edlen Soldaten, die die Ehre hochhalten. Der kalte und grausame Ryunosuke nutzt seinen eigenen Schwertkampfstil, eine unheimliche Form, die er „Silent Stance“ nennt und mit der er seine Gegner in die Enge treibt, bevor er sie niederstreckt. Als düsterer Antiheld, der nur für sich selbst lebt und kämpft, ist Ryunosuke eine der furchteinflößendsten Figuren in der Geschichte des Samurai-Films. Er ist jemand, der den Bushido-Kodex auf leise Weise verhöhnt, indem er einfach schneller, stärker und tödlicher ist als jeder, der sich ihm in den Weg stellt.
18. Maria von Trapp (The Sound of Music)
(Bildnachweis: 20th Century Studios)
Wie löst man ein Problem wie Maria? Ein Jahr nachdem Julie Andrews in Mary Poppins ein zauberhaftes Kindermädchen für ein paar britische Gören spielte, wurde sie in Robert Wises Verfilmung von Roger & Hammersteins The Sound of Music erneut zur Gouvernante von sieben österreichischen Außenseitern. Während Mary Poppins mit all dem Disney-Zauber schwebt, ist Andrews‘ Maria von Trapp bodenständiger und eine lehrreiche Lehrerin darin, was es heißt, das Leben zu genießen und seine vielen Herausforderungen mit einem Lied zu meistern. Mit Andrews‘ überragender Leistung ist Maria von Trapp kaum ein „Problem“, das gelöst werden muss.
17: Major T.J. Kong (Dr. Seltsam)
(Bildnachweis: Columbia Pictures)
Peter Sellers spielt mehrere Figuren in Stanley Kubricks Dr. Seltsam, aber es gibt eine Figur, die er nicht spielt und die eines der nachhaltigsten Bilder des Films inspiriert. Slim Pickens spielt die Hauptrolle in der Kriegssatire von 1964 als Major T.J. „King“ Kong, ein cartoonhaft patriotischer B-52-Kommandant, der eine H-Bombe in die Tiefe reitet und auf dem ganzen Weg dorthin johlt und brüllt. Das Beste daran ist, dass Pickens nicht gesagt wurde, dass es sich bei dem Film um eine schwarze Komödie handelt, und seine ganze Leistung ist das Ergebnis davon, dass er die Rolle so direkt wie möglich spielt. Und es kommt noch besser: Wie der Kubrick-Biograf John Baxter in einem Dokumentarfilm-Interview berichtet, erschien Slim Pickens an seinem ersten Drehtag von Kopf bis Fuß in Cowboy-Kleidung. Alle dachten, er käme in einem Kostüm. Später erfuhren sie, dass Slim Pickens im wirklichen Leben einfach immer so gekleidet war.
16. Mrs. Robinson (Die Reifeprüfung)
(Bildnachweis: Lionsgate)
Auf dich, Mrs. Robinson. In Mike Nichols‘ zeitlosem Liebeskomödiendrama spielt Anne Bancroft die unberechenbare Verführerin Mrs. Robinson, eine Frau mittleren Alters in einer lieblosen Ehe, die eine heiße Affäre mit dem jungen College-Absolventen Benjamin (Dustin Hoffman) beginnt. Nach und nach wird Mrs. Robinson zur Antagonistin des Films, da sie die Affäre nutzt, um Benjamin davon abzuhalten, mit ihrer Tochter Elaine auszugehen. Als hochemotionale und manipulative Frau ist Mrs. Robinson der Beweis dafür, dass einige der besten Filmschurken diejenigen sind, die einen mit einem Lächeln und einer Zigarette ködern können.
15. „Pierrot“ Ferdinand und Marianne (Pierrot le Fou)
(Bildnachweis: Lionsgate)
In Jean-Luc Godards zehntem Film Pierrot le Fou, der weithin als sein Meisterwerk und als Inbegriff der französischen Neuen Welle gilt, spielen Jean-Paul Belmondo und Anna Karina, die häufig zusammenarbeiten, die Rollen von Ferdinand und Marianne. Ferdinand, ein mit dem modernen Leben unzufriedener Ehemann, beschließt, mit Marianne, einer Ex-Freundin auf der Flucht vor den Attentätern der Regierung, ans Mittelmeer zu fliehen. Die beiden beginnen ein Leben als Verbrecher, eine echte Version von Bonnie und Clyde aus den 1960er Jahren, nur mit viel mehr Autoexplosionen, Schießereien und dem Durchbrechen der vierten Wand. Zusammen sind sie eine der besten Figuren, die das französische Kino je hervorgebracht hat, und sie behaupten ihren Platz auf ihre eigene, ungewöhnliche Weise.
14. der Großvater von Paul (A Hard Day’s Night)
(Bildnachweis: United Artists)
Jeder hat das Recht auf zwei. In der surrealen Komödie A Hard Day’s Night mit der legendären Rockband The Beatles spielt Wilfrid Brambell die Hauptrolle des John McCartney, Paul McCartneys „Großvater“, der die Band auf ihrer Reise nach und durch London begleitet. Wie ein Trickbetrüger aus dem Märchenbuch widersetzt sich „Paul’s Grandfather“ der Vorstellung, dass er nur ein netter alter Mann ist, indem er sich in alle möglichen Schwierigkeiten verwickelt, von der spontanen Wiederverheiratung bis zum Versuch, gefälschte Autogramme zu verkaufen. Selbst in einem Film voller Witzbolde hebt sich Pauls Großvater herrlich ab, indem er sich so verhält, als ginge es im ganzen Film nur um ihn.
13: Inspektor Jacques Clouseau (Der rosarote Panther)
(Bildnachweis: United Artists)
Inspektor Jacques Clouseau ist unbeholfen, aber immer auf der Hut, egal wie sehr man ihn anfleht, es nicht zu sein, und hält den Helden der hartgesottenen Krimis den komischen Spiegel vor. In der Satire Der rosarote Panther von Blake Edwards aus dem Jahr 1964 war Clouseau, gespielt von Peter Sellers, so etwas wie eine Entdeckung. Im Mittelpunkt des Films steht David Nivens Sir Charles Lytton, ein Gentleman-Dieb, der versucht, den ungeschickten Clouseau zu überlisten. Während der Produktion wurde den Filmemachern klar, wie sehr Sellers‘ Clouseau die Szene beherrschte, und so begannen sie, den Film auf ihn zuzuschneiden, anstatt auf die eigentliche „Hauptfigur“. Während Clouseau dazu beitrug, Der rosarote Panther zu einem Franchise zu machen, ist sein erster Auftritt im ersten Film eine überdimensionale Komödie vom Feinsten.
12. HAL 9000 (2001: Odyssee im Weltraum)
(Bildnachweis: MGM)
Als das Genre des Science-Fiction-Films in den 1960er Jahren reifte, zeigte Stanley Kubricks unsterblicher Klassiker 2001: Odyssee im Weltraum, dass künstliche Intelligenz auf natürliche Weise erschreckend sein kann. In Kubricks Film wird der Supercomputer HAL 9000, der den Wissenschaftlern an Bord des Raumschiffs Discovery One auf ihrem Weg zum Jupiter helfen sollte, zu ihrem Feind, indem er sie tötet und das Raumschiff dazu benutzt, die Besatzung einen nach dem anderen zu vernichten. Obwohl HAL 9000 ein Bösewicht ist, wirft er Fragen auf, auf die die Menschheit nach all den Jahren immer noch keine Antwort weiß, z. B. den Wert eines Lebens, auch wenn es sich „nur“ um Maschinen handelt.
11. Corie Bratter (Barfuß im Park)
(Bildnachweis: Paramount Pictures)
In Gene Saks‘ witziger Verfilmung von Neil Simons Bühnenstück spielt Jane Fonda die temperamentvolle und leidenschaftliche Corey, die frisch verheiratete Frau des konservativen Anwalts Paul (Robert Redford). Während Paul mit beiden Beinen auf dem Boden bleibt, setzt Corey alles daran, dass sich ihre Ehe himmlisch anfühlt, auch wenn ein Loch in ihrem Glasdach das zu wörtlich nimmt. Sexy und sensationell, Corie und überhaupt Barfuß im Park ist ein Film, der im Kanon der 60er-Jahre-Filme manchmal übersehen und unterschätzt wird. Aber er ist eine der beschwingtesten Komödien des Jahrzehnts, und Fondas grenzenlose Anziehungskraft als Corie macht den Film zu einem Traum.
10. ben (Nacht der lebenden Toten)
(Bildnachweis: Janus Films)
In George Romeros grundlegendem Zombie-Horrorfilm Night of the Living Dead spielt der Schauspieler Duane Jones die Hauptrolle des Ben, eines Fremden, der in der Nacht, in der die Untoten lernen, unter den Lebenden zu wandeln, de facto zum Anführer einer Gruppe von Menschen im ländlichen Pennsylvania wird. Zwar erfährt das Publikum vor dem Film nur wenig darüber, wer Ben wirklich ist, doch er erweist sich als Prototyp für zukünftige Survival-Horror-Protagonisten. Night of the Dead war zu seiner Zeit revolutionär und ist es in gewisser Weise immer noch, weil ein schwarzer männlicher Schauspieler wie Jones die Hauptrolle spielte. Mit seiner Präsenz widersetzt er sich den konventionellen Vorstellungen darüber, wie sich Filme verkaufen, welche Geschichten Schwarze erzählen können und wie das erschreckende Ende des Films zeigt, dass unsere Vorurteile uns blind für unsere wahren Feinde machen.
9. Guido Anselmi (8 ½)
(Bildnachweis: Janus Films)
Als Stellvertreter des Regisseurs Frederico Fellini lässt Marcello Mastroiannis Darstellung eines Filmemachers, der unter einer kreativen Durststrecke leidet, seinem gefeierten Film 8 ½ einen bedeutenden Hauch von Selbstreflexion angedeihen. (Auch der Titel ist eine ausdrückliche Anspielung auf Fellinis Karriere und bezieht sich auf seine acht vorangegangenen Filme.) Fellini sieht jedoch ganz anders aus als sein projiziertes Alter Ego: Guido Anselmi, ein maskuliner Künstler mit silbernem Haar, der seine glühenden Augen hinter einer teuren Sonnenbrille verbirgt. Noch nie haben gequälte visionäre Seelen so stilvoll ausgesehen, und Guido Anselmi ist ihr Paradebeispiel.
8. Holly Golightly (Frühstück bei Tiffany)
(Bildnachweis: Paramount Pictures)
Blake Edwards‘ Verfilmung von Frühstück bei Tiffany nimmt ein paar kritische Änderungen an der Figur der Holly Golightly aus Truman Capotes Originalroman vor. Aber die schiere Leuchtkraft der einzigartigen Audrey Hepburn lässt Holly trotz ihres schicken Äußeren vielschichtig und komplex erscheinen. Holly ist nicht nur eine Stilikone, die die großstädtische Modemode der 60er Jahre verkörpert, sondern auch eine Traumfigur, ein Wesen, das nur in den geschlossenen Räumen einer Hollywood-Romantikkomödie entstehen konnte und sich dennoch lebendig genug anfühlt, um aus der Leinwand herauszutreten. Sie ist schön und kultiviert, aber nie zu gut für ein herzhaftes Lachen. Dass sie ebenso geplagt wie einsam ist, macht sie noch attraktiver. Sogar die Modemagazine neigen dazu, Falten zu haben.
7. nana (Vivre sa vie)
(Bildnachweis: Janus Films)
Filme haben nicht immer ein Happy End. Menschen, die ihre Träume verfolgen, werden nicht immer für ihre Bemühungen und ihre Beharrlichkeit belohnt. Das ist die eindringliche Idee, die Jean-Luc Godards düsteres französisches New-Wave-Drama Vivre sa vie unterstreicht. Anna Karina spielt eine schöne junge Pariserin namens Nana, die ihren Mann und ihr kleines Kind verlässt, um eine Schauspielkarriere zu verfolgen, sich aber prostituiert, um über die Runden zu kommen. Das grausame Ende von Vivre sa vie ist nicht nur hart in seiner Konstruktion – eine Explosion von Gewalt, gefolgt von einem abrupten Schnitt auf Schwarz – sondern auch wie achtlos es seine komplexe Hauptfigur wegwirft, eine Person, die wir die ganze Bandbreite der Menschlichkeit haben erleben lassen, nur um plötzlich zurückgelassen zu werden.
6. Norman Bates (Psycho)
(Bildnachweis: Universal Pictures)
Psycho ist nicht nur einer der einflussreichsten Horrorfilme aller Zeiten, sein Antagonist Norman Bates (Anthony Perkins) ist eine der wichtigsten Figuren der Filmgeschichte. Man könnte einen ganzen College-Kurs darüber halten, was Norman Bates in den Bereichen Psychologie und Gender Studies repräsentiert, ganz zu schweigen davon, wie Horror- und Spannungsfilme auf erzählerische Wendungen setzen, um das Publikum in Atem zu halten, wie es Psycho tat. Vor allem aber ist es Anthony Perkins, der Norman Bates eine unheimliche Textur verleiht, indem er ihn weniger wie einen Schauspieler verkörpert, der eine Rolle spielt, sondern eher wie einen Wolf, der sich verkleidet. Hinter seinem Lächeln verbirgt sich etwas, und nichts davon ist gut.
5: Dr. John Wade Prentice und Christina Drayton (Guess Who’s Coming to Dinner)
(Bildnachweis: Columbia Pictures)
In gewisser Weise gibt es nichts Bemerkenswertes an Dr. John Prentice und Christine Drayton. Sie sind verliebte Yuppies, die man sich leicht in passenden Mickey- und Minnie-T-Shirts in Disneyland vorstellen kann oder die von einem langweiligen Bed and Breakfast schwärmen. Aber Stanley Kramers Guess Who’s Coming to Dinner wurde 1967 veröffentlicht, als die Rassenmischung in vielen Teilen der Vereinigten Staaten noch illegal war. Dieses sympathische Paar, ein schwarzer Arzt (der legendäre Sidney Poitier) und die junge weiße Tochter (Katharine Hepburn) wohlhabender weißer Liberaler, sind also in Wirklichkeit radikale Figuren, weniger als Menschen, sondern vielmehr als das, was sie repräsentieren: Wie Liebe Rassenhintergründe überwinden kann und wird. Da es sich um eine unbeschwerte Liebeskomödie handelt, die sich durch ihr hinreißendes Paar eindeutig mit Rassismus auseinandersetzt, ist Guess Who’s Coming to Dinner unendlich viel wichtiger und konsequenter, als es sein gutes Aussehen vermuten lässt.
4. sanjuro (Yojimbo und sanjuro)
(Bildnachweis: Toho)
Toshiro Mifune hat im Laufe seiner Filmkarriere auch andere Figuren als Samurai gespielt. Aber er wird immer noch stark mit ihnen in Verbindung gebracht, und zwar wegen Filmen wie Yojimbo und Sanjuro, in denen er die Hauptrolle des wandernden, anonymen Ronin mit dem Namen Sanjuro spielte. Yojimbo und Sanjuro sind zwar von der Handlung her zwei unterschiedliche Filme – letzterer entstand als Romanverfilmung, bevor er zu einer direkten Fortsetzung des erfolgreichen ersten Films umgestaltet wurde -, aber beide haben den feurigen Toshiro Mifune in der Rolle des furchterregenden Schwertkämpfers, der auf seinen Reisen in verschiedene Affären gerät. Wenn Samurai-Filme wirklich mit Western vergleichbar sind, dann kann eine Figur wie Sanjuro sicherlich mit Figuren wie dem Mann ohne Namen konkurrieren und hat vielleicht sogar eine Menge mit ihnen gemeinsam.
3 Der Mann ohne Namen (Die Dollars-Trilogie)
(Bildnachweis: MGM)
Es war nicht Sergio Leones Absicht, dass Clint Eastwoods aalglatter Revolverheld ohne Namen eine Filmtrilogie anführen sollte. Aber beginnend mit A Fisful of Dollars (1964) und endend mit The Good, the Bad, and the Ugly (1966) spielte Clint Eastwood einen der größten und rätselhaftesten Anti-Helden im gesamten Kanon der Westernfilme. Zum Leben erweckt von einem verschwitzten Eastwood, mit schielenden Mandelaugen, einer schlechten Einstellung und einem Poncho (dessen Ursprünge auf dem Bildschirm tatsächlich eine halbwegs definierte Zeitlinie der Trilogie schaffen), ist der Mann ohne Namen einfach einer der coolsten und gefährlichsten Männer, die jemals einen Revolver in der Hand hatten, eine prägende Figur, der Charaktere wie John Wick, John Marston und The Mandalorian etwas zu verdanken haben.
2) James Bond (Die 007-Serie)
(Bildnachweis: MGM)
Sein Name ist Bond… James Bond. Ursprünglich der problematische Spion aus Ian Flemings literarischen Werken, war es Sean Connery, der unseren Eindruck und unsere Erwartungen an James Bond über Jahrzehnte hinweg prägte. Er ist gut aussehend, er ist charismatisch, er ist für den modernen Geschmack ein bisschen zu handgreiflich. Aber er ist Bond, ein Mann der Tat und ein Mann des Geheimnisses, dem Generationen immer nacheifern wollen werden.
1 Atticus Finch (Wer die Spottdrossel tötet)
(Bildnachweis: Universal Pictures)
Man muss nicht nur wissen, dass man das Richtige tut. Man muss wissen, wie man das Richtige tut, dafür einstehen und dafür argumentieren. Selbst dann, wenn die Menschen um einen herum einem wie mit einem Dolch in die Augen starren und das Gegenteil behaupten. In Robert Mulligans Verfilmung des Romanklassikers von Harper Lee erweckt Gregory Peck den vorbildlichen Anwalt Atticus Finch zum Leben, der sich für einen unschuldigen schwarzen Mann einsetzt, der der Vergewaltigung einer jungen weißen Frau im segregierten Alabama beschuldigt wird. (To Kill a Mockingbird wurde zwei Jahre vor der Aufhebung der Rassentrennung durch das Bürgerrechtsgesetz von 1964 veröffentlicht).
Es ist eine populäre Legende, dass Atticus Finch ein unbequemes Vorbild für idealistische Anwälte war. Aber das schmälert nicht die Macht von Atticus als Figur, die mit ihrer Moral lehrreich ist und uns allen zeigt, dass Recht und Unrecht nicht einfach eine Frage dessen ist, was alle anderen denken. Atticus Finch ist nicht nur eine der besten Filmfiguren der 1960er Jahre – er ist eine der besten, die je erschaffen wurden.